¿Cómo fue tu acercamiento a la pintura?
De niña me gustaba mucho pintar, pero en realidad mi primera expresión artística fue escribir. También realicé una importante experiencia en teatro con un grupo vocacional. Siempre me gustaron todas las manifestaciones artísticas.
A los 21 años comencé a pintar por mi cuenta en forma continua.
Dos años después ingresé en la escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”.
Allí desarrollé mi vocación por la pintura; paralelamente hacía taller en MEEBA. Cuando terminé de cursar necesité pintar un tiempo sola en taller y luego volví a MEEBA a la que concurrí hasta 1986 y en donde mi trabajo de taller se hizo cada vez más intenso.

¿Cómo fue tu evolución desde 1986 hasta ahora?
En un principio el protagonismo en mi pintura tuvo la figura humana. Mi principal búsqueda no estaba en el color sino en el empaste, en el claro oscuro, en la luz. Mis obras estaban sumergidas en un clima gris, grises que veía impregnados en los ambientes, en la masa de gente. Yo hacía una especie de exaltación del anonimato.
También realicé muchísimos bocetos de interiores de colectivos y subterráneos. Fue una etapa que terminó, pero quizás algún día vuelva a retomar.
A partir de ahí comencé a sentir una necesidad de abstracción y de síntesis, pero dentro de una permanente intencionalidad del espacio. Fui incorporando el color, que es cada vez más vibrante y llegó un momento en que la base comenzó a ser el concepto del color y el espacio.

¿Cómo definirías tu obra actual?
En este momento mi pintura es un juego entre lo estructural y lo orgánico. Hay un sentimiento social en esta idea expresado en las formas externas emergentes de un inconsciente individual y colectivo.

¿El arte para vos es un cambio continuo?
Si: cambio y crecimiento a la vez.

¿De qué modo influyen los formadores de opinión en la obra de un artista?
Hasta ahora nada de lo que he leído u oído ha influido en mi pintura, pero sí me he emocionado al ver la obra de muchos artistas que seguramente han dejado influencia en ella.

¿Pensás que se puede ser independiente de los medios y los formadores de opinión?
Totalmente independiente. El proceso creador es independiente hasta de la conciencia de quien ejecuta la obra.

¿Hasta qué punto condicionan o no la propia individualidad?
Para mi los formadores de opinión lo que sí pueden condicionar es la comercialización de una obra, pero esto nada tiene que ver con el quehacer de un artista.

¿Cómo ves el arte joven actual en la Argentina?
Hay mucha confusión, porque nos encontramos en un sistema que prioriza el éxito y la competencia en lugar de los valores esenciales de la creación y la tarea creativa.

¿Cómo te relacionas con tus alumnos del taller a nivel docente?
Parto de sus propias expectativas y necesidades. La tarea y responsabilidad más importante que yo siento ante ellos es la de ir deshaciendo los estereotipos y preconceptos que detienen su desarrollo.
Para esto se trabaja en un clima de intimidad, respeto y contención. Como pintora necesito la tarea docente. Este intercambio es para mí un alimento permanente.

¿Hay alguna idea que te interesa aclarar?
Si quizás lo que quiero decir tenga que ver con la tarea del artista. El la realiza porque la necesita. Crecerá su obra en la medida en que crezca como ser humano en el medio social en el que le toque vivir. Se trata de un crecimiento interno, que la obra trascienda a niveles de fama es solo una consecuencia.

