“Siempre hubo administradores de prestigio que tienden las redes de la tentación de las que muchos muerden”.

Entrar en el taller de Carlos Cañás es toda una experiencia. Este valuarte del arte argentino, no solo enseña las técnicas que constituyen los fundamentos de la pintura, sino que también le da a sus alumnos las alas para volar, múltiples son los estilos que sus alumnos despliegan, y todos son válidos.
Carlos Cañás es un maestro con todas las letras, posee la sencillez y la humildad de los grandes, valores que constituyen su personalidad de buena gente, de hombre de bien, de artista comprometido con su hacer. 
Cuando se entabla el diálogo con él es uno de esos momentos en donde el tiempo se suspende, tan solo para escucharlo narrar alguna anécdota, que con una sonrisa franca él comparte con nosotros.
El maestro Cañás accedió de manera amable a esta entrevista exclusiva para Generación Abierta, la cual transcribimos  a continuación.

G. A. :¿Cómo fueron sus comienzos en la vida artística?
C. C..:No puedo precisar un año, ya que mi vocación fue desde siempre, desde muy temprana edad.  Cuando me preguntaban sobre qué quería ser cuando fuera grande,  yo siempre respondía, pintor y dibujante.

G. A. :¿Cuáles de sus maestros fueron sus referentes más importantes?
C. C. :Yo muchas veces cuando converso con ustedes menciono artistas, por que hemos sido contemporáneos tal vez con las generaciones más importantes del arte argentino.  A algunos de ellos  los he conocido personalmente , de otros he  visto sus exposiciones, y con otros  -que han sido maestros en las escuelas de bellas artes- , en algunos casos he trabajado. Pero siempre  recuerdo a Humberto Pitaluga, un hombre mayor para nuestra generación en ese momento, muy cálido, muy de enseñar con el gesto más que con la palabra.
El fue un par mío en la Escuela “Prilidiano Pueyrredon”.
Retrotrayéndonos a la Escuela “Manuel Belgrano”, por ejemplo, recuerdo que tuve a Luis Borraro, era paisajista y un hombre de gran humor, de gran señorío y un gran maestro. Luego obviamente han habido otros maestros, sin ser necesariamente en la parte de Plástica, imaginate vos tenerlo en Historia Argentina a Enrique De Gambia, o en Castellano a Leopoldo Marechal, son maestros inolvidables.
En el transcurso de la Pueyrredón, ya avanzado , me toca estar con Eugenio Daneri,  uno de los grandes maestros del arte argentino,  un hombre, muy particular, en el sentido de que era un hombre muy introvertido, muy medido, era breve en su discurso, pero muy profundo.
Recuerdo que fue en ese tiempo que él gana el Gran Premio Nacional con una obra que se titula “La muerte de un hijo”.  Para nosotros  era un orgullo verlo venir y saber que era el autor de ese cuadro que estaba en el Palais de Glace.
Años después de terminar la Pueyrredón, hacer De la Cárcova y empezar con la primera o la segunda  exposición en la Galería Plástica, -un lugar pequeño pero de mucho prestigio, en donde exponían grandes maestros, y en la cual tuvimos  la suerte con Carreño y Linares de poder exponer-, recuerdo que mandé  tarjetas a amigos maestros y entonces un día Peccora me dice; “Cañas estuvo Daneri, y me dijo: déjele saludos a Cañas, yo no se si se acordará de mí”, fíjate vos la dimensión de ese gran hombre.

G. A. : ¿De dónde parte para comenzar una serie?
C. C. : De la intuición.

G. A. :  ¿De qué manera repercutió en su carrera que su obra estuviera en museos del mundo?
C. C. :A medida que ha pasado el tiempo, esto ha fortalecido la convicción de estar en lo cierto.

G. A. : ¿Qué lugar ocupa la docencia en su vida?
C. C. :Un lugar muy importante porqué aborda un aspecto también fundamental de mi vida a nivel vocacional.

G. A. : ¿Cómo se entrelazan el artista y el maestro?
C. C. : No se como se entrelazan, yo vivo trenzado con el pintor, el otro adjetivo no lo conozco.

