Si tuvieras que hacer una retrospectiva de tu obra ¿qué aspectos considerás que han permanecido vigentes y que cosas pensás que han ido cambiando?
Lo que más me interesa de una retrospectiva es la última muestra que hice en el ICI, en Mayo, que más que un resumen es haber encontrado una forma de decir lo que pienso sobre Occidente en general.
De las cosas que hice antes no son muchas las que descarto. Hice y sigo haciendo dos tipos de obras, una obra que tiene una intención cuestionadora sobre religión -especialmente- política, derechos humanos; y otra obra que puede llamarse arte libre, que al hacerla no me preocupa lo que significa. Es decir, por una lado un arte que lleve a un modo de comunicación racional, y por otro lado un arte en donde no me interesa el resultado significante, eso lo dejo a juicio y a la imaginación de quienes miran la obra.

¿Esta actitud creadora ocurre en un mismo tiempo histórico?
Sí, ahora mismo estoy haciendo unas obras que son escrituras, algunas tienen una intención, pero otras no.

Vos destacabas que lo que más te interesaba era tu última exposición…
Claro, de todas estas cosas que hice desde entonces, cuando empecé con las obras en los años ´55 hasta el ´63. En el ´63 hice una primera obra con intención política que era una escritura deformada, eran una serie de cartas a un general. en el ´64 hice otras obras con una intención crítica y en el ´65 hice una serie de obras sobre el Vietnam.
Después, ya a partir del ´73 me dediqué a los derechos humanos, estuve en un organismo que se llamó “Movimiento contra la represión y la tortura”, en otro que se llamó “Foro de Buenos Aires, por los derechos humanos” donde estaba Noe Jitrik, Mario Fernández, entre otros. Ahí publicamos un libro que se llama “Represión y explotación en la Argentina”, con una tirada de 30.000 ejemplares, esto fue en el ´73 e incluía más de 100 testimonios sobre torturas.

Mencionabas las décadas del ´50, del ´60, y del ´70, ¿estuviste vinculado a movimientos de artistas, escritores?
No, yo en realidad estudié ingeniería y trabajé como ingeniero toda la vida, hasta que me fui a Brasil. Mi vida se divide un poco en antes de Brasil y después de Brasil.

En ese momento fue que te exiliaste…
Claro. También porque hasta que me fuí a Brasil estaba trabajando como ingeniero y cuando llegué allí, ya tenía más de 50 años, como ya era inútil ponerme a buscar trabajo entonces me puse a hacer las cosas que había abandonado, las escrituras de alambre…
Antes de irme hice una recopilación de las notas que salían en los diarios sobre la represión que después lo convertí en una publicación que se llamó “Nosotros no sabíamos”, porque la misma gente que decía “por algo será”, después, cuando salieron todas las cosas en los juicios dijeron “nosotros no sabíamos”… y habían salido cosas espantosas.

Hablás de la crítica a la religión, a occidente…
Sí, está vinculado. La religión es uno de los fundamentos de nuestra cultura y durante 2000 años ha estado pregonando la discriminación entre los buenos y los malos. Lo que sucede es que los que son malos para la religión no lo son para nosotros. Son como dos justicias simultáneas, que para los religiosos vale, para nosotros vale una sola. Pero los católicos sobre todo, para no hablar de los religiosos, porque cada uno piensa lo que quiere. Pero los católicos tratan de gobernar sobre los que no lo son. Para la religión, el delito principal es no creer en lo que ellos creen, sobre todo en la divinidad de Jesús, la virginidad de María, por lo cual se han matado entre ellos. Es una religión que está además en contra de los derechos humanos. Hay una serie de principios que son válidos para todos y hay uno de ellos que es elemental: no torturar a su prójimo. Al mismo tiempo que se están pregonando estos principios, ellos dicen que esos principios valen nada más que para la vida terrena, pero que después ya no valen más, porque resulta que después nos dicen que nos van a torturar por la eternidad.