*LILIANA GARCIA NUDELMAN
Nace en Buenos Aires en 1950
Egresa de la Escuela Nacional de Bellas Artes en el año 1978.
En 1980 comienza a desempeñarse como docente en el área de Educación Plástica en las escuelas de la Secretaría de Educación dependiente de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires.
En 1987 ingresa como docente titular en la Dirección de Enseñanza Especial de la misma Secretaría.
Desde 1977 hasta 1986 realizó estudios de Dibujo y Pintura en los talleres de la Asociación de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes (M.E.E.B.A.).
En 1987 ingresa al Departamento de Pintura de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos (S.A.A.P.). Por intermedio de este Departamento se incorpora a la tarea de desarrollar actividades de difusión cultural y actividades relacionadas con la Plástica. En 1989 integra el Jurado del Salón Anual de Pintura de la Casa de la Cultura de Banfield. Ese mismo año, colabora en la organización de la muestra de dibujos realizada por la Sub-secretaría de Derechos Humanos y la Secretaría de Educación en el Teatro Municipal General San Martín.

EXPOSICIONES REALIZADAS

1978 – Certamen de Artes Plásticas para alumnos de Bellas Artes.
Centro Nacional de Exposiciones.
1982 – Primer Salón Docente de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación de la M.C.B.A. Consejo Deliberante.
1983 – Segundo Salón Docente de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación de la M.C.B.A. Centro Cultural General San Martín.
1986 – Muestra de fin de año de la Asociación de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes. 1987 – Muestra del Departamento de Pintura de S.A.A.P. Galería Hoy en el Arte.
1987 – Salón Pequeño Formato S.A.A.P. Galería “Braque”
1988 – Muestra 8 Pintores Argentinos. Sala de Exposiciones de C.O.D.E.P.R.O. Ltda.
1988 – Primer Encuentro Rioplatense de Artistas Plásticos. Teatro El Galpón. Montevideo (Uruguay).
1988 – 5° Salón de Otoño organizado por S.A.A.P. Centro Cultural Las Malvinas.
1988 – Muestra de fin de año del Departamento de Pintura de S.A.A.P. Galería “Hoy en el Arte”.
1989 – Primera Muestra Individual en la Facultad de Psicología de la Universidad de Buenos Aires.
1989 – Banco Hipotecario Nacional, integrando el Grupo de Plásticos “DE ACA”, en su primera muestra.
1989 – Galería “Liberarte”. Muestra de Artistas contra el indulto.
1989 – Muestra individual en “OMA” Capital Federal.
1990 – Muestra individual en MEDINAH S.R.L.
1990 – Galería FORMA de S.A.A.P., muestra apertura.
1991 – Banco Local Cooperativo Limitado.
1991 – Café “La casa de los Ezeiza”.

La entrada Reportaje a la artista plástica: Liliana García Nudelman* se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Ya de niño convive con la pintura en el taller de su padre H. Tessarolo. Concurrió a los talleres de los maestros URRUCHUA Y POLICASTRO. Estudió dibujo con Luis Dotori y realizó también cursos de dibujo en la Asociación Estímulo de Bellas Artes.
En 1973 realizó un viaje de estudios por Europa.
En 1980 hizo un curso de pintura al fresco en MEEBA. Su primera exposición fue en la Galería Van Gogh en el año 1960.
Hasta la fecha tiene realizadas 78 muestras entre las que podemos citar: Museo de Santa Rosa (La Pampa), Galería La Vuelta de los Tachos, Galería Braque, Museo de Olavavarría, Museo Provincial de Arte en Santa Rosa (La Pampa), Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes, Galería Hoy en el Arte.

Reportajes: Radio Antártida, Radio Nacional, Radio del Plata (programa de César Magrini), Radio Municipal, Radio Avellaneda (programa: Punto Sur) ; en televisión: Canal 2 (Show de la vida) y Carral 13 (Badía y Compañía y El espejo), en el Elevage Hotel reportaje realizado por el GRUPO GENERACION ABIERTA.
Publicaciones: diarios La Nación, Cronista Comercial, Ámbito Financiero, La Arena (de La Pampa) y en el Anuario de Arte Argentino. 
Museos que tienen sus obras: Museo Universidad Católica de La Plata, Instituto Perito Moreno de Bs.As., Pinacoteca Municipal de San Carlos de Bariloche, y los Museos Municipales de: Santa Rosa (La Pampa), Damacio Arce de Olavarría, de Quilmes, de Posadas (Misiones), Fundación Hugo Irureta (Tilcara, Jujuy), de Artes Visuales de Los Toldos (Prov. de Bs. As.).
Desde 1989 integra la Comisión Directiva de la SAAP y desde diciembre del mismo año es Integrante de la Oreja Verde.