G. A. :¿Se puede enseñar arte?
C. C. : Yo creo que se puede ayudar a pintar, se pueden enseñar algunas técnicas o mecanismos de la pintura,  pero creo que el arte es producto de cada uno y de su vivencia interior.

G. A. : ¿Qué condiciones debe tener un alumno de arte?
C. C. : Fundamentalmente vocación, compromiso, constancia, fuerza de voluntad.

G. A. : ¿Cómo ve el arte actual?
C. C. : Un tanto confuso, un tanto desperdigado,  y si bien siempre hubo  administradores de prestigio que tienden las redes de la tentación de las que muchos muerden, creo  que en la actualidad esto se hace más evidente que en otras época. No obstante, el arte actual es una expresión polifacética, muy amplia, de múltiples direcciones,  a veces algunos de esos administradores de prestigio  pretenden  ponerle una sola dirección,  y el artista en ese sentido tiene que tener mucha fuerza de voluntad y creer en lo que hace, porqué no se puede estar permanentemente de acuerdo con lo que quieren los demás; no se puede estar diez, quince años pendientes de hacer lo que quiere el otro, de vivir condicionado a lo que otros sienten. 

G. A. : ¿Usted piensa que el arte debe permanecer en un lugar sacralizado?
C. C. : Yo creo que el arte debe ser respetado, debe ser considerado, no tiene que ser vulgarizado, lo cual no quiere decir que debe ser sacralizado, pero eso forma parte de la cultura, yo creo que en este momento lo que puede ser la cultura ciudadana está un poco desperdigada y se debe considerar como falta de respeto atacar un área que debe ser considerada una buena expresión arquitectónica.
En este momento ha sido restaurado el monumento al “Gral. Alvear”, considerado por los escultores y muchos artistas como uno de los mejores monumentos de este país y ha sido manoseado en forma total, pintarrajeado,  manchado con graffiti y eso es una falta de respeto, lamentablemente por todo esto temo que se esté degradando enormemente la cultura ciudadana.

G. A. :¿Qué lugar ocupa hoy la figura del crítico?
C. C. : Ocupa un lugar muy importante, a veces más importante que la del propio artista…

* Carlos Cañás: Nació en Buenos Aires en 1928. Se formó en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes “Manuel Belgrano”, “Prilidiano Pueyrredón” y “Ernesto de la Cárcova”. En 1959 formó parte del grupo “Sur” junto a Leo Vinci, Ezequiel Linares, Pérez Román, Aníbal Carreño, Mario Loza y René Morón. Viajó varias veces al interior del país, constituyéndose estos viajes como viajes de estudio, fue becado por el Fondo Nacional de las Artes y viajó al exterior, visitando Italia, Suiza, Francia y España.
Ha expuesto en muestras individuales y colectivas  desde 1957, en Argentina, México, Brasil, Estados Unidos y España. En 1958 obtuvo Mención Honorífica en el Salón Nacional, en 1959 el Primer Premio en el Salón de San Fernando, también en ese mismo año el Premio Adquisición en el Salón Nacional.  En 1997 ganó el Gran Premio Nacional.
Ejerció la docencia en la Escuela Nacional de Bellas Artes “ Manuel Belgrano”, en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, y en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto De la Cárcova”.
Sus obras se cuentan como patrimonio de diversos museos tanto del país como del exterior. 

La entrada Carlos Cañás* se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Una pieza teatral que se ocupa de reflejar parte de nuestra historia, la que cobra vida a través de su protagonista: el ex presidente de nuestro país, Arturo Illia, un hombre que compatibilizó su vida personal y su actividad política desde la ética y la honradez. Ocupó la presidencia por un tiempo acotado, no por voluntad propia, terminando sus días en la sala de un hospital público sin ningún tipo de enriquecimiento personal.

El tiempo se traslada al escenario y la ficción se sustenta por la personificación comprometida de los personajes y la de los sucesos históricos que protagonizaron las décadas infames de la Argentina.

Revelaciones históricas (quizás para los más jóvenes) construyen el discurso narrativo, ambientado en el contexto socio político cultural de aquellos años. Años en los que la democracia se vio vapuleada por los medios de comunicación de la época y un cruento entorno social.
Una escenografía acorde al tema convocante acompaña la actuación actoral.

Una obra, que emociona, que arrastra recuerdos del pasado, momentos claves graficados en un escenario de viejos antagonismos, que aún hoy perduran con el paso del tiempo.

Una producción teatral que creemos sería importante que formara parte de las visitas educativas en las escuelas de nivel medio, a fin de concientizar a los jóvenes a ejercer y resguardar las instituciones del país en estado de democracia.

Ficha técnico-artística:

Género: Drama 
Actor: Ingrid Pelicori y Claudia Tomas
Dirección: Leonor Manso
Dramaturgia: Alberto Muñoz
Iluminación: Pedro Zambrelli
Lugar: Centro Cultural de la Cooperación

La entrada Illia se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Antígona, cuatro perfiles. ¿Diferentes?, mujeres que nos hablan del amor,  de su existencia,  parecieran estar lejos  de la antigua tragedia.
Cuatro Antígonas : La hija de la Luna, del Aire, del Agua y del Dolor, las que recorren el mundo femenino a través de situaciones que deben enfrentar en su paso por la vida. Enigmas, misterios, secretos, ocultaciones se develan  a partir de cada una de sus historias. Las que permiten al espectador ser partícipe desde un lugar romántico pero analítico.
Son cuatro las acciones que conforman esta pieza teatral. Dos mujeres que establecen un diálogo entre sí, sobreviviendo a situaciones que van desde lo existencial hasta los hechos más cotidianos.
Algunas de las escenas muestran sus propias frustraciones, sus desaciertos, todo acerca del universo que envuelve la femineidad, develando hechos que se ocultaron por años.
Las actuaciones de Claudia Tomas e Ingrid Pelicori  acompañan el texto dándole vida y dotándolo de atracción y sentimiento.
La dirección está a cargo de Leonor Manso y este trabajo  no hace más que confirmar su experiencia en el escenario. La escenografía también pertenece a ella, austera, cálida, casi atemporal,  cumple con lo que cada cuadro requiere.  Junto con la luz  vigorizan  la puesta en escena.
El texto de Alberto Muñoz reúne los componentes  necesarios para ofrecer al espectador un trabajo narrativo, profundo con una temática íntima y de género que llega al público desde lo más recóndito. Conectándolo así con cada uno de estos personajes.  Una mirada diferente a la Antigona que todos recordamos: moderna, emotiva, la que nos lleva a la  reflexión y al  análisis, mérito que a veces no es común encontrarlo en el teatro actual. 
Un texto  en el que  símbolos y  metáforas  fluyen e interactúan  en todo momento.

Ficha técnico-artística:

Género: Drama 
Actor: Ingrid Pelicori y Claudia Tomas
Dirección: Leonor Manso
Dramaturgia: Alberto Muñoz
Iluminación: Pedro Zambrelli
Lugar: Centro Cultural de la Cooperación

La entrada Antígona se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por MARÍA ELENA ROCCHIO
y LUIS RAÚL CALVO

“Hay un Manuel Castilla, un Armando Tejada Gómez, un Jaime Dávalos, -que los chicos lamentablemente  no conocen-, que son los esqueletos de nuestro edificio social”.

“Generación Abierta” tuvo la posibilidad de dialogar con el destacado músico argentino Rubén Ferrero.. En una apacible noche de verano (*) nos recibió cálida y generosamente  en su casa y compartimos un grato momento junto a él, su hermano y algunos amigos.

G.A.: ¿Cómo se produce tu primer acercamiento a la música?
R.F.: Esto ocurre a los 8 años y medio,  cuando mi madre me lleva a ver una película que me rompió la cabeza, me partió al medio, “Fantasía” de Walt Disney. Tanta  música, tantos instrumentos que se metamorfoseaban, me volvieron loco. A partir de ahí no dejé de molestar a mi vieja para que me llevara a estudiar música. No había cumplido los 9 años que ya estaba estudiando en el  conservatorio.

G.A.: ¿ Qué balance podés hacer de esa etapa de estudio en el conservatorio? ¿De qué conservatorio estamos hablando?
R.F.: El conservatorio es el Lopez Buchardo. No fue un lugar de contención, los profesores eran muy rígidos, muy duros, no teníamos prácticamente diálogo con ellos. Eran muy dogmáticos, muy académicos.

G.A.: ¿No se permitía la creatividad del alumno?
R.F.: No, cero creatividad. Esa palabra yo la conocí ya de grande. Pero a pesar de todo, no dejé el conservatorio por mi madre, pero opté por buscar profesores y caí en la casa de Pedro Sáenz, uno de los últimos grandes músicos de la historia argentina.

G.A.: ¿A qué edad comenzaste a estudiar con él?
R.F.: Tendría 10 años para 11. Lo que te puedo hablar de él son maravillas. Con él aprendí toda la música. Ahí me di cuenta que era una pantomina el conservatorio, en un año aprendí lo que en el conservatorio hubiera necesitado cuatro.

G.A.: El apoyo de tu madre fue muy importante…
R.F.: Sí, El apoyo de mi madre fue permanente.

G.A.: ¿Después tuviste otros maestros?
R.F.: Sí. Después de Pedro tuve otros grandes maestros  como Antonio De Raco, Lita Spena. Todo esto dentro del mundo clásico, académico, que me dio un concepto de cómo llegar a ser un profesional en esto y de cómo tratar a la gente que a uno lo rodea, o con la que uno tiene que trabajar.
También estuve con un genial maestro de piano, de la música, que es Miguel Ángel Rondano.  A todos ellos los  tuve entre los 10 y los 15 años más o menos.
Pienso en estos maestros y hoy no se los ve, esos referentes ya no están.

G.A.: ¿Por qué pensás que ya no están?
R.F.:  Porque cambió mucho todo. Antes era imposible interrumpirle una clase a alguno de estos maestros, por el hecho de ir al baño, por ejemplo.
Hoy los alumnos entran y te dicen: “Qué hacés loco, cómo andás?”  te tratan  como un par, lo cual no está mal, pero tampoco es bueno porque ellos ya no tienen un referente.

G.A.: Estuviste vinculado a Atahualpa…
R.F.: Sí, por mi vida pasó Yupanki, que era vecino de casa y venía a la mía a escucharme tocar el piano y yo iba a la de él a escucharlo tocar la guitarra. Lo traté más o menos tres años y medio entre mis 11 y 15 años.

G.A.: Sos un privilegiado…
R. F.:  Sí, yo en realidad no sabía quien era, les digo de verdad. Mi vieja me decía que era un músico de folklore importante, pero yo estaba estudiando a Mozart,  a  Chopin. Pero es cierto, soy un privilegiado porque también conocí al Mono Villegas y a Quinquela Martín.

G.A.: A ver, contanos como fueron esas experiencias…
R.F.:  Al Mono Villegas lo conocí alrededor de los 14 años. Fui un día con mi madre a ver un concierto de él, en el Teatro General San Martín, fue increíble ese concierto.
Tres días después lo vi caminando por la calle y me quedé como congelado. El se dio cuenta de esto, se me acercó y me dijo “¿Qué hacés pibe”? Yo le conté que lo había ido a ver tocar y entonces  le dice a mi vieja que estaba conmigo: “Me lo llevo a tomar algo al Bar El Foro”(**). Estuvimos  ahí un largo rato, se tomó dos o tres cafés, se fumó todo, puteó a la policía, a los abogados, estaba en contra de la cultura, de los políticos. A mí me pidió un vaso de leche con unas galletitas.  Me encantó su verborragia, una maravilla. Fue como si hubiera estado con un amigo mío. Lo vi durante un año y lo traté mas o menos un año y medio antes que él falleciera.
Él me dijo algo que en ese momento no entendí mucho, pero que me di cuenta que tenía un gran significado y sin duda lo tuvo con el tiempo: “ El músico siempre debe seguir su cruz, su dolor, su estigma, nunca se debe apartar de ese camino, ahí está la creatividad”.
En cuanto a Quinquela, yo estudié un año y medio con él. Como docente era fantástico, iba con un alumno, luego con otro, comprábamos facturas, tomábamos mate. Hablaba suave pero a veces se enojaba, tenía su carácter.
Me gustó de él la forma de transmitir el arte cotidiano. No pintaba cubismo, ni dadaísmo,  ni impresionismo, él pintaba la realidad y eso a mí me fascinó. Era una persona muy simple, muy sencilla.

G.A.: Cuando comenzás a interpretar, a vivir de la música  ¿lo hacés como solista, con el piano?
R.F.: No, en realidad si hay piano toco el piano, si no hago percusión, o percusión y canto. La música no depende de un instrumento, uno no es músico por el instrumento que toca, uno es músico porque primero es uno, después viene el instrumento.
A los 16 años se produce un cambio muy  importante en mi vida. Yo venía preparándome para ser un músico clásico desde chico, venía con una gran cultura clásica, y a esa edad empecé a entender lo que era el folklore, el jazz, el tango, los cuales me habían resultado prohibidos en el conservatorio. Donde hay música clásica no se habla de música popular. Hoy tal vez haya alguna apertura, vamos por caminos mejores, más abiertos. Internet ayuda a descubrir nuevos caminos para la gente joven.

G.A.: En folklore, ¿qué es lo que más te atrae?
R.F.: Hay un folklore que no ha sido difundido que es un folklore de un alto nivel de expresividad, de creatividad, que no tiene nada que ver con los grupos folklóricos, que hacen lo que se llama la proyección folklórica, o el folklore comercial. Hay un folklore artístico que es el que se debería enseñar en las escuelas, hay un Manuel Castilla, un Armando Tejada Gómez, un Jaime Dávalos, -que los chicos lamentablemente  no conocen-, que son los esqueletos de nuestro edificio social.

G.A.: ¿ Cómo continúa tu carrera?
R.F.: Comienzo a viajar por Europa. Entre 1987, 1988, empiezo a actuar en el Festival Mar del Jazz, lo hago durante nueve años ininterrumpidamente, actuando en el único festival de jazz que había en el país
Era otra Argentina evidentemente, porque era multitudinario el público que iba a esos lugares, a escuchar a los artistas. Ahí se puede decir que comencé a tocar y a ser un profesional arriba del escenario.
Toqué secundando a George Haslam, un saxofonista que vino a  Argentina durante quince años para actuar. Él primero pide en público que yo toque solo y luego, una vez que yo comienzo, él me sigue. Estuvimos tocando juntos y se armó una hermosa comunión espiritual que se mantuvo hasta ahora.

G.A.: ¿El te invitó a ir a Inglaterra?
R.F.: No, el armó una gira con 18 conciertos, allá por 1994 en Escocia, puedo decir que fue el momento más importante de mi carrera. Yo tocaba acá y no sabía si no podía expresarme bien o estaba muy adelantado.
Cuando hago mi primera actuación en el festival de allá, donde actuaban músicos del nivel de Chick Corea para que se den una idea del nivel, toco una obra y cuando culmino se produce un silencio sepulcral como me había pasado en Argentina tocando la misma pieza.  Cuando me levanto para irme del escenario con una bronca terrible, el teatro se cae abajo de los aplausos, con lo cual yo entendí que la gente había quedado en una situación de impacto muy fuerte, que le impidió aplaudir inmediatamente.

G.A.: Sabemos que en breve vas a estrenar una obra…
R.F.: Sí, “La Ópera Mediocre”, en febrero, el placer de ser mediocre, ja, ja, ja.
Es una ópera que dura unos 30 o 40 minutos, porque los tiempos hoy se han acortado. Está compuesta en los textos por el poeta Diego Arbit , un joven muy talentoso y en la música por mí. Habla de la mediocridad a través de los tiempos, de cómo se ponen en juego actitudes como la envidia, la autosuficiencia, el poder, la soberbia. De cómo el sujeto pasa de un estado a otro, de esclavo a rey y no se da cuenta.
Hay una actriz que maneja cinco o seis personajes al mismo tiempo. Hay dos personajes centrales que son la conciencia buena y la conciencia mala. Nosotros tenemos dos conciencias, la que nos impulsa a hacer algo y la que nos lleva a reflexionar, a pensar si debemos hacerlo o no.
La soprano es la conciencia blanca y el tenor es la conciencia negra. Hay un personaje atemporal que es el poeta, que regala libros y vive en un estado idílico y a veces protesta. Detrás de él están las dos conciencias.

G.A.: Te deseamos mucha suerte.
R.F.: Muchísimas gracias.

(*) Esta entrevista fue realizada en Diciembre de 2009.
(*) Antiguo bar que ya no existe que estaba en la esquina de