Por ADRIANA GASPAR

G.A.: Julia ¿Por qué no nos hablás de tus vocaciones en el arte?
J.O.: Mis grandes vocaciones han sido dos, la pintura y la literatura. En un momento las dos se encontraron y se igualaron. Fue allí cuando tuve que optar por una. Cuando me di cuenta que lo que tenía que decir no lo podía decir escribiendo, porque no era esa la forma, me dediqué al dibujo y a la pintura.
Estuve trabajando mucho tiempo en esto. Después me casé y seguí trabajando hasta que llegué a la escenografía de la mano de Tito Del Monte, él era amigo nuestro y necesitaba hacer una escenografía en un teatro, necesitaba a alguien que le resolviera la escenografía, entonces me dijo: “vos que sabés pintar, dibujar, ¿podés darme una mano?”, yo le dije que si.
Al año siguiente me metí en la Cárcova y por suerte pude entrar, pasé siete u ocho años trabajando y estudiando, trabajé mucho en esto y por suerte me recibí. Me llamaron de Campana, allá estuve trabajando en una comedia musical. Luego me llamaron de Canal 13, allí estuve pocos meses porque no era lo mió, me di cuenta que el ritmo de la televisión no tiene nada que ver con la escenografía como yo la pensaba.
En el año 1982 me separé y en 1983 ya estaba anotada en la Escuela Manuel Belgrano de Bellas Artes, me abrí al mundo,  estaba encaminada y  tenia que valerme por mí misma.
 Esto fue una gran experiencia y un gran conocimiento que me dio fuerzas para seguir.
Luego empecé a trabajar en la parte docente y comencé a hacer mi carrera como artista plástica. Pero una carrera muy blanda, la propuesta que yo tenía era un poco antigua, o por lo menos yo la veía así. Hasta que en el año 1989 comencé la serie de la crisis, que en ese momento se llamaba collage, la cual ya en el año 1996 fue la crisis. Porque me encontré con una cantidad de cosas que venían a mi.

G.A.: Cuándo hablas de la crisis, ¿te referís a la crisis de los valores?
J.O.: De todo, tenía todo para mí, entonces pensé que se me estaba  dando lo que inconscientemente estaba buscando. Así seguí y aún hoy sigo buscando y encontrando y eso es lo más emocionante, se presentan las cosas como un abanico en el cual yo puedo decidir lo que quiero hacer.

G.A.: ¿Cómo canalizaste la escritura en tu obra?
J.O.: Yo la escritura la tengo un poco olvidada, la tengo inconscientemente olvidada, la tengo sumergida, no valorizada, pero eso no me produce angustia, lo tomo como algo  que fue, algo que me dio muchas satisfacciones sobre todo a nivel personal.
Mi marido tenía una revista literaria “Ensayo Cultural”, comenzó en  1956 o 1957 y duró muchos años hasta 1973, en el que él decide cerrarla porque ya se avecinaba la dictadura militar. Publiqué un libro de poesías, éramos siete personas, también un libro de cuentos.
Pero yo lo tomo como un aprendizaje de vida, para mí es importante pero no fundamental,  lo que me interesa es expresarme visualmente , así me siento completa y satisfecha.

G.A.: ¿Cómo fue tu evolución en esta serie de la crisis, desde que comenzó hasta estos años?
J.O.: Empezó muy tímidamente, porque en aquel entonces estábamos todos en una nube aparente. Se empezó a procesar eso, cuando empiezo a notar que me faltaba algo, yo consideraba que mi pintura era una cosa común y silvestre, no digo que ahora sea la octava maravilla pero en ese momento no tenía la investigación que tiene hoy. Hoy busco cosas que antes no buscaba, ahora aprendí a investigar y se lo que tengo que buscar y se lo que necesito y eso para mi es importantísimo.