¿CUANDO Y CON QUIEN COMIENZA SU ACERCAMIENTO HACIA LA PINTURA?
Comencé a pintar a los 4 o 5 años, junto con mi padre íbamos a pintar al bañado de Flores, él me formó como pintor.

¿LA OBRA DE SU PADRE TUVO INFLUENCIA SOBRE LA SUYA?
Nuestras pinturas son muy diferentes. El hace paisaje y figuras humanas inmersas en él, también naturalezas muertas.
Nuestras obras tienen un objetivo netamente social, mi padre lo manifiesta en sus paisajes, donde el hombre aparece en un segundo plano, ya que se ve envuelto en la atmósfera, en cambio en mi pintura la figura aparece siempre en primer plano, sin ella no concebiría la obra.

¿CUAL ES LA TEMATICA DE SU OBRA?
La figura humana es lo que más me motiva en cuanto representa la problemática social, debido a que es terrible la posibilidad de vida en la sociedad en que vivimos. Me interesa la cosa salvaje y primitiva a lo convencional o ya determinado.

¿COMO SE CONCIBE SU OBRA?
Parto siempre de la nada y a medida que voy manchando voy encontrando imágenes, aunque en realidad ya estaban incorporadas en mí. Ubico la figura en primer plano y el fondo lo utilizo para mantener este primer plano. La obra la concreto rápidamente, porque yo no soy la misma persona hoy que dentro de un mes y mis sentimientos cambian.

¿QUIENES FUERON SUS MAESTROS?
Yo tuve dos maestros Policastro y Demetrio Urruchúa muy comprometidos con la sociedad de su época.

¿TIENE ALGUN RECUERDO EN ESPECIAL DE ELLOS?
Si, una frase de Urruchúa me quedó muy grabada (te aclaro no se si ésta era de él o él la recordaba de otro maestro).
Era algo así… “El hombre es el perfecto equilibrio entre la razón y la locura, si es toda locura hay que encerrarlo, y si es toda razón es un estúpido cualquiera”.

¿SE PUEDE HABLAR DE DEFINICIONES EN EL ARTE?
El arte es un encontrarse consigo mismo, está para llegar al hombre y para hacer una reflexión de todo lo que nos pasa.
Me interesa pintar lo que yo siento y lo que yo quiero, lo hago para mi y para los demás.

¿QUE ES SER ARTISTA Y QUE FUNCION CUMPLE DENTRO DE LA SOCIEDAD?
El artista es un todo y en la medida que se compromete y rescata lo positivo de quienes conviven con él es un artista.
Hay pocos pintores que son ellos mismos, un artista en lo posible debe modificar las cosas de la sociedad, anticiparse al futuro.

¿EXISTE LA CREACION EN EL ARTE?
La creación para mi no existe. En realidad nosotros somos intérpretes de nuestra vida misma e incluso los precursores de nuevas tendencias son sus propios intérpretes de los que les tocó vivir.

¿QUE GRANDES NOMBRES ME PUEDE MENCIONAR DENTRO DEL ARTE?
Entre ellos puedo nombrar a Goya, Miguel Angel, Picasso…, porque abrieron caminos y rompieron esquemas.

¿LE GUSTA LA DOCENCIA?
Si.

¿CUAL SERIA SU FUNCION EN EL TALLER?
Considero que el maestro no debe ser una persona que enseña sino que conduce, yo dejo que mis alumnos trabajen libremente, que cada uno sea él mismo. Me interesa que aprendan a componer desde su propia iniciativa. En pintura trabajan siempre encontrando su propia imagen y en dibujo con modelo vivo.