¿Te referís al infierno?
Claro, al infierno. Esa religión con esos principios ha sido apoyada por nuestra cultura. Nuestra cultura está impregnada de esa pasión por la crueldad que tiene occidente.
Los mayores cuadros, poemas, composiciones musicales han sido hechos y han sido usados para establecer este principio jurídico de intolerancia. Para decirlo con las palabras de Jesús: “el que no esta conmigo, está en contra de mí”.
Entonces nos encontramos en esta curiosa situación que nadie señala. Por una parte admiramos a Miguel Angel, Giotto, todos esos autores de estas ilustraciones de las torturas, que no es sólo una tortura del más allá, porque yo que era religioso, me la pasaba aterrorizado con la posibilidad de irme al infierno. Es decir, están produciendo un suplicio ahora.
Está todo deformado. Por ejemplo, la figura de Jesús que es el generador, que haya exisitido o que no haya existido… Lo que vale de Jesús no es que haya existido o no, lo que vale de Jesús es lo que está en los evangelios, y eso es lo que ha influído en toda nuestra cultura.
Por eso digo que sucede esta curiosa situación, de que nos encontramos con una cultura que contemporaneamente tiene una gran preocupación por los derechos humanos, que combate las dictaduras, las represiones, los excesos, pero al mismo tiempo una parte de esa cultura piensa que la otra parte merece ser torturada. Esto es lo que a mí mi preocupa y que trato de expresar en las obras que hago.

¿Cuál era la posición del artista, del intelectual, en los años ´60?
Yo en realidad no hago mayor diferencia entre artista, intelectual y quienes no lo son. No sé si el artista tiene una obligación mayor que los otros, acá no hago una jerarquización. Pero en épocas como esa creo que había que tomar alguna actitud.
En lo particular, yo hago esto porque me apasiona, no pretendo cambiar el mundo.
Pero reitero, nosotros estamos muy contaminados por occidente, en general hay una admiración por la cultura occidental, por la plástica, por la música. Los otros días charlaba con un psicólogo sobre “La Divina Comedia” y yo le decía que me parecía terrible -al margen de la belleza o no de la poesía- que una persona, en este caso Dante Alighieri haya dicho que había escrito eso con una función evangelizadora.

¿Cómo trabaja el artista en este fin de siglo en relación a otras épocas?
La diferencia de ahora con los ´60 es que antes uno trabajaba con una esperanza, estábamos convencidos y ahora no sé si hay esperanzas.

Yo trabajo en el el taller (dice Pedro Gaeta) con jóvenes que son macanudos, progresistas, pero uno ve que no se plantean tener esperanzas, como que están bloqueados…
Lo que pasa es que se ha perdido el entorno. Viven en un medio donde ven un montón de gente que perdió el trabajo, otros que tienen miedo a perderlo… los artistas se terminan refugiando.

Estás por publicar un libro…
Sí, me van a publicar un libro de poesías, que no eran poesías.
Empecé a hacer algo que llamo arte visual escrito, que tiene que ver con unos manuscritos que hice en 1964, y que lo toman ahora como uno de los antecedentes del arte conceptual. Ahora repito la idea y hago descripciones de cuadros, esculturas, instalaciones escritas que luego las transformo en poemas.

León ¿querés agregar algo más?
Si, que les agradezco mucho esta cariñosa atención.

Pedro Gaeta

“La obra de León Ferrari me interesó desde el punto de vista que era un latinoamericano en el siglo XX, por su forma de trabajar, por esto que dice él que occidente tiene mucho que ver con la religión católica.
Me interesó mucho el tema de las escrituras, sus palabras son legibles y en un momento se transforman en unos garabatos que son más expresivos, más profundos, yo veo esto como muy latinoamericano, en contraposición con lo occidental”.

Magdalena Mujica(*)

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Por Amadeo Gravino

I

Dijo hace más de veinte años el poeta Osvaldo Rossler:
“Raúl González Tuñón, uno de nuestros grandes poetas, nos invitó hace mucho tiempo con los versos que siguen- y pertenecen a su primer libro “El violín del diablo” – a colocar veinte centavos en la ranura de una máquina para que desde ella viésemos el tono más sonriente de las cosas:

“El dolor mata, amigo, la vida es dura,
y ya que usted no tiene ni hogar ni esposa
eche veinte centavos en la ranura
si quiere ver la vida color de rosa.”