G.A. : ¿Con qué intensidad seguís hoy desarrollando esta serie?
J.O.: Con menos intensidad pero con más sapiencia creo yo, menos alboroto y más tranquilidad.
Ahora me metí con la geometría sagrada, hay gente que me ha dicho algo, una palabra, o me ha hablado de algún tema y entonces  empecé a buscar, entendiendo porqué los dioses o el dios o quien sea es una cosa importante. Entiendo que el mundo es matemático y yo no soy pero eso me atrapó porque me hizo ordenarme. Por ejemplo, viendo todas esas fotos que larga la Nasa con las estrellas, con el firmamento, eso que uno supone que existe es lo que me atrapa muchísimo.

G.A. : De los años 1980 en adelante, ¿hubo algún año especial, importante en la plástica argentina?
J.O.:: Si, el año 1987, porque había una inocencia del artista, del hombre y de la época.

G.A.: ¿Tenia que ver con esa democracia que todavía era nueva para nosotros?
J.O.: Por supuesto, porque ahí uno se puede explayar con todo.
Ahora mismo que todavía se siguen descubriendo cosas acerca de la dictadura y las cosas que todavía se descubrirán.
Te voy a contar algo que me pasó: la otra vez tenía la imagen de un N/N de un diario y se me ocurrió poner la mano por encima de la hoja, sobre la imagen de esa calavera, que allí estaba, vos sabes que me puse a llorar sin parar.

G.A.: ¿Cómo ves este arte post 2001, post crisis?
J.O.: Creo que se va a ir acomodando todo y se va a llegar a algo un poco más coherente, justamente te quería comentar acerca de esto el trabajo de Kar, eso es un experimento.

G.A: ¿Eso es arte para vos?
J.O.: No.

G.A.: ¿Por qué?
J.O.: Porque quiere transformar una realidad que no existe, no porque el arte sea real.
Quiere modificar el ADN de cada uno y no lo puede modificar.
Es interesante como experiencia pero no se lo puede llamar arte. Se puede aceptar todo pero siempre con limitaciones.

G.A.: ¿Cómo ves el arte conceptual de hoy en la Argentina?
J.O.: Yo veo que actualmente muchas obras de arte conceptual carecen de contenido.

G.A.: ¿Por qué pensás que pasa esto?
J.O.: Primeramente pienso que lo que pasa es que todos quieren llegar a un punto, y falta conocimiento, falta investigación, falta profundidad y estudio. Eso es lo que veo en el artista de hoy. Tiene que tener un trasfondo porque si no, no es creíble.

G.A.: ¿Cuál es el rol del crítico hoy?
J.O.: Hoy el crítico no es el del año 1987, en ese entonces estaban las jornadas de la crítica, que aunque comenzaron en los 80 siguieron en los 87, era un lustre, tenían realmente un brillo, vos les creías.

G.A.: Hablanos sobre los temas que incorporás en tu obra.
J.O.: Te voy a hablar de Cerop Circles (círculos de cosechas).
Estos son sembrados de trigo que no se sabe si son extraterrestres o terrestres los que hacen ese patrón fractal, son señales del espacio hacia  nosotros. Esto está teniendo mucha influencia sobre mí.  Me interesan estos temas, porque el artista no puede ser pedestre, tiene que estar en estado de gracia para recibir.
El artista tiene que ser lírico, tiene que pensar que hay otra cosa, tiene que sugerir, no puede ser directo, tiene que preservarse. Hoy el artista  tiene que ser un investigador.

G.A. : ¿Cómo influye la globalización en los artistas?
J.O.: Todos quieren llegar y no pueden, porque hay otros que se adelantan más.
En  general los artistas hoy no son serios, por supuesto no puedo generalizar, quizás hay falta de conocimiento. Falta comprometerse con lo que hacen, que ese trabajo que lleva un tiempo determinado no lo aborten en lo mejor.

G.A. : ¿Qué rol cumple hoy el Estado?
J.O.: No cumple ningún rol, solamente le interesa el poder.
El rol de la escuela es muy triste desde el conocimiento.
El rol de la educación acá es fatídico, el sistema es perverso.