¿QUE OPINION LE MERECEN LOS SALONES?
Los salones llevan a la competencia y para mí el arte no es competitivo.
Hay dos maneras de ser pintor: el pintor de su taller que hace todos los años una buena muestra y el que sólo participa en el juego de los salones lo que implica pintar para el gusto del jurado y hacer obras de gran tamaño.

¿QUE PROYECTOS TIENE PARA 1990?
En febrero una exposición en Mar del Plata en la Galería Casa de madera, en marzo en la Boca en la Galería “La Vuelta de los Tachos”, en junio en la Galería Marienband, en el mes de julio en el Consejo Deliberante y probablemente en la Galería Lagard.

La entrada Carlos Tessarolo: “El arte no es competitivo” se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Nació en Bs.As. Cursó sus primeros estudios de dibujo en Escuelas Populares de Belgrano y Nuñez siendo adolescente. Tuvo como maestro de pintura a Ignacio Colombres, en cuyo taller trabajó hasta 1962. En el mismo período asistió a clases abiertas de dibujo con modelo en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes e incursionó en los clásicos de la Teoría del Arte: Wilhem Worringer, Heinrich Wdlfflin, André Lhote, Johannes Itten y Herbert Read. Complementó su formación adquiriendo conocimientos de xilografía, linóleo y modulación de color con Margarita Martínez, grabado en especial aguafuerte en el taller de E.Levy, técnicas y composición con Kenneth Kemble y trabajó en serigrafía con Armando Basabe.
En la década del sesenta realizó viajes a países sudamericanos y Méjico poniéndose en contacto con las civilizaciones primigenias del continente. En 1970 visita Europa en varias oportunidades y en los ochenta E.E.U.U. donde tomb contacto con los más modernos. A fines de 1983, integra con Estela Pereda y Sofía Sabsay, el dibujante Pedro Padawer y el fotógrafo Ricardo Sanguinetti, el Grupo Intercambio. En noviembre de 1986 abre las puertas del Atelier Gontard con fines didácticos y de traba-jo. Realizó numerosas exposiciones en nuestro país y Uruguay.

¿CUÁL ES SU CONCEPTO SOBRE LA PINTURA?
Creo que los grandes maestros se adelantan a su época como Goya o Turner. No creo en el arte político, ya que ha sido un fracaso tanto sea manejado por la extrema derecha o izquierda.
El arte dirigido, frustra.
La libertad es esencial en el arte. La leyenda en el arte nunca tuvo importancia, lo que vale es la autenticidad. El individuo que es auténtico es el que puede llegar a transmitir algo y que sea trascendente que tiene que ver, además con la comunidad que lo rodea.

¿QUÉ PIENSA DE LOS PINTORES JÓVENES DE LA ARGENTINA Y SU FUTURO?
Hay jóvenes muy prometedores que están empezando a distinguirse. Los más jóvenes forman parte de una natural rebeldía a lo establecido pero con el paso de los años pueden darse contra la pared si no tienen los elementos para expresarse.

¿CÓMO NACIÓ EL INFORMALISMO?
Fue uno de los movimientos plásticos que abrió caminos permitiendo expresarse con mayor libertad; pero eso ya pasó y ahora hay una corriente, el postmodernismo que no creo que tenga un contexto teórico muy claro porque es sumamente nuevo.
Para crear algo nuevo, posiblemente hay que destruir, pero destruir por destruir sin crear algo nuevo, no tiene sentido.

EN EL MOMENTO DE LA CREACIÓN ¿QUÉ ES LO QUE LO MUEVE A PINTAR?
Por lo pronto una necesidad interior. Es como alimentarme o como respirar, es como respirar, es algo como compulsivo que puede producir una gran angustia, una situación de gran esfuerzo pero a su tiempo es una actividad que produce placer, es como el amor, una combinación de ambas cosas.