Y esos hermosos versos tan musicales, entrañaban ya definitivamente un arte poética, y determinan también la conquista de nuevos ámbitos para nuestra poesía.”


II

En efecto, Raúl González Tuñón, otro de nuestros mayores poetas vanguardistas, nunca se plantea dudas desde entonces entre el uso de las palabras y la realización práctica de los actos. A Raúl González Tuñón no lo hiere escribir ni lo coloca al margen del resto de los hombres. Con su poesía vibrante y luminosa, él se traslada como un duende milagroso por la ciudad, cruza tierras y océanos, recorre puertos, se introduce con alegría y gracia en las vidas ajenas. Y siempre es claro, expeditivo, contundente. Siempre denuncia y enumera. Latido de prosa brillante tienen muchas de sus mejores composiciones.

Su poesía cordial y sincera desecha los caminos oscuros y cerrados, evita los fuertes e inevitables contrastes del espíritu. Ella, nos quiere transmitir alegría, caminar en medio de los acontecimientos que nos tocan a todos, participar activamente del ejercicio de la camaradería entre los hombres, y está tan llena de sus nobles fines que aunque persiga siempre los vínculos más inmediatos no deja nunca de ser asimismo una poesía íntima. Su poesía, sin rechazar los modos de la bohemia, traza también y muy marcadamente, un claro ordenamiento de valores.


III

Raúl González Tuñón, un poeta que no vivió ni cantó en vano, es por otra parte un incansable andariego: él teoriza poco en sus poemas, apenas lo indispensable, pero registra siempre asuntos de la experiencia. Incursiona también en la ética, pero antes que nada inventa mundos más armónicos y humanos, mundos que pueden compartirse, y lo hace siempre con brío, con mucho del ritmo de las leyendas tradicionales y del cine.
Siguiendo una vieja tradición del poeta occidental, hace de muchos hechos y ámbitos que viven bajo la prohibición y la pesquisa policial, puras imágenes encadenadas de la alegría de vivir libremente y del ejercicio desprejuiciado del amor. Asimismo, adopta ciertas entonaciones de la política y hace un emblema de la Revolución, pero su insurrección individual es siempre más profunda porque ella se manifiesta plenamente a partir de su fidelidad ciega para con la poesía.

IV

Raúl González Tuñón nació y creció en un barrio humilde de nuestra ciudad de principios del Siglo XX, entre baldíos y fábricas. Tal vez, la lucha contra la pobreza formó el núcleo central de su niñez y juventud: los trabajos mal pagos, las huelgas ahogadas en la mayor violencia, la negación de la inocencia y de los sueños.
Por todo ello, tal vez fue natural que él se lanzara hacia los parques de diversiones con la desesperación alegre de los que no quieren sentirse siempre excluídos. Fue también legítimo que buscara allí apoyos para su inspirada imaginación de poeta. Había que vivir y ser dichoso.
Después, fueron sus viajes, la amistad, los amores, la vida llena de color y de aventura, la certeza de que la lucha por una mayor justicia entre los hombres debía continuar y acrecentarse.


V

En otro trabajo, su magnífico libro La calle del agujero en la media (de 1930), luego de su viaje a Europa, Raúl González Tuñón coloca ante nuestros ojos a Buenos Aires -el espacio próximo al mundo popular de su infancia- en línea de continuidad con los grandes mitos internacionales recién descubiertos: y nos plantea un impulso ideológico y estético hacia los cruces culturales. Allí, la alegoría está presente no como organización de totalidad, sino como sintaxis de fragmentos.
En efecto, en ese libro netamente vanguardista, la referencia transita del suburbio porteño al bajo fondo y de allí al margen internacional. Además, su internacionalismo no es jamás un efecto exótico. Esta flexión internacional, le permite a Raúl González Tuñón hablar con plena sinceridad y en tiempo presente, del arrabal porteño con imágenes tomadas en París o España. Asimismo, nos resulta notorio que, en ese libro, para Raúl González Tuñón, el arrrabal porteño ya es literariamente poco interesante: pues sus vínculos con ese arrabal pertenecen a un pasado borroneado por las experiencias más recientes.