Prólogo:

Los elementos plásticos de mi obra no trabajan aislados , esto me permitió volver a mi profesión de escenógrafa y sentir el placer de resignificarla en la construcción de maquetas de teatro, incorporando la cartapesta, telgopor, maderas, y cartones.
Esa es la razón por la cual se llama EXCENOPINTURAS, están entre la construcción escenográfica y los materiales pictóricos.
Inspirada en la crisis globalizada, los materiales que utilizo son de deshecho, reciclables por el color y la forma.
Con el proyecto crisis me involucré en escenopinturas o en la serie Fibonacci (referente de la geometría sagrada)  como concepto lúdico de apariencias y repeticiones en un acercamiento hacia el teatro pero, desde otro ángulo, logrando la unificación del soporte y la deconstrucción de la forma.
He tratado de buscar un arte más comprometido, más político, porque estamos frente a una estética periférica de bordes y el arte contemporáneo sea cual fuere su acepción, es el arte de la presentación, en donde la obra es abierta y decodificada en las multimiradas del espectador.
Por esta razón es necesario la persistencia del ARTE como un SABER, no de un saber hacer tan sólo tecnológico, ya que el artista debe ser un agente de un conocimiento de saberes de la época.
Y esta definición sitúa al arte mas allá de su condición de objeto de estudio. Para poder verificar esa condición se debe reconocer al arte no ya como objeto de conocimiento sino como objeto de SABER.

Julia Olivari

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Por Kelly Gavinoser

Durante el mes de Agosto, en Galería “Theo” (French 2317/19) y frente a una gran cantidad de público se llevó a cabo la muestra “Escenarios de la Infancia”,  de Adriana Gaspar, subdirectora de  Generación Abierta. La misma se inauguró el 7 de Agosto y cerró el 19 del mismo mes.
Se refirió a la muestra  la crítica de arte Rosa Faccaro:
“En este acto de apertura de la muestra de Adriana Gaspar quiero decir unas breves palabras de presentación que no creo que agreguen una mayor significación que la que pueda tener la obra de Adriana, porque el trabajo que viene realizando hace muchos años no es una tarea de un día. Es una labor que la artista viene elaborando interiormente con esas miradas interiores que significan despojamientos, transformaciones, duelos, pero que cuando ese diálogo se realiza con la obra de arte, la que gana en significado y en profundidad, como en este caso, es la obra.
Y eso lo podemos ver si hacemos un trayecto desde las obras  del año pasado hasta las obras del año 2006, cómo las mismas  a pesar de ser blancas, se iluminan en forma contundente e intensa, mientras que los objetos que componen ese imaginario personal del artista va tomando una amplitud y una fluidez, como si  lo que ella está replegando, colocando, armando y construyendo dentro de su propio imaginario, ya fuese en ella otro lenguaje, su segundo lenguaje. Lo que le deseo a Adriana Gaspar es que siga por este camino, creciendo interiormente, porque la obra de arte es también un diálogo no sólo para conocerse profundamente uno mismo sino también al otro”.

Vida-Evocación-Reflejo en Adriana Gaspar

“Si la vida es obra y si la obra es vida, y aún más, es arte, se corporiza con excelencia en Imaginario de la Infancia, creado por la artista plástica Adriana Gaspar. Creado, porque su manifestación presente es vida-evocación-reflejo. Espeja objetos testimonio, objetos poéticos, plásticos, sonoros, porque son los sones que la memoria actualiza y llena, también los que en consonancia con las voces del poeta Luis Raúl Calvo se hacen corpóreos en las cajas negras, en las cajas violetas y por sobre todas, en las cajas blancas que develan el arcano que abre nuestros ojos hasta redondear la maravilla del asombro, sagrado asombro que perpetúa el arte”.

