Por ADRIANA GASPAR

G.A.: ¿Cómo define a la Poesía Visual?
S.F.S.: Mi definición si es que la hay, pues hay resistencia en considerar una; va a estar influida por los aportes de muchas lecturas y cursos que he hecho sobre el tema, por la observación de obras de este género y por la evolución de mi propia obra. Existen numerosas reflexiones teóricas acerca de la relación entre signos lingüísticos y visuales. Se trata de otra organización espacial y mental. Voy a nombrar lo que creo más sobresaliente: se establecen relaciones entre dos lenguajes como mínimo: el  icónico y el verbal, pero pueden participar otros lenguajes tales como el matemático, el fonético, el digital, el simbólico, el sonoro. Los elementos funcionales que hay que tener en cuenta son el uso de la disposición tipográfica, el uso del color o su ausencia, la inclusión de fotografías, dibujos, alfabetos, collages y otros componentes plásticos. Cuando se interrelacionan estos elementos no previstos en el código habitual se establecen nuevos códigos a descifrar. Así pueden crearse caligramas, ideogramas, pictogramas y otras muchas combinaciones. No hay exclusión de lo poético por dejar de lado la significación lingüística. La poesía no es sólo para leer sino también para ver. Las imágenes funcionan como metáforas visuales, son por lo tanto de naturaleza poética. Se consideran : la materia del poema, sus elementos visuales, corporales, sonoros, virtuales.
La palabra poesía viene del verbo griego poiein que significa entre otras posibilidades “hacer que ocurra algo extraordinario”. Los poetas somos hacedores creativos.
Este género tiende a romper actitudes convencionales en el arte y presta atención al carácter ambiguo y cambiante del signo.

G.A.: ¿Desde cuándo trabaja en Poesía Visual?
S.F.S.: En los ’80 estudié Programación como aproximación al lenguaje de las computadoras.
Recuerdo que armé muchos dibujos con el lenguaje matemático. Después cuando tuve contacto con algunas manifestaciones, sobre todo de la llamada Poesía Experimental, me di cuenta que estaba cerca de nuevas formas de hacer poesía.
Pero hasta los ‘90 no tuve constancia en manifestarme y atreverme a mostrar lo que experimentaba con la computadora. Esta herramienta me permitió y me permite crear nuevas formas de poiesis .
Además de las técnicas visuales posibles desde la computadora uso muchas técnicas de las artes plásticas.

G.A. ¿Cuál es la diferencia entre un plástico y un poeta a la hora de hacer Poesía Visual?
S.F.S.: El campo de acción de la Poética Visual proviene de la literatura,  especialmente de las tendencias experimentales contemporáneas surgidas a partir de los años ´50. Se trata de la incorporación de lo no verbal a la producción literaria. Es posible pensar que un plástico dará prioridad a los materiales plásticos para expresarse en este campo.
Si bien como dije se establecen relaciones entre lo icónico y lo verbal como mínima posibilidad, hay una resistencia implícita a la consideración sólo dentro de las coordenadas de la plástica o de la literatura, ya que se usan herramientas y técnicas de la plástica y también de la poesía verbal, en consecuencia se trata de un arte híbrido, fronterizo que conforma un género en sí mismo: es Poesía Visual.
Pienso en Paul Klee, que alude abstractamente a la poesía expandiendo sus signos desde la plástica hacia la escritura. Antes de ingresar como docente en la Bauhaus (1920), Klee realizó una serie de cuadros donde combina la poesía con la pintura. Introduce en los lienzos el componente gráfico, se adentra en el campo poético desde el punto de vista metafórico. De su viaje a Egipto (1928) retoma la escritura faraónica, que pasa a formar parte de sus lienzos junto a la masa cromática.

G.A.: ¿Qué artistas de Argentina le interesan dentro de la Poesía Visual?
S.F.S.: Por orden alfabético: Alonso Barros Peña, Ladislao Pablo Gyôri, Jorge Santiago Perednik (como teórico del tema) , Roberto Mario Scheines (concretista) , Martha Laroche y los integrantes del Grupo Vórtice como organizadores de todo lo relacionado con la Poética Visual.
Con Alonso Barros Peña y Roberto M. Scheines  formamos parte del Grupo ALSURO donde investigamos Poesía Concreta, Experimental y Visual y compartimos experiencias sobre nuestra obra y la de otros, sobre todo en Poesía Visual y Libros de Artista.

G.A.: Desde su punto de vista ¿El Arte Correo es Poesía Visual?
S.F.S.: No exactamente. El llamado Mail Art se remonta a los años ‘50 con Ray Jonson en la “Correspondance Art School”. Su fundamento es el intercambio de mensajes creativos. En él la Poesía Visual sería una posibilidad técnica que puede interactuar con  muchas  otras : gráficas, postales, etc.