¿EL ARTE ES ELITISTA?
Cada vez es mayor la plataforma de gente que tiene acceso al arte pero la cultura sigue siendo privativa de un número reducido de gente. Hay un muro entre la gente y la pintura, para mí la razón fundamental es la falta de conocimiento. Además, el arte moderno a medida que avanza es cada vez más complejo, más intrincado. Yo no creo que el arte sea elitista pero sí, es una parte reducida de la población la que está en contacto y tiene comprensión de los fenómenos que se están dando en el arte moderno. Hablando socialmente, no es tanto que se fomente el elitismo sino que es una realidad económico-social. El problema es la falta de difusión y de conocimiento del arte en general, como un elemento esencial para la vida.

¿ESTO ES ACÁ Y NO EN OTROS PAISES?
Yo creo que pasa en la mayoría de los países. Evidentemente cuanto más avanzado el país, mayor será la plataforma de gen te, pero es un problema generalizado, yo creo que es tan ignorante de la pintura el ciudadano me-dio norteamericano que el argentino.

¿QUÉ OPINIÓN TIENE ACERCA DEL SURREALISMO?
Es una forma expresiva muy válida que aún sigue teniendo vigencia. Por el hecho de que el ser humano sigue siendo el mismo la interpretación de lo subjetivo sigue siendo generadora de ideas. Ese individuo transportado en el tiempo, si bien recurre a su interior y el esquema de expresión es el mismo, lo que va a salir de su obra es muy diferente de lo que hacía el surrealismo de hace 40 años. ¿Qué salió de lo subjetivo de Raquel Forner? Los Mutantes que son personajes de otros mundos, quién lo hubiera imaginado cuando todavía no volaban los cohetes a otros planetas.

¿FUE COMO UNA REVOLUCIÓN EL SURREALISMO?
Fue un nuevo camino.

ME REFIERO A QUE AL MARGEN DE LO ARTÍSTICO INCURSIONÓ EN OTROS TERRENOS QUE TENÍAN QUE VER YA CON LA SOCIEDAD DE LA ÉPOCA EN CUANTO A LO MORAL, LO SEXUAL, LO RELIGIOSO.
De alguna manera todo el arte tiene una opinión al respecto, posiblemente, si el surrealismo ha sido muy amplio porque ha habido expresiones en la poesía y en otros terrenos aparte de la plástica. Creo que sigue siendo un medio válido por el cual se pueden transmitir cosas trascendentes pero no es ya un gran movimiento como lo fue en su iniciación.

LOS MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA SON AUTORITARIOS EN CUANTO A QUE EN ALGUNAS OCASIONES DESCREEN DE TODO LO ANTERIOR, COMO SI LA ÚNICA POSICIÓN VÁLIDA FUERA JUSTAMENTE LA DE ELLOS?
Evidentemente hace falta un gran conocimiento para imponer una nueva idea y una fuerza grande, pero no desde el punto de vista autoritario.
Creo que un individuo aunque crea necesario dar vuelta el orden imperante para crear algo nuevo, no por eso va a dejar de darle el verdadero valor que han tenido todos los pasos precedentes.

COMO QUE LAS VANGUARDIAS HAY QUE TOMARLAS UN POCO ENTRE COMILLAS.
Pienso que las van guardias verdaderas son las que van a perdurar, lo que hay que tomar con pinzas son los nuevos movimientos donde no se vean claros ni sus conceptos ni su realización.
Por ejemplo, lo que hizo Mondrian, fue muy valedero, ya que desde él salieron nuevas formas expresivas. Después vino Dubuffet ¡qué grande su creación! Uno se imaginaba que después de Picasso o Mondrian, no podía venir ya más nada en la pintura, sin embargo siempre aparece una nueva oleada de calidad.