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Por RICARDO ALBERTO GIMÉNEZ
“A LA MEMORIA DE OSCAR MORO”

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En la Feria del Libro de 2006, se consiguió, después de sistemáticas decepciones, que se habilitara una zona de poesía. La dirección del “evento” – así la Feria se denomina a sí misma – la confinó a la sección “instituciones”, donde la poesía compartió las celdas junto a la Defensoría del Pueblo y la Policía Federal. En un pequeño festival realizado en un salón cruzado por los ruidos y con una temperatura de 50 grados la misma dirección admitió haber cometido “arbitrariedades”.
¿Cuál es el problema de la poesía en la actualidad? Decididamente, la pregunta de porqué se lee muy poco: millares de libros editados; casi todos, directamente por cuenta del autor, ventas imposibles, y el público como un receptor ausente. Se dice, además, que en el pasado las cifras de libros editados y de libros vendidos no eran las de ahora, y que las ediciones se distribuían. Honradamente, los poetas no se sienten felices con esta situación.
Los poetas soñamos con la utopía de una edad de oro de la poesía, los tiempos de Píndaro, cuando el vate era escuchado por multitudes, pero comparar situaciones de hace dos mil quinientos años, está lejos de ser una explicación, y seguir recitando que el público tiene la culpa es un infantilismo sociológico, pues el problema puede plantearse a la inversa. Basta recordar que los simbolistas decían que el arte es “un misterio accesible a raras individualidades…”
No faltan quienes acusan a la enseñanza. En la Argentina es absolutamente comprensible, se trata de un clamor fácil, y es asimismo, esa especie de guerrilla de los poetas hacia los pedagogos. Al mismo tiempo, es la protesta contra la cartilla universitaria que diseca la poesía y asesina los bellos poemas.
En el banquillo de los acusados se sienta ahora el editor. Se le acusa de apartarse de la poesía porque “no se vende”, de desinteresarse de ella por inercia, incompetencia o sumisión a la moda. Una pregunta a esta altura: ¿bastaría que lo quisiesen los editores para que a la poesía le fuera bien?.
¿Y qué decir de los medios, de los grandes matutinos? Todas las publicaciones tradicionales padecen de la manía de correr tras la actualidad poética en lugar de crearla.
Se imputa también a las librerías. Pero debe tenerse en cuenta que el librero, por desgracia casi nada puede influir para que el público compre libros de poesía. La imagen del librero que oficia de consejero cultural es una quimera: vende fácilmente, y con gusto, el libro idiota y caro.
Se asegura que la radio (de ningún modo la televisión) puede y debe ser un importante emisor de poesía. Pero, sobrevienen las quejas: las trasmisiones de poesía se relegan a las horas poco favorecidas, los consagrados no necesitan luchar por un lugar, sin contar, desde luego, el espectáculo de los entrevistados, las señoras y hombres que tan bien saben escribir y tan poco hablar.
¿Y los compacts disc para propagar la poesía por medio de la voz? ¿Cuál es en la Argentina la cantidad registrada de grabaciones poéticas? ¿Borges y cuál otro se hallan a la cabeza?
Es preciso reconocer que el aficionado puede escuchar la voz de un autor, y que ha nacido la oportunidad de la dicción expresiva para respetar el sentimiento, el ritmo y la música internos, aunque no hay que olvidar que se ofrecen naturalmente a quien ya consumía poesía por la lectura, a quienes ya la sabían leer.
Si hay crisis de la poesía es culpa de la política, es otra respuesta. Se argumenta que a los escritores argentinos les obsesionan más las posiciones políticas que los problemas literarios. La dictadura militar ha matado a intelectuales por el hecho de serlo y, sin embargo, estas filiaciones antipolíticos continúan gritando contra la política para englobar en la condenación a la política la determinada política que no les gusta.
Otra explicación posible: la Historia es culpable de la crisis. Se afirma que “el mundo, la sociedad, para nada tienen en cuenta a la poesía, que antaño tuvo tan gran función”. Los románticos censuraron con frecuencia el aspecto sórdidamente interesado de la burguesía, y Hegel en la Estética(1819) bosqueja una teoría de la muerte del arte, incluyendo la muerte de la poesía. El arte está en la Historia: nació, creció y puede morir. A dos siglos de escrito el pronóstico aún no se ha comprobado, el ansia de placer estético sin duda, aumentó. (Pensemos en la música, en el cine)
Un recurso ampliamente utilizado: echarle la culpa de todo a la crítica. Se les acusa a los críticos de incomprensivos, de no mostrar inteligencia y sensibilidad, de parcialidad, complicidad y espíritu de secta. ¿Admitimos que la crítica tenga la culpa de la crisis de la poesía? No, por una razón perentoria: no se la lee.
Pregunta candente: ¿y si la culpa fuera de los poetas? A los poetas tal pregunta no les gusta. Admitamos que la mayor parte de nuestros poetas son oscuros. Este hermetismo, cuyos fracasos no deben negarse, fluye necesariamente de la naturaleza de las cosas y de cómo decirlas, pero al mismo tiempo está la voluntad de oscuridad, los esnobismos estéticos, los falsos poetas que son deliberadamente oscuros, los simuladores de oscuridad. Hay que agregar: si la crisis de la poesía se debiese al hermetismo, se observaría un fenómeno compensador: el público avanzaría sobre la poesía clara, y nada de eso sucede.