G.A.: ¿El Arte Correo está agotado? 
S.F.S.: Creo que no. Lo que puede suceder es que no esté tan vigente o no tenga tantos seguidores como en el cenit que toda manifestación artística tiene.

G.A.: ¿El objeto artístico puede considerarse como poema visual?
S.F.S.: Si consideramos que los lenguajes que entran en un  poema visual no son sólo el material del poema sino también su objeto, su tema y su campo de operaciones, que las palabras son comprendidas como objetos autorreferentes y autosuficientes podemos decir que un poema visual no sólo sería el material del poema sino también su objeto artístico. Por tal razón el lector-espectador puede percibir al Poema Visual, entre otras posibilidades, como un objeto y participar en el acto creativo del poeta.

G.A.: ¿Qué experiencia tiene en Libros de Artista?
S.F.S.: Creo que el Libro de Artista está emparentado con la escultura y la bibliofilia. Con este sentido usé uno de mis libros de poesía que está armado en forma de fuelle. Puedo usarlo como libro tradicional y leer los poemas también a la manera tradicional o lo transformo en una “escultura”, en un libro de artista al ubicarlo como fuelle sobre una superficie.
En  ALSURO llamamos a un Concurso de Libros de Artista y premiamos a dos participantes. Compartimos el jurado con el poeta Rodolfo Alonso. La entrega de Premios se realizó en la Quinta Trabucco (Florida – Pcia. de Buenos Aires) en el año 2001.

G.A.: ¿Le gustaría agregar algo más?
S.F.S.: Hace unos meses me hicieron una entrevista como poeta. Dije entonces que siento pasión por la escritura poética, me defino en su polisemia, me encuentro en la creación de las múltiples imágenes que surgen en mi imaginación. Son precisamente las imágenes las que me permiten expresarme y expresarlas tanto lingüísticamente como visualmente. De esta manera siento que no condiciono mi camino de artista, que tengo toda la libertad para crear.
Queda mucho por decir e investigar, será para una próxima vez.
Gracias Adriana por estas preguntas, me hace feliz poder compartir  este espacio en la revista Generación Abierta, que tanto admiro.

Palabras de apertura de la Exposición de Poesía Visual
Ciclo 2005 Poesía Viva
Galería de la Librería Hernández
                                         
Desde el punto de vista  histórico- cronológico puede decirse que las manifestaciones poético-visuales, son síntesis de siglos de experimentación  poética. Buenos ejemplos son la caligrafía china y los caligramas en verso de Simmias de Rodas (300 aC). Se conservan de este artista  El hacha, Las Alas y El huevo.
Otro ejemplo en la antigüedad, sobre todo en la Baja Edad Media, dentro de la tradición poética occidental, los Carmina figurata, en esos poemas las palabras iban  formando diferentes imágenes alusivas al mensaje del texto.
Más cercano, siglo XIX, Stephane Mallarmé, con el poema Coup de dés, (1897) da lugar al nacimiento de una tradición antirrepresentacional de manera que las palabras recuperan su cualidad de forma, es decir de dibujo; también los blancos cobran importancia.
En buena síntesis puede decirse que escribir es dibujar.
Dejando de lado  muchísima trayectoria del desarrollo de las tendencias poético-visuales, a partir de los ‘80, la Poesía Visual, experimenta en diversos niveles, las relaciones intersemióticas entre palabras e imágenes.
El acento puesto en lo gráfico-visual no excluye otras posibilidades de composición tales como el lenguaje sonoro, el fonético, la inclusión del diseño gráfico, fotografías, dibujos, collages y otros componentes plásticos. Es posible que yo misma encuentre e integre otros elementos.
Por último, en este mínimo recorrido, cabe destacar que el lector-espectador de Poesía Visual puede relacionarse con la obra a  partir de sus  conocimientos y de los elementos que ésta le brinda, de manera de “vivir la obra” en libertad.

Susana Fernández Sachaos

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Se partíó casi de cero, todo fue artesanal, desde los instrumentos hasta la forma de tocar. Hubo  que hacerlo todo desde el principio. Lo primero fue el arte en todos sus aspectos. Crear una propuesta diferente, auténtica, aceptando las influencias, incorporándolas, fusionando, recreando. “El rock es el cuerpo sólido de un sueño” Patti.Smith. Un movimiento contra algo: la guerra, la injusticia, la alienación del mercado. Crear el despertar de la conciencia. Decir por primera vez la palabra ecología. La palabra era importante. La poesía trataba de crear algo diferente. Una música y letra acordes. Luego, si venía el éxito, mejor. Grabar el disco sin venderse. Se rendía culto a lo auténtico, a la coherencia entre música, letra y forma de vida. Hoy todo lo maneja el mercado, glorificador de lo trivial. El mercado carece de mística, -dice Bobby Flores- te obliga a ser esclavo y prostituirte.