¿CUÁL ES LA RELACIÓN ENTRE EL ARTE Y LA NATURALEZA?
La naturaleza nos enseña y es un nutriente extraordinario. De ella han surgido las reglas prácticas de composición, la perspectiva, incluso la geometría nació de la observación de las estrellas y hay un cosmos del cual tenemos mucho que aprender.
Yo creo más en la íntima relación entre el arte y el amor, que entre el arte y la naturaleza. Esta es algo dado, que el hombre observa, en cambio el amor es el calor que el hombre ejerce en el cual participa y siente. Ahí, es donde está lo paralelo, lo que puede parangonarse con el arte, es decir, es un acto de amor, en definitiva un acto creativo.

¿CUÁL SERÍA EL ESTILO DE SU PINTURA?
Yo diría un expresionismo abstracto; salvo un corto período abstracto, siempre he sido figurativo. Pero no una figuración tradicional, figuración porque hay elementos reconocibles, fundamentalmente la figura humana. Creo que todos tenemos que buscar dentro de esa línea algo que tenga que ver con el mundo que nos rodea que es el mundo de los adelantos técnicos.

¿SUS PROYECTOS?
Expuse hace poco en el Centro Cultural Malvinas y tengo una invitación para exponer en Ecuador y la idea de hacer un recorrido por el Pacífico.

Gracias

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Aunque este cuarto número de “Generación Abierta a la Cultura” está dedicado a nuestra Latinoamérica, no podemos dejar de ofrendar nuestro homenaje a uno de los genios españoles de la pintura de este siglo: Salvador Dalí.
Fue uno de los puntales de un movimiento tan revolucionario como lo fue el surrealismo, e integró la segunda generación de pintores.
En 1929 se conocen en París las primeras obras importantes, en las que las formas que le da al espacio y el trabajo minucioso que en él emplea, hace que su labor adquiera un gran dinamismo. Esto lo coloca rápidamente en el primer plano de dicho grupo, lo que lo llevó a decir:”El surrealismo soy yo”.
Durante tres o cuatro años, Dalí encarnó el espíritu surrealista haciéndolo brillar en todos sus matices. Quizás uno de sus mayores aportes fue lo que el denominó la “paranoia crítica”: “Método espontáneo de conocimiento irracional, basado en la objetivación crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones delirantes, apoyadas en un principio en lo personal a través de su universo mental ligado a ciertas obsesiones con la vejez, castración e impotencia.
El 23 de enero de 1989, Dalí emprendió el más definitivo de sus viajes, pero su muerte viene de lejos, tal vez del mismo día en que perdió a su musa inspiradora: Gala.

La entrada Salvador Dalí: Un genio delirante se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

La forma más evidente de expresión libre en los niños es el juego, siendo éste, la manifestación más elevada del desarrollo humano en las criaturas.
Existen algunos estudiosos que plantean posturas parecidas y diferentes, como por ejemplo:

1) El arte constituyendo una forma de juego.
2) El juego como forma de arte.

Quizás, en estas líneas de pensamientos, la única distinción que encontramos es meramente verbal.
Lo que si debemos tener en cuenta es un insistir diariamente en la vida de los chicos, en la “libre y espontánea expresión.”
El desarrollo interno de los mismos no debe fraccionarse, van permanentemente juntos y el verdadero maestro es su propia vida interior.
Por ello, no enseñamos al niño el dibujo en forma directa, sino que lo preparamos indirectamente dejándolo en libertad, ante el bello y misterioso trabajo de producir cosas, según sus propios sentimientos.
De esta manera, el dibujo va a satisfacer una necesidad de expresión, como lo es el lenguaje, ya que todas las ideas pueden volcarse a través de la actividad plástica.