VI

En ese libro notable que estamos revisando ahora, nuestro poeta, procesa elementos y escenarios de la vida moderna que lo rodea, y lo hace a través de una producción de efecto de lengua oral y de una sintaxis fragmentada; debemos destacar que ninguna de las imágenes que usa se desarrolla por completo: tal como aparecen pueden considerarse pedazos de una imagen mayor que el poema desarticula. Y esos fragmentos se vinculan entre sí por yuxtaposición. Y el saber de nuestro poeta, es allí el saber caótico del azar objetivo y los itinerarios culturales: barracones de feria, titiriteros, burgueses crueles, muchachas libres, prostitutas, delatores, actores de cine, puertos y suburbios atravesados por los disparos de la mafia.
El viaje, biográfico y a la vez poético, es condición de esta expansión artifisiosa del saber y las figuraciones de la internalización de los mundos referenciales que habitan el texto. El itinerario marcadamente fantástico, incluye el París de las catedrales y de las insurrecciones, los mataderos; las imágenes de todas las ventanas de Europa, de los mesones españoles, los bares de Montparnasse y el Barrio Latino.


VII

En La calle del agujero en la media, la música de feria y de barraca, la chanson, los sonidos y los instrumentos del jazz o de las orquestas de circo, las cajas de música y las canciones del guignol, atraen decididamente al poeta y se convierten por ello en leit-motiv formal y temático de muchos de sus poemas. Y cabe señalar, que la imagen que diseñan estos sentidos es la de una ciudad construida de fragmentos de otras ciudades.
También hay que destacar, que los ritmos internacionales del parque de diversiones o del chansonnier, internacionalizan aquí la poesía de Raúl González Tuñón: la ciudad de rompecabezas de este libro, es la de la transformación social y topográfica.
En La calle del agujero en la media, libro mayor de nuestras vanguardias de aquellos años, la brillante y auténtica poesía de Raúl González Tuñón se muestra ante nosotros en tiempo presente y disparada con decisión hacia el futuro: y esta orientación temporal que otorga gran solidez al libro, parece ser efecto de la elección consciente por parte del poeta de una firme orientación ideológica, linguística y práctica a la vez.

Quisiera hacer contigo una película hablada

Oye muchacha que hablas con la naríz y eres pecosa
y tienes veinte años y una ambición muy grande
y ese novio plomero parecido a Nils Asther
y una pantalla verde sobre la azul mirada:
Quisiera hacer contigo una película hablada

Cantan sobre los árboles los pájaros pintados.
Mujeres con canastas vienen de los mercados.
Aquí construyen, veo los hombres y las luces,
arañas, esqueletos, mapas, vigas y cruces.

En blancos edificios brillantes ascensores,
de sótanos flamantes suben nuevos rumores.
Pienso en ideas veloces que van del corazón
hasta el cerebro igual a una exhalación.
Tiendas de cinco y diez. Cansados jugadores,
columnas de colores en las peluquerías.
Casas en cuyos largos y estrechos corredores
son de iguales colores las noches y los días.
Y un puerto. Un puerto es siempre paraje bien querido.
Allí están la aventura, el recuerdo, el olvido
y el ansia de partir que ¿quién no la ha sentido?
Un puerto, las tabernas y el mar todo llovido.
Pero te digo, digo, tu boina colorada
bien vale un dólar y cincuenta.
Quisiera hacer contigo una película hablada.
Y algo más que no entra en la cuenta.