Vox Dei

Willy Quiroga, en un reportaje concedido recientemente a Crónica afirma: “Las palabras tienen su importancia: no es lo mismo Vox Dei 40 años que Vox Dei a los cuarenta. Somos nosotros, ahora, mirando al futuro”.
Ellos están en  El Camino .Quien esto escribe presenció el concierto del 7 de Julio en el Coliseo,como esas mañanas en el Coliseo, que en los ’70 animaran Manal, Almendra y Vox Dei. Por eso Vox Dei eligió el Coliseo para festejar 40 años con tres generaciones de público y seguir mirando hacia delante. Su primer tema, el 7 de julio,  fue Total que: “sigue siempre adelante sin mirar atrás…”. Esta fue una de las impresiones que me quedaron del concierto, la de un nuevo grupo con un nombre clásico que asentado en el presente transita un río de blues en el camino hacia adelante. Después de más de dos horas de concierto volvieron para los bises los cuales se extendieron casi una hora más. Se los vio felices y con ánimo de festejo, tanto ellos como el público en una total comunión.
En un momento Willy habló de las mañanas en el Coliseo cuando no había muchos lugares para tocar,  que no era casual que eligiesen ese teatro para el festejo. Recordé que conversando con el Bocon Frascino, él me dijo que Engranaje con Pappo como integrante había debutado en el Coliseo junto con Almendra.
Willy también mandó un saludo a los guitarristas que habían pasado por Vox Dei, el primero,especial, fue para Ricardo Soulé, luego mencionó a Nacho Smilari, Yody Godoy, Beto Forunato, Carlos Michelini, Rulo Fernández, Enrique Avellaneda, cerrando con Carlos Gardellini diciendo que no estaba reemplazando a nadie sino que simplemente se había aquerenciado con el grupo y es la guitarra que la banda necesita.
Promediando el concierto cayó el telón. Todos esperábamos ansiosos alguna sorpresa  o presencia.
Al levantarse dio paso a una sección acústica con un violín, cello y bajo tocados por dos varones y una señorita; esto creó casi el clima de un concierto de cámara. Con Willy en  el piano, tocaron varias canciones en este formato creando un clima calmo y plácido de mucha calidez.
Tanto el disco de Vox Dei, El Camino como el de Engranaje, Conservando La Especie son producciones independientes. Es increíble que ninguna empresa se juegue por estos grupos pilares del rock. Por otro lado esto les da la libertad artística musical y de producción. Ahora que el rock cumplió 40 años podemos decir que existe el rock y otras cosas que se llaman rock. Esta Especie se mantiene fuerte y adulta.

Una plegaria para 3 generaciones

Lamento no ser  fanática de nada  ni de nadie. Después de ver a Vox Dei dieciocho años después de la primera y única, en ese momento con Soule como guitarrista lo único que pude decir fue la rompen. Hoy en el Coliseo en un lugar muy distinto a aquel de Floresta tardé en darme cuenta que con mi hijo aquí presente éramos tres generaciones absortos, viendo más que un espectáculo. En el escenario los músicos y en  las butacas una reunión de amigos. Gente con  edades dispares, fanáticos,  hombres aparentemente rudos con remeras de bandas metaleras, gente de 30, 40, 40 y más, chicos de un poco  más de diez años emocionados dándole la mano a Willy. Hombres con lágrimas en los ojos al escuchar “Soy solo un hombre” Me comentaban sin conocerme en qué año y en cuál disco habia salido el tema que estaba por sonar. Tres generaciones de cálidos, emocionados, familiares, fanáticos… Mientras tanto los Vox Dei se divertían, porque si no es divertido no sirve decía Willy.
A su vez, Gardellini se movía frenético por todo el escenario y no se sabía bien donde terminaba su cuerpo y continuaba su guitarra, y Rubén Basoalto aportaba su fuerza y humor. (Mariela Aquino)