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Nació en Bs. As. Cursó sus primeros estudios de dibujo en Escuelas Populares de Belgrano y Núñez siendo adolescente. Tuvo como maestro de pintura a Ignacio Colombres, en cuyo taller trabajó hasta 1962. En el mismo período asistió a clases abiertas de dibujo con modelo en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes e incursionó en los clásicos de la Teoría del Arte: Wilhem Worringer, Heinrich Wólfflin, André Lhote, Johannes Itten y Herbert Read. Complementó su formación adquiriendo conocimientos de xilografía, linóleo y modulación de color con Margarita Martínez, grabado en especial aguafuerte en el taller de E. Levy, técnicas y composición con Kenneth Kewble y trabajó en serigrafía con Armando Basabe.
En la década del sesenta realizó viajes a países sudamericanos y Méjico poniéndose en contacto con las civilizaciones primigenias del continente. En 1970 visita Europa en varias oportunidades y en los ochenta E.E.U.U. donde tomó contacto con los más modernos. A fines de 1983, integra con Estela Pereda y Sofía Sabsay, el dibujante Pedro Padawer y el fotógrafo Ricardo Sanguinetti, el Grupo Intercambio. En noviembre de 1986 abre las puertas del Atelier Gontard con fines didácticos y de trabajo. Realizó numerosas exposiciones en nuestro país y Uruguay.

¿CUÁL ES SU CONCEPTO SOBRE LA PINTURA?
Creo que los grandes maestros se adelantan a su época, como Goya o Turner. No creo en el arte político, ya que ha sido un fracaso tanto sea manejado por la extrema derecha o izquierda El arte dirigido, frustra.
La libertad es esencial en el arte. La leyenda en el arte nunca tuvo importancia lo que vale es la autenticidad. El individuo que es auténtico es el que puede llegar a transmitir algo y que sea trascendente que tiene que ver, además con la comunidad que lo rodea.

¿QUÉ PIENSA DE LOS PINTORES JOVENES DE LA ARGENTINA Y SU FUTURO?
Hay jóvenes muy prometedores que están empezando a distinguirse. Los más jóvenes forman parte de una natural rebeldía a lo establecido pero con el paso de los años pueden darse contra la pared si no tienen los elementos para expresarse. ¿Cómo nació el informalismo?. Fue uno de los movimientos plásticos que abrió caminos permitiendo expresarse con mayor libertad; pero eso ya pasó y ahora hay una corriente, el post-modernismo que no creo que tenga un contexto teórico muy claro porque es sumamente nuevo. Para crear algo nuevo, posiblemente hay que destruir, pero destruir por destruir sin crear algo nuevo, no tiene sentido.

EN EL MOMENTO DE LA CREACION ¿QUÉ ES LO QUE LO MUEVE A PINTAR?
Por lo pronto una necesidad interior. Es como alimentarme o como respirar, es como respirar, es algo como compulsivo que puede producir una gran angustia, una situación de gran esfuerzo pero a su tiempo es una actividad, que produce placer, es como el amor, una combinación de ambas cosas.

¿EL ARTE ES ELITISTA?         
Cada vez es mayor la plataforma de gente que tiene acceso al arte pero la cultura sigue siendo privativa de un número reducido de gente. Hay un muro entre la gente y la pintura, para mi la razón fundamental es la falta de conocimiento. Además, el arte moderno a medida que avanza es, cada vez más complejo, más intrincado. Yo no creo que el arte sea elitista pero sí, es una parte reducida de la población la que está en contacto y tiene comprensión de los fenómenos que se están dando en el arte moderno. Hablando socialmente, no es tanto que se fomente el elitismo sino que es una realidad económico-social. El problema es la falta de difusión y de conocimiento del arte en general, como un elemento esencial para la vida.

¿ESTO PASA ACÁ Y NO EN OTROS PAÍSES?
Yo creo que pasa en la mayoría de los países. Evidentemente cuanto más avanzado el país, mayor será la plataforma de gente, pero es un problema generalizado, yo creo que es tan ignorante de la pintura el ciudadano medio norteamericano que el argentino.