Evelyn Brent

Evelyn Brent de ojos rasgados y de sonrisas pálidas.
Un día, en San Francisco, en el café de Morgan, la conocí.
Evelyn Brent amiga de los ladrones y las prostitutas.
Evelyn Brent serena carne viva del alma.
Oh lo que tú sabes de andar entre la noche,
oh lo que tú sabes del polvo húmedo y rojo
que vuela sobre las madrugadas temerarias.
Oh lo que sabes tú del naipe preparado,
el botellazo a tiempo, la huida que no falla.
Oh lo que sabes tú del naipe preparado,
de barajar sonrisas y barajar destinos
y danzar entre el humo de las malas palabras.
Y de la hora cuando por el boquete abierto
desliza su alevoso puñal la madrugada.
Conocí a una duquesa que amó a Francois Villón
y un día, en una gresca, le alcanzó su pañuelo.
Tuviste el mismo gesto para George Bancroft
y en lugar del pañuelo le alcanzaste un revólver:
Oh lo que sabes tú de mujeres y hombres,
de juramentos y de sacrificios y de escapadas súbitas.
Evelyn Brent, amiga de los ladrones y las prostitutas.
Carne viva del alma, luminosa y desnuda.

La Granja de Villa Rosa

          Aceitado y bestial, con su bocaza negra y su rostro azul;
dos patillas caen hasta el cuello y de su estómago de fuelle sale
el gusano congestionado con la copla.
         Mujeres de ampulosas caderas y de altos peinados taconean sobre el tabladillo.
          Oh, Granja de Villa Rosa perfumada y vibrante, con
tus soleras, tus pipas de manzanilla y tu alegría dolorosa.
         El cantaor, apuñaleado en la cintura, se dobla sobre el
banquillo como una flor exótica.
          El humo de la copla oscurece el techo.
          Estamos rodando, rodando, en el declive
del alcohol y   
del recuerdo.
          Recordamos.
          Algo que pudo acontecernos.
          Lo que pudimos ser.
          Lo que no seremos jamás.
          Y una sed, una sed insatisfecha, de garganta irritada,
ensangrentada, como si nosotros fuéramos el cantaor.
          Como si hubiéramos cantado toda la vida en un
desierto de piedra.

Raúl González Tuñón
(del libro “La calle del Agujero en la Media”)

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A quienes estén interesados en las biografías puedo contarles, por ejemplo, que Luis Luchi nació el 11 de octubre de 1921 en Villa Crespo, pero que a los 5 o 6 años de edad cambió los pagos de Adán Buenosayres por el laberíntico Parque Chas. Ejerció distintos oficios- fue obrero gráfico, vendedor viajante de libros y, principalmente, poeta -único oficio no abandonado-.

Por los años ’60, integró el grupo El Matadero, que curiosamente tenía más que ver con la narrativa que con la poesía. El Matadero, nombre relacionado con la obra homóníma de Esteban Echeverría, considerada como el primer cuento argentino, era un grupo de cuentistas (Guillermo Cantore, Nenina Caro, Blas Raúl Gallo, Mario Lesing, Arminda Ralesky y Lubrano Zas, entre otros), que había elegido como punto de reunión el café El Estaño de Talcahuano y Corrientes -bautizado por ellos como El Gardelito-, y que tenía la idea de crear una editorial con selección oral y pública de cuentos. Nuevo Teatro les prestó más de una vez la sala donde el grupo leía sus relatos y el público, convertido en una especie de asamblea, definía la publicación con su aprobación o su rechazo. “Buscábamos publicar a jóvenes con determinada ideología, que escribieran bien, con sentido popular y que la cultura fuera parte de la revolución que estábamos haciendo” -dijo Luchi en una oportunidad-. Esta democracia en la decisión de publicaciones no prosperó y terminaron ellos mismos seleccionando los cuentos a editar, ya sea reunidos en “El Gardelito” o en algún otro bar del centro. Nunca supe si el único cuento que publicó Luis Luchi en su vida, El brasilerito, fue producto de las asambleas populares o de aquellas tertulias desordenadas y heterogéneas. Lo cierto es que El brasilerito apareció en una antología titulada Cuentistas Argentinos Contemporáneos, editada por El Matadero en 1961.