Engranaje conserva la especie de ese rock fundador. Presenciando un ensayo de Engranaje en Mataderos, mi compañera me comentaba: “Tiene las mismas ganas del principio, cuando corre la música  por las venas de algunos privilegiados, como el Bocón Frascino. Es fácil olvidarse de la trayectoria, porque toca con las mismas ganas de un adolescente que está por empezar. Dag en el bajo y Molinari en la batería, profesionales rigurosos. El juego y el disfrute vocal corren por cuenta de la voz del ex Reloj, Eduardo Frezza… Una buena combinación donde cada uno pone su parte en el engranaje para dar  marcha a una muy  buena banda”.
Engranaje conserva  muy bien la especie de ese rock de los ’60 y ’70, sin traicionarse por facilismos y músicas que no son fusión sino exigencias del consumo y el mercado.
El verdadero rock está presente en esta banda que fusiona  lo que alguna vez se dio en llamar el rock progresivo con la aguda potencia del heavy y los serenos climas del rock sinfónico.
Sutil, contundente, inclaudicable, el nuevo disco de Engranaje viene a confirmar que no todo pasado fue mejor. Varias de las canciones aquí incluidas ya habían aparecido con la formación anterior de Engranaje, en el CD Tu hostilidad. A la presencia imbatible del Bocón Frascino en guitarra, ahora se suman, con luz propia, Daniel Molinari en batería y Dag en el bajo.

¿Lo que vendrá?

Fuertes versiones provenientes del Fans Club y la platea masculina, aseguran que habrá un conjunto exclusivo para telonear a Engranaje y, de paso, realizar una rigurosa prueba de sonido. Un trío compuesto por la mujer de Frezza, la mujer de Molinari y la mujer de Dag. ¡¡Qué así sea!!

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Por Ana Allaria*

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El viernes 20 de Julio de este año  frente a una gran cantidad de público y en un clima de honda emoción  y alegría se festejaron los primeros quince años del Café Literario “Antonio Aliberti”, que desarrolla su actividad  de Abril a Diciembre inclusive, los primeros y terceros viernes de cada mes  a  las 20 horas en el Café Montserrat, ubicado en la calle San José 524 de esta capital, con entrada gratuita.
Coordinan dicho ciclo los poetas Luis Raúl Calvo, Julio Bepré, Amadeo Gravino y María Elena Rocchio. La coordinación musical está a cargo de Paco Rizzo. A continuación les presentamos las palabras de  dos grandes poetas y habitués  del ciclo desde sus comienzos,  Graciela Maturo y Héctor Miguel Ángeli quienes se refirieron a dicha celebración.