¿QUÉ OPINIÓN TIENE ACERCA DEL SURREALISMO?
Es una forma expresiva muy válida que aún sigue teniendo vigencia. Por el hecho de que el ser humano sigue siendo el mismo la interpretaci6n de lo subjetivo sigue siendo generadora de ideas. Ese individuo transportado en el tiempo, si bien recurre a su interior y el esquema de expresión es el mismo, lo que va a salir de su obra es muy diferente de lo que hacía el surrealismo de hace 40 años. ¿Qué salió de lo subjetivo de Raquel Forner?
Los Mutantes que son personajes de otros mundos, quién lo hubiera imaginado cuando todavía no volaban los cohetes a otros planetas.

¿FUE COMO UNA REVOLUCIÓN EL SURREALISMO?
Fue un nuevo camino.

ME REFIERO A QUE AL MARGEN DE LO ARTÍSTICO INCURSIONÓ EN OTROS TERRENOS QUE TENÍAN QUE VER YA CON LA SOCIEDAD DE LA ÉPOCA EN CUANTO A LO MORAL, LO SEXUAL, LO RELIGIOSO
De alguna manera todo el arte tiene una opinión al respecto, posiblemente, si el surrealismo ha sido muy amplio porque ha habido expresiones en la  poesía y otros terrenos aparte de la plástica. Creo que sigue siendo un medio válido por el cual se pueden transmitir cosas trascendentes pero no es ya un gran movimiento como lo fue en su iniciación.

LOS MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA SON AUTORITARIOS EN CUANTO A QUE EN ALGUNAS OCASIOES DESCREEN DE TODO LO ANTERIOR, COMO SI LA ÚNICA POSICIÓN VÁLIDA FUERA JUSTAMENTE LA DE ELLOS
Evidentemente hace falta un gran conocimiento para imponer una nueva idea y una fuerza grande, pero no desde el punto de vista autoritario.
Creo que un individuo aunque crea necesario dar vuelta el orden imperante para crear algo nuevo, no por eso va a dejar de darle el verdadero valor que han tenido todos los pasos precedentes.

COMO QUE LAS VANGUARDIAS HAY QUE TOMARLAS UN POCO ENTRE COMILLAS
Pienso que las vanguardias verdaderas son las que van a perdurar, lo que hay que tomar con pinzas son los nuevos movimientos donde no se vean claros ni sus concepto ni su realización. Por ejemplo lo que hizo Mondrian, fue muy valedero, ya que desde él salieron nuevas formas expresivas. Después vino un Dubuffet ¡qué grande su creación! Uno se imaginaba que después de Picasso o Mondrian, no podía venir ya más nada en la pintura, sin embargo siempre aparece una nueva oleada de calidad.

¿CUÁL ES LA RELACIÓN ENTRE EL ARTE Y LA NATURALEZA?
La naturaleza nos enseña y es un nutriente extraordinario. De ella han surgido las reglas prácticas de composición, la perspectiva, incluso. la geometría nació de la observación de las estrellas y hay un cosmos del cual tenemos mucho que aprender. Yo creo más en la intima relación entre el arte y el amor; que entre el arte y la naturaleza. Esto es algo dado, que el hombre observa, en cambio el amor es el calor que el hombre ejerce en el cual participa y siente. Ahí, es donde está lo paralelo, lo que puede parangonarse con el arte, es decir es un acto de amor, en defini­tiva un acto creativo.

¿CUÁL SERÍA EL ESTILO DE SU PINTURA?
Yo diría un expresionismo abstracto; salvo un corto período abstracto, siempre he sido figurativo. Pero no una figuración tradicional, figuración porque hay elementos reconocibles, fundamentalmente la figura humana. Creo que todos tenemos, que buscar dentro de esa línea algo que tenga que ver con el mundo que nos rodea que es el mundo de los adelantos técnicos.

¿SUS PROYECTOS?
Expuse hace poco en el Centro Cultural Malvinas y tengo una invitación para exponer en Ecuador y la idea de hacer un recorrido por el pacífico.

La entrada Etienne Gontard se publicó primero en Fundación Generación Abierta.