Desde Barcelona, muchos años después, Luis Luchi le hizo un guiño a sus compañeros narradores, ya que la editorial que publicó en España sus libros de poemas Resumen del futuro (1 984) y Mishiadura en las dos ciudades (1 993), se llamaba Ediciones del Escorxador, palabra que significa «matadero” en catalán. Aunque este homenaje, justo es reconocerlo, se limitó al nombre, pues el espíritu de participación y polémica que recorría las mesas de El Gardelito se había perdido. A fines de los ’60 y en los ’70, su amistad con el músico Eduardo Rovira, el poeta Roberto Santoro y el artista plástico Pedro Gaeta, sumada al sentido social que compartían y a la necesidad de realizar actividades culturales, fue el puntapié inicial del grupo Gente de Buenos Aires. Los cuatro tenían fuertes puntos en común respecto del mundo que querían y por el que luchaban, así que no les resultó difícil llevar adelante su propuesta. Y si bien jamás se sentaron a escribir un programa, tuvieron en claro desde el inicio algunas cosas, que cumplieron al pie de la letra: llevar el arte a los barrios, buscar la mayor participación posible e integrar las artes entre sí.

“El eje se trasladó a los barrios”, explicó Luchi en una entrevista, refiriéndose a que clubes, escuelas y sociedades de fomento eran los escenarios elegidos para las exposiciones de pintura, presentaciones de libros, recitales de música y poesía y conferencias. “Eran reuniones muy participativas y la gente se enganchaba muchísimo. Si se organizaba una muestra de poemas ilustrados (o poemas-pintura, como prefiere llamarlos Gaeta), cada poeta estaba presente y leía sus poemas. Solía haber músicos, también”. Gracias a las actividades de Gente de Buenos Aires, la voz de Luis Luchi quedó registrada en el disco simple Tango de música a lo lejos y su letra impresa en tres libros editados por el Grupo Los rostros, Poemas (1946-1955) y La pasión sin Mateo.

Su primer libro, El obelisco y otros poemas, apareció en 1959 y desde entonces se perfila como un poeta ciudadano, más aun, de la ciudad de Buenos Aires: el porteño que leía a Luis Luchi podrá darse cuenta de que está “hablando” con otro porteño. Hay una manera de decir que reconocemos nuestra en el voseo, en la ironía -sarcasmo a veces-, en las sutilezas, en el mundo referencial de las comparaciones, en las frases hechas, en el cruce con las letras de algunos tangos y hasta en el tono nostálgico de muchos de sus poemas. El uso de un lenguaje cotidiano y sencillo, los clisés, las palabras del lunfardo, los refranes, apoyan también el tono coloquial que recorre toda su poesía, y su sintaxis a veces descuidada es parte del mismo juego. El humor ácido y crítico es otro elemento destacable.

-Decíme, Luchi, ¿coincidís con lo que otros han dicho de tu poesía?
Hay críticos que olvidan algo fundamental: yo escribo para decir cosas que tienen que ver con un pensamiento y con una propuesta. No estoy con el artepurismo ni tengo nada que ver con la Torre de Marfil. Mi poesía se dirige al hombre. En este mundo poético donde todo, absolutamente todo, puede ser materia del poema, el centro es el hombre y sus dichas y desdichas cotidianas.

La muerte de Luis Luchi
El adiós a un hermano del alma

Luchi fue para mí más que un amigo, un hermano del alma. Lo conocí como vecino en el barrio de nuestra infancia, Parque Chas; años después nos reencontramos en grupos de escritores y pintores que ambos frecuentábamos. Con compañeros de otras disciplinas artísticas, realizamos una intensa actividad cultural a la que se agregaba una fervorosa y consecuente militancia política.
A mediados de los ´70, y hacia distintos destinos, los dos viajamos a Europa; él se radicó en Barcelona, yo anduve mundos hasta anclar en París, ciudad que a los dos nos fascinaba. La distancia no logró alejarnos, y nuestros encuentros solían tener lugar a orillas del Sena.
Yo volví a Buenos Aires; él prefirió quedarse en el lugar que le dio asilo -donde por otra parte fue más pòrteño que nunca- pero nos visitaba siempre que podía. Fue así que asistió a la presentación de su libro “Jardín Zoológico” y al encuentro “Todos con Luchi, todos” que, a pesar suyo, organizamos en su homenaje en el Club “El Trébol” de nuestro barrio.
Lo esperábamos para que participara en la presentación de “Amores y Poemas de Parque Chas”, carpeta que teníamos en preparación , pero su salud se fue apagando de a poquito hasta motivar su internación. No se recuperó y nos dejó el 21 de octubre, diez días después de haber cumplido 79 años. Todos nos habíamos hecho a la idea de que, por haber vivido todos los riesgos, Luchi era inmortal; lo es a través de su recuerdo, que permanece, y de su extensa obra poética, que lo trasciende.

Pedro Gaeta

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Entrevistaron Nora Patricia Nardo y Luis Raúl Calvo

¿Cuáles son los objetivos de la educación inicial?
Uno de los principales objetivos de la educación inicial es brindar a los niños los saberes que les permiten conocer e interpretar la realidad y despertar su curiosidad e interés. El motor del proceso es la motivación y la creatividad va inevitablemente asociada a ella. De allí que en los jardines de infantes, en todas sus modalidades y denominaciones, los maestros enseñen y los niños aprendan.
Nuestro propósito ha sido y es que, cada uno desde su rol, colabore para que toda la institución educativa vivencie la cooperación, el respeto, la solidaridad, la honestidad, la tolerancia, el lugar de las diferencias, valores sin los cuales el conocimiento se deshumaniza.
Porque creemos que desde el nacimiento hasta los cinco años hay toda una vida y que, en los tiempos por venir, el conocimiento resultará capital esencial en una sociedad que se irá permanentemente reconfigurando, en función de la apertura a nuevos conocimientos y con la incorporación acelerada de tecnologías innovadoras y herramientas comunicacionales, pensamos que quienes no reciban los beneficios de la educación sistemática desde una edad temprana, se encontrarán con desventajas difíciles de superar en sus vidas adultas.

¿Cómo es posible en la actualidad producir cambios en las instituciones educativas?
Yo vengo de una carrera docente de toda la vida. Estoy convencida que cuando tenés un buen directivo es posible recoger y poner a trabajar aún a los docentes más desalentados por toda la situación que se vive no desde hoy, sino desde siempre. Creo que se puede trabajar poco a poco con la gente y transmitirles no sólo el entusiasmo sino lo que uno cree.
Una de las metas de mi vida es trabajar por los niños pequeños y especialmente por los que tienen menos.

La importancia de los primeros años de vida…
Los primeros años de vida son definitivos en la vida de un ser humano. Definitivos e irrecuperables en muchos sentidos, por más que después lo llenemos de cosas, no le van a servir de la misma manera.
Yo tenía claro que tenía que trabajar con los maestros y directivos, reforzar sus roles y resignificarlos y facilitarles las cuestiones para poder brindar una escuela de calidad, para lo cual también nos íbamos a poner muy exigentes.
Otro aspecto muy importante que vi necesario fue trabajar sobre la valoración del maestro y la autoestima, porque en los últimos años al maestro se le dijo que no servía lo que hacía, pero no se le dijo que tenía que hacer para que sirviera.

Desde su gestión se le dió suma importancia a la inserción del arte en el nivel inicial…
Basándonos en la igualdad de oportunidades y en achicar las brechas sociales tanto para los chicos como para los maestros tomamos fuertemente todo lo que fuera comunicación y expresión, y el camino fue el arte, lo que no quiere decir que descuidáramos las otras áreas.
Impulsamos proyectos de literatura, y trabajos con los museos, que los jardines lo estaban haciendo pero no orgánicamente, es decir no sostenidos por el Área con todos los elementos tanto materiales como técnicos que le facilitaran la tarea. También hemos fundado varias pinotecas en los jardines.

Cuéntenos ¿cómo es el trabajo con los museos?
El primer trabajo con los museos fue con la Arquitecta María Isabel de Larrañaga, Directora del Museo Sívori. Ahí se produjo un quiebre que se va apreciar con el tiempo. Le planteé a la Arquitecta Larrañaga la necesidad de que nuestros alumnos trabajasen con los maestros argentinos y rioplatenses y no seguir con Cézanne y Miró -a quiénes yo admiro mucho también- ya que al lado teníamos a los pintores argentinos y nadie hablaba de ellos.
También le pedí que quería que los chicos tuvieran la posibilidad de mostrar en el Museo sus obras, sus producciones, que bien sabemos no son obras de arte. A todo esto tuve el apoyo de la Directora del Museo.

¿Qué repercusión tuvo en los chicos y en la familia?
Una repercusión muy fuerte, en los chicos con la naturalidad que los caracteriza, el poder abordar a los pintores, el poder tener su exposición en el Museo fue algo totalmente natural, que era lo que nosotros pretendíamos, es decir que se criasen en este criterio. Las familias iban de la mano de sus hijos y de sus maestros, muchos padres eran la primera vez que concurrían a un museo.
Los chicos han incorporado al museo como parte de sus vidas.
El año pasado el Maestro Libero Badii fue a la inauguración de la muestra “Badii y los Chicos, un diálogo en tres dimensiones” y los chicos le hablaban, le decían que lo conocían que sabían lo que él había hecho en su vida de artista, una cosa muy natural de convivencia.

En literatura también se ha realizado un trabajo muy interesante…
Sí, lo importante es lo que ha generado en las áreas esto de trabajar la posibilidad de la expresión de los chicos. Hemos publicado varias antologías de cuentos de chicos. Nuestra intención es facilitar la tarea, ayudando a la sistematización de conocimientos sobre Lengua y Literatura y abriendo alternativas para enriquecer todavía más las producciones infantiles. Producciones que nos llenan de satisfacción cuando releemos alguna de las publicaciones que los jardines han generado y que expresan la vivacidad, la emoción, el talento y la creatividad de los pequeños.

¿Qué cuentan los chicos en las antologías de 3 a 5 años?
Los chicos siempre escriben de las cosas que hacen a su vida, de las cosas que los inquietan, que los ponen contentos, de las cosas que los impactan.
Los chicos hablan y desarrollan la trama de la historia por las cosas que sienten que les pasa por dentro. Los maestros tienen distintas estrategias para abordar la creación, -esto está en el diseño curricular- y les prestan sus manos para escribir.

La última publicación que apareció “Leer y decir poesía: ¿Por qué y Para qué?” nos pareció significativa. Hay textos de autores argentinos como Luis Franco, Roberto Santoro, José Pedroni, junto a otros poetas hispanoamericanos ¿cómo se gestó este proyecto?
Nosotros impulsamos en el proyecto de literatura -desde 1997- una campaña de promoción de la lectura de los chicos y de los adultos.
¿La poesía?…la poesía es la gran olvidada de las bibliotecas de todos. En realidad tenemos la intención de disparar con la poesía para lo cual hay que motivar fuertemente al maestro.
Somos concientes que con la poesía nos embarcamos en un camino difícil, hay poco escrito sobre poesía para el nivel inicial. En poesía hay una tendencia, primero de una poesía muy utilitaria y luego de una poesía de muy mala calidad. Tuvimos que recordar algunas cuestiones que estaban medio olvidadas, después plantearle al maestro como adulto la inquietud por la poesía y ver que estrategias podía trabajar en el aula con este género.
Por eso surgió el Cuaderno Pedagógico, cuya redacción estuvo a cargo de los Profesores Mario Lillo y Beatriz Ortiz.
Una de las características importantes de la poesía es que se hace necesario compartirla, por ahí un cuento o una novela uno los lee en forma recogida, en cambio con la poesía uno siente que es necesario transmitirla, es algo mágico.
El papel del maestro y del profesor es fundamental, tiene que sentir el placer de todo lo que es capaz de hacer.
Es importante destacar que la gente se incorpora a estos proyectos voluntariamente. Nosotros le damos la asistencia técnica, seminarios, talleres. Nadie puede decir que nosotros desde el Área lo obligamos a hacer esto, porque estas cosas no se pueden hacer obligadas. Lo que sí hacemos es promover el interés, contribuyendo así, al desarrollo de nuestra cultura y a la construcción de una sociedad en la que cada uno pueda participar y expresarse a través de su palabra.

(*) Directora Area de Educación Inicial – Secretaría de Educación. Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires

La entrada ENTREVISTA A LA PROFESORA HAYDEÉ C. DE CAFFARENA(*) se publicó primero en Fundación Generación Abierta.