De cualquier modo, mientras exista el lenguaje habrá poesía, y esto es un signo de eternidad.

DE INVIERNO

En invernales horas, mirad a Carolina. 
Medio apelotonada, descansa en el sillón, 
envuelta con su abrigo de marta cibelina 
y no lejos del fuego que brilla en el salón. 

El fino angora blanco junto a ella se reclina, 
rozando con su hocico la falda de Aleçón, 
no lejos de las jarras de porcelana china 
que medio oculta un biombo de seda del Japón. 

Con sus sutiles filtros la invade un dulce sueño: 
entro, sin hacer ruido: dejo mi abrigo gris; 
voy a besar su rostro, rosado y halagüeño 

como una rosa roja que fuera flor de lis. 
Abre los ojos; mírame con su mirar risueño, 
y en tanto cae la nieve del cielo de París.

DE OTOÑO 

Yo sé que hay quienes dicen: ¿por qué no canta ahora 
con aquella locura armoniosa de antaño? 
Ésos no ven la obra profunda de la hora, 
la labor del minuto y el prodigio del año. 

Yo, pobre árbol, produje, al amor de la brisa, 
cuando empecé a crecer, un vago y dulce son. 
Pasó ya el tiempo de la juvenil sonrisa: 
¡dejad al huracán mover mi corazón!

Rubén Darío

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En su libro sobre la vida y obra de Evaristo Carriego, Marcela Ciruzzi,  nos dice:

“La comunión con el hombre de Buenos Aires, con el habitante de la calle, del barrio, se produce cuando Carriego comienza a manejar el mismo código con que este se manifiesta, cuando se siente llamado a ser el portavoz de sus quejas, de sus angustias; cuando lo saca del anonimato y lo convierte en protagonista de sus poemas”.

y aún agrega que:

“Carriego descubrió a su ciudad para la poesía, escribió sobre ella en el momento preciso y con una cuota de sensibilidad ausente en otros poetas hasta entonces. Fue a la vez testigo y protagonista de su tiempo, de su ámbito de arrabal con sabor a calle, a seres de carne y hueso con su propio lenguaje y marcados por la ternura y por la miseria”.