Hace quince años que muchos de nosotros venimos acompañando a Luis Raúl Calvo, Amadeo Gravino, Julio Bepré  y María Elena Rocchio, con algunos otros colaboradores presentes y ausentes, en este espacio de la poesía, que no es solamente un espacio concreto, pues ha venido cambiando de lugar hasta volver a su origen, sino y sobre todo un espacio humano, un lugar del arte y de la palabra.
Pasaron quince años con diferentes gobiernos, batallas, triunfos y derrotas, escándalos, muertes, desastres y esperanzas. Y el café seguía en pie, fijo o itinerante, con los mismos y otros que se vinieron sumando un año  tras otro, con aquellos que ya no están. Abarcándolos a todos quiero recordar a Antonio Aliberti, ese gran poeta y estudioso de la poesía, cuya lengua natal era la del Dante, traductor de los poetas del Dolce Stil Nuevo, y de poetas italianos modernos, maestro en el cultivo del español, lengua  que adoptó y compartió con nosotros. El fue parte del alma del café, que se fue abriendo a otras formas del arte, a la música, a la pintura, haciéndose uno con la revista Generación Abierta, y convirtiéndose en tribuna infaltable para la presentación de libros, plaquetas y emprendimientos de toda índole. Debemos reconocerlo, el café que hoy lleva el nombre del poeta Aliberti hizo gala de una hermosa libertad que es la propia del arte. Podría decirse que nunca ha traicionado este espacio una común vocación por la justicia, la solidaridad y las utopías sociales, pero también, y debemos decirlo, ha sabido acoger dentro de ese marco a distintas expresiones estéticas, filosóficas y políticas en un clima libérrimo y fraternal.Por mi parte recuerdo que, aunque pasé muchos años en Mendoza, donde formé el grupo de Amigos de la Poesía, -y tuve audiciones radiales dedicadas a la poesía, así como la revista Azor, que publicó solamente 5 números- he vivido la mayor parte de mi vida en Buenos Aires, donde pasé mi infancia, y además volví  en el 68. Fue después del ’90 cuando conocí a Luis y a Amadeo, cuando me invitaron a las primeras reuniones que se hacían, cuando empecé a frecuentar a este grupo de amigos que esperaban con ansiedad el día de la reunión y vivían con melancolía la noche en que por alguna causa faltaban a la cita.
Estaba de por medio la fidelidad a los amigos, pero más allá de esto era la fidelidad a algo muy fuerte, que es el vínculo que los une: el amor por la poesía, el valor acordado a la palabra.
La lectura de poesía, que es aquí acompañada por la presencia de otros artistas, se ha convertido en el Café literario “Antonio Aliberti” en un verdadero ritual del que participamos con respeto. Tanto la palabra poética como el silencio que la envuelve han llegado a ser para nosotros  el elemento fundamental que nos reúne, más allá de las vinculaciones amistosas, y sociales, los emprendimientos comunes, el diálogo entre amigos que intercambian sus libros y plaquetas.
No deja de ser notable que este grupo humano, alejándose del ruido de la calle, se reúna al menos dos veces al mes para escuchar la palabra del poeta. Este es un suceso espiritual, un momento especial en la vida de cada uno de
nosotros en que se hace lugar al lenguaje en lo  que tiene de más significativo, insólito,  revelador. Nos escuchamos, y escuchamos también a los que no están ya entre nosotros pero se hacen presentes en la palabra. Somos fieles a esa porción de vida, solitaria y vinculante, que nos comunica en un nivel que no es el de la habitualidad, y expone de manera particular  el pensamiento, las pulsiones, los descubrimientos y los sueños de cada uno de nosotros.
Ese es el verdadero espacio del café, el que nos religa de una manera sutil, colocándose más allá de opciones estéticas o de tonos generacionales. El café es un recinto de la Poesía.
A lo largo de estos años vimos así desfilar a muchos y disímiles creadores, urbanos y de provincias, de nuestra lengua y a veces de otras. Hemos escuchado a poetas coloquiales, algunos lunfardos y tangueros, otros sofisticados, tradicionales, vanguardistas, humorísticos, filosóficos o próximos al ritmo de la canción.
La poesía, en la voz viviente del autor, adquiere la vibración justa. Es escuchada, comentada o simplemente recibida en silencio. Nos llena de energía para vivir, nos comunica sus hallazgos, nos hace reconocer lo que tenemos en común, por encima de las diferencias individuales. También hemos podido escuchar en el café, sin abusar,  a algunos estudiosos de la palabra poética.
Algo debe tener  la Poesía para congregarnos así, muchas veces con sacrificio de nuestras diversas ocupaciones, tareas, dolores o compromisos familiares. Cierto es también, y es preciso subrayarlo, que el grupo se habría disgregado sin ese llamado constante, ese esfuerzo de programación y convocatoria ejercido por los organizadores. Son ellos los que conducen este barco, los que han puesto a prueba nuestra condición de “fieles de amor” para decirlo con una expresión de los poetas medievales que se reunían con Dante y Cavalcanti. No hizo falta para nosotros que nos juramentáramos como aquellos, bastaba el ejemplo, la actitud, el aire suelto que flota entre nosotros para mantener el grupo, abierto y siempre enriquecido.
Por eso este festejo tiene que ser ante todo un acto de gratitud a tanta generosidad y lucidez. Quienes organizaron el café y supieron mantenerlo ante los embates de la vulgaridad y la dispersión, saben muy bien que esta es una trinchera viva en tiempos de masificación y cosificación como los que estamos viviendo.

Graciela Maturo

Ante todo, quiero agradecer a mis amigos, Julio Bepré, Luis Raúl Calvo, Amadeo Gravino y María Elena Rocchio, la deferencia de haberme designado para referirme a este aniversario N° 15 del querido Café Literario “Antonio Aliberti”, llamado más cómodamente Café Montserrat.
Si como dice el tango, 20 años no es nada, 15 lo son menos, pero son muchos y suficientes para pasar a la historia de los cafés literarios. Antonio Requeni tendrá que agregar un capítulo más a su excelente “Cronicón de las peñas de Buenos Aires”
Todo pasa, todo se olvida, insinúa ese tango. Pero también habla de una “mirada febril” y esta “febril mirada” hay que rescatar porque sin ella  estos lugares de encuentro no serían posibles.
Tuve la suerte de asistir a los comienzos del café. De conocer y estimar  a sus creadores y directores: Luis Raúl Calvo, Julio Bepré,  Fernando Koffman, Luis Benítez en la parte literaria,  a Adriana Gaspar en la Sección Artes Plásticas y, por supuesto, a Antonio Aliberti, todos invadidos por esa “mirada febril” hacia la cultura en general y hacia la poesía en especialísimo y soberano lugar.
El café tuvo algún vagabundeo. Ocupó otros esporádicos recintos: el subsuelo del restaurant “A los poetas” en Sarmiento y Montevideo y un sombrío café de Avenida de Mayo.
Ya de retorno a este café y con el nombre de “Antonio Aliberti” como homenaje a uno de sus recordados fundadores, lamentablemente fallecido, se inicia una etapa de estabilidad y de solidez que hace los viernes programados una cita casi obligada. Su brillante continuidad lo hace único entre iguales, cuenta también con la colaboración de María Elena Rocchio en el recuerdo de valiosos creadores.
Las cordiales tertulias se complementan con la revista “Generación Abierta”, de persistente aparición desde hace diecinueve años.
Pero todo esto no es un mero quehacer, no es un “agitarse sin hacer nada”, como decía Martínez Estrada.
En estos días convulsionados el Café Montserrat asume perfiles de proeza, gestos de heroísmo. Entrar en combate con la bandera de  la poesía como único símbolo de lucha significa una respuesta cabal al desánimo al pesimismo. Todos sabemos que hoy los poetas casi se han convertido en una secta amparada por catacumbas de entusiasmo y tenacidad. Y en las misas herejes late siempre la misma pregunta: ¿es la poesía una pasión que se desintegra? Y aunque parezca que sí, cuando encontramos refugios como el Café Montserrat, la respuesta se torna negativa.
Contra circunstancias adversas y ante las pocas posibilidades, “la febril mirada” no se rinde.
Dadas las calamidades de este mundo, la significación actual de la poesía adquiere, por lo tanto, las formas de la resistencia. Resistir, permanecer, estar presente para impedir que nos destruyan una manera de vivir con y desde la poesía. Por eso, refugios como el Café Montserrat son , en definitiva, centros de resistencia.
Y también creo que deben existir para hacernos mejores. Si no nos hicieran mejores no tendrían sentido, porque tampoco tendría sentido la poesía. No se trata sólo de leer poemas. Se trata de vivir lo que hay detrás de ellos, esta fuente que los nutre, esa pasión que los engendra: la raíz del amor.
¿Cómo no celebrar entonces los 15 años del Café Montserrat? Felicitemos a sus hacedores deseándoles muchos y dichosos cumpleaños venideros.

Héctor Miguel Ángeli

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Saint –John Perse

Jean Paul Sartre detesta a los poetas: en ¿Qué es la literatura?, un libro aceptado reverencialmente en los año sesenta, predica que es una tontería reclamarles un compromiso (una responsabilidad política), porque les está intrínsicamente prohíbido comprometerse. Sartre, preciso es señalarlo, diferencia a la poesía de la prosa, y enumera un registro de connotaciones negativas para los poetas: los llama magia negra, inesenciales, los incomunicables puros, el triste sino, la maldición, para concluir que “el poeta está seguro del fracaso total de la empresa  humana y se dispone a fracasar en su propia vida, a fin de testimoniar, con su derrota particular, la derrota humana en general”. Por si esto fuera poco, Sartre desarrolla además una versión formalista del lenguaje, desconoce por lo tanto los aportes de Bergson, Freud y Jung, se niega a legitimar el discurso poético, y exalta el habla cotidiana de la prosa. “Lo cotidiano es absurdo”, observa contrariamente Oliverio Girando, y si la poesía, según Sartre, es ominosa y no puede responder a la realidad, ¿dónde entonces Walt Withman, Pablo Neruda, Louis Aragon, Federico García Lorca?
En todo caso, si un poeta configura su vida con autenticidad existencial y expresiva no dejará de comprometerse con el mundo aunque nunca imagine hacerlo.

El realismo socialista

Marx ama a los poetas. “Los poetas son seres especiales -dice a su hija- no podemos juzgarlos como personas corrientes”. Amigo de Heine y Freiligrath, el autor de El Capital ejerce la poesía en sus años jóvenes. Lo poético no puede serle indiferente a este científico y revolucionario devorador de novelas,que lee a esquilo en griego una vez al año, por lo menos. No hay en las predilecciones literarias y artísticas de Carlos Marx el menor vestigio de lo que groseramente se llamaría “espíritu de partido”. Es un europeo formado en el centro cultural de Europa, siendo él mismo su expresión crítica. Pero ni a Marx ni a su compañero Engels se les ocurre jamás fijar recetas para la vida del arte. No pueden prever ni figuran en sus proposiciones el establecimiento de una “estética marxista”, de la que no son responsables. Esta invención pertenece a Stalin y a la burocracia rusa, creadores de una “estética” que en sus estipulaciones se asimila a una legislación penal. El despliegue desolador de este hecho, posterior a la revolución de Octubre de 1917, es la aparición, como elemento fundamental, del “realismo socialista”, que será el triunfo de la burocracia temerosa ante la libertad creadora del arte popular.
No escaparon a esta monstruosa censura ni las disciplinas científicas, ni las humanidades y las artes, ni por supuesto, la poesía. La independencia de la creación artística es incompatible con el stalinismo.
Así nacen las teorías que imponen al artista una pleitesía al poder: la pintura debe someterse al naturalismo fotográfico, la prosa hace ovaciones a los índices productivos de los planes quincenales, y la poesía al sistema cortesano de alabanzas, como un servicio público en el sentido más funcional de la palabra.
Al comenzar la era burocrática, se suicidan los más grandes poetas soviéticos. Se buscará en vano un símbolo más revelador. Alejandro Block, Sergio Essenin, Vladimiro Maiacovsky se eliminan a medida que el aire de Rusia se vuelve insoportable.

Del Romanticismo a la poesía pura

La Revolución Francesa consigue desarrollar en el arte y la literatura el estilo representativo de la burguesía revolucionaria, un nuevo clasicismo, conforme le denomina, de racionalidad severa, que, sin embargo, está lleno de pasión, como los versos febriles de Chenier, que expresan los cambios y las emociones ideales. La Francia revolucionaria pone la poesía en consonancia con la lucha, y debe esperar el éxito de sus propósitos de un arte completamente militante. Con la revolución las expresiones artísticas se convierten en una confesión de fe política: el arte -explicablemente- no debe ser un “mero adorno” en la sociedad, sino “una parte de sus fundamentos”; debe ser -se enfatiza- “no un privilegio para ricos y ociosos: debe contribuir a la felicidad del público y convertirse en posesión de todos. Ardientemente, despertar la conciencia de las conquistas revolucionarias”. “Bello es lo que agrada a la mayoría” afirma el nuevo público.
Se asegura con frecuencia que la Revolución es artísticamente  estéril. Lo cierto es que es posible pensar que la auténtica obra creadora no es la que en su momento se lleva a cabo sino aquella que la Revolución prepara el camino. Y para esto son necesarios todavía más de veinte años, cuando el Romanticismo proclame que toda representación es única, insustituible, y tiene su propia tabla de valores. Los poetas románticos cantan en sus versos el interés por la historia e intervienen en la política revolucionaria, en la insurrección de 1848 y luego en la Comuna de París en 1871. demás está decirlo, toda la poesía moderna es hasta cierto punto el resultado de la contienda del Romanticismo por la libertad.
En cualquier caso, al producirse la restauración monárquica, en 1830, el nuevo orden impone la teoría del “arte por el arte”. Se trata del artista liberado de todo ideal, de todo sentimiento, el programa de dedicarse a la vida artística como un placer soberano y disfrutarlo como un paraíso secreto: indesmentiblemente, es una renuncia a toda actividad política y social. Es el arte puro, la poesía “inútil” –para decirlo con mayor exactitud- la exigencia de la pasividad del artista, una perversión que aparece por primera vez en la historia de la literatura, pues ni en la antigüedad clásica de Homero y sus héroes, ni en el dulce estilo de Dante, ni en el renacimiento, ni siquiera en el Barroco se pregona código semejante. Así los poetas simbolistas preconizan a mediados del siglo diecinueve una actitud, si se quiere, más “científica”, con menos incontenciones sentimentales, y  la conciencia de una escritura técnica. Con Mallarmé la poesía es menos personal y más abstracta, y el poema, significativamente, deducen  los simbolistas, alcanzará la certeza de una formula algebraica.
La tendencia a la despersonalización y, puede inferirse sin esfuerzo, a la despolitización, es marcada en la poesía moderna, al pretender abolir el sujeto, los sentimientos y el confesionalismo. Sea como fuere, Rainer María Rilke, en Cartas a un joven poeta, al percibir la soledad como la zona de donde surge la experiencia poética, no deja de enjuiciar en las Elegias a la sociedad de su tiempo e intentar, a su manera, de transformarla. Apolinaire señala entretanto la importancia del poeta  y de la poesía, que interpretan al hombre y “la marcha de la humanidad”, y rechaza el mundo de los valores inauténticos, en la clara noción inaugurada por la ironía de Baudelaire y en consonancia con las diatribas de Artaud.
Pero serán los surrealistas quienes criticarán al presente para mirar hacia el futuro. Son los acusadores del “sentido común” y de las lógicas convencionales de la cultura burguesa y sus manías. Pregona espléndidamente André Bretón en el Manifiesto de 1924: “Lo único que todavía me exalta es la palabra libertad. La creo capaz de mantener indefinidamente el viejo fanatismo humano.” 

Ser en el Mundo

Describe la mitología al poeta como el donante de palabras. Es el pontífice, deliberadamente, el puente entre los dioses y los hombres.
Más contemporáneamente es el Ser en el Mundo y en el Tiempo, que nombra su canto con la suavidad del leve abrazar que mece la calma de su alma. Y el poeta solitario, sin espanto, dice lo más universal. Honradamente el poeta que habita entre los hombres es capaz de ofrecer la canción a su comarca, tomándola sobre sí -llamamos con Hölderlin-, cumpliendo la misión de vislumbrar para los suyos los caminos del cambio. Interpreta la voz de la especie para ser escuchada, reconducida a lo que tiene de original y primordial el sentido de su peregrinación. Nada le es extraño al poeta: se relaciona amorosamente con su gente, como reclama Leopoldo Marechal, despliega el lenguaje y anuncia el destino para caer hacia lo alto, habla y convoca, viene a nosotros y en nosotros se afirma, enciende la palabra, la acerca a las cosas del mundo, y permanece con la cabeza descubierta.
“Cuando el poeta queda consigo mismo en la suprema soledad de su destino solitario -nos revela Heidegger- entonces elabora la verdad como representante de su pueblo”.

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Por ANA MARÍA RUIZ
(Desde Santa Cruz)

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Poema
a Carlos Gorriarena (in memoriam)

no podremos detener
la costumbre de la muerte

pasan nubes que anuncian
el llanto entrecortado / la palabra
rodando las pisadas de la memoria
una ráfaga que se detiene ante el silencio
de sus días en los otros

juega a no estar / sabemos que es solo un juego/
fantasmas en el erizo de la niebla
fundiéndose en el fulgor de las miradas

nunca se extinguirá
esa música que buscaba con su trazo
los sueños en la paleta de colores

Pablo Montanaro
Neuquén, Argentina

Guardar (in memoriam)

Vivo la vida
recordada por mi bisabuela.
Ella en mí quiso y defraudó.
Sacó las entrañas a colgar al viento,
barrió el piso con su pelo.
Sus placeres quitaron el polvo de la cómoda.
Ella se acostó con mi estirpe.
Yo, en cambio,
viajaré con la maleta cargada de sus sueños,
soplaré en el oido de
sus amantes,
me bañaré en el agua caliente
que tanto añoró
me limpiaré su cara con manos
espumosas de jabón fino,
me pondré crema en sus piernas
para hidratarlas después de estos
100 años de ultratumba,
me pintaré sus uñas con
esmalte escarlata
y me encamaré con sus progenitores.

Vendrá el pasado y
me encontrará muerta
con el pelo enmarañado en el polvo
y los dedos de los pies
esmaltados de rojo.
Y contenta, por Dios,
contenta.

Silvia Favaretto
(Italia)

Poema

Si el poema es el espacio del poema
es porque el tiempo es el tiempo del poema
ramita rota
hojita seca
el poema es ese ojo mendigo
su dibujo
su rima
su razón
lo que inventa
lo que lo inventa
para ver
por el ojo que lo mira
no sólo lo que ve
sino lo que inventa al verse
reflejado en ese ojo que lo lee
como si en sí lo escribiera
se escribiera
se inventara inocente
se reflejara intruso
como si el paraíso perdido
su paraíso
nuestro paraíso
fuera ese lugar en el tiempo
que él ocupa
y en el que él sucede
como si ese tiempo y ese espacio
fueran éste
siempre éste
y sólo el suyo
y siempre el suyo
y nunca el mismo.

Constantino Andreadis
Ciudad de Buenos Aires, Argentina

Poema

I

Yo también he de inventarme

una doble vida
hecha de soledad
y de compañía

de estar junto al fuego
a la intemperie
de estar junto al fuego
y seguir sintiendo frío

de estar junto al fuego
que no calienta
aunque quema

no calienta
Carlos Kuraiem
Gran Buenos Aires, Argentina

Poema XX

“vengo de un reino extraño,
vengo de una isla luminaria”

Mientras desciende
cae
dorándose
detrás de la montaña
yo
busco el agua en la noche
la perla del curvo código matojo por su selva,
la única hoja para devolverla
a su amanezco
me
busco la red para cazar
lo profano del fuego
me
busco los cruceros que me hacen
una antesala saciando la voz del viento,
el nocturno incienso que desagua
la sombra de lo humano
me
busco siendo una isla
un solo boceto por la costa
un solo abanico que recibe la mar
en su irse a fondo
conciente del cierre del alba,
del velo que simula ser la apertura
de todas las puertas en tu astillero
yo
busco me busco

Almendro lunar

Milagro Haak
Venezuela

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