También poetas de distintas tendencias y otros estudiosos, han opinado que  Carriego fue uno de los creadores más audaces de su tiempo y que él aportó la novedosa incorporación de la poesía ciudadana a nuestras letras.-
En efecto, en su obra inicial Misas herejes (1908), Carriego reunió una buena cantidad de composiciones de corte modernista, influenciado por  Rubén Darío, figura dominante del momento.- Esos textos integran los capítulos Viejos sermones y Ofertorio galante, pero en otro apartado del libro denominado El alma del suburbio Carriego nos muestra por primera vez su mejor inspiración, dando paso a la poesía ciudadana que lo identificará para siempre. Encuentra desde entonces su veta más genuina en la poesía humilde, melancólica y tierna de los asuntos del suburbio de la ciudad.-                   
En esos poemas ciudadanos vemos que Carriego difiere de todas las  modalidades hasta entonces en boga en nuestra poesía, sobre todo por un acento singular y un nuevo registro de temas que desarrolla con visión realista y dramática, mezclando cuotas de ternura y de emoción, valiéndose de un lenguaje  sencillo y directo, casi carente de metáforas, y que se nos manifiesta como íntimo y coloquial a la vez.-
Y el lenguaje de Evaristo Carriego es una de las peculiaridades características de su original individualidad poética y de su novedosa modalidad expresiva, quizás porque ese lenguaje era el que mejor se ajustaba a los sentimientos fraternos que lo movían a expresarse y también a las situaciones y al ambiente que registra en sus textos.-
Entre las limitaciones de Carriego se deben mencionar el reiterado empleo de cierto prosaísmo y hasta un marcado desaliño formal, pero aún así nuestra Buenos Aires-ciudad entró en la poesía argentina por la puerta estrecha del suburbio y lo hizo a través de los versos de Carriego, a partir de sus poemas que integran el ya mencionado capítulo de su primera publicación y de los que luego formaron parte de La canción del barrio, libro póstumo con el que completa su breve obra.-
En la poesía de Carriego, el término novedad sólo significaba introducir una temática basada en figuras y hechos minúsculos de la realidad inmediata y del vivir cotidiano de su barrio y del suburbio de la ciudad.- Sus composiciones características, todas de tendencia testimonial, sentimental y hasta patética -como ser los poemas El guapo; Has vuelto; La costurerita que dio aquel mal paso; Mientras el barrio duerme; El velorio; La silla que ahora nadie ocupa y otros- han sido muy difundidas luego y la resonancia que su temática ha ido dejando en nuestra sensibilidad nos fue habituando finalmente a ellas, pero en el momento de su publicación fueron revolucionarias e hicieron que la orilla, el suburbio, penetrara los rincones más profundos del alma de los habitantes de la ciudad conmoviéndola con su aire inocente.-

El poeta Evaristo Francisco Estanislao Carriego, un cronista auténtico de  los pequeños sucesos vividos por los personajes más simples de su tiempo, nació en 1883, en Paraná, Entre Ríos. Allí pasó sus primeros años, luego vivió un corto tiempo en La Plata y, por último, se radicó en Buenos Aires (en el barrio de Palermo), donde también falleció en 1912.

RATOS BUENOS

 Está lloviendo paz. ¡Qué temas viejos
reviven en las noches de verano!…
Se queja una guitarra, allá, a lo lejos,
y mi vecina hace reír el piano.

Escucho, fumo y bebo, mientras el fino
teclado da otra vez su sinfonía:
El cigarro, la música y el vino
familiar, generosa trilogía…

…¡Tengo unas ganas de vivir la riente
vida de placidez que me rodea!
Y por eso quizás, inútilmente,
en el cerebro un cisne me aletea…

¡Qué bien se está, cuando el ensueño en una
tranquila plenitud se ve tan vago!…
¡Oh, quién pudiera diluir la Luna
y beberla en la copa, trago a trago!

Todo viene apacible del olvido
en una caridad de cosas bellas,
así como si Dios, arrepentido,
se hubiese puesto a regalar estrellas.

¡Qué agradable quietud! Y qué sereno
el ambiente, al que empiezo a acostumbrarme,
sin un solo recuerdo, malo o bueno,
que, importuno, se acerque a conturbarme.

Y me siento feliz, porque hoy tampoco
ha soñado imposibles mi cabeza:
En el fondo del vaso, poco a poco
se ha dormido, borracha, la tristeza…

Evaristo Carriego

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Por ALICIA MARÍA LUQUE (1)
JUAN M. PÉREZ VILLALOBO (2)
LUIS RAÚL CALVO (3)
NORA PATRICIA NARDO (4)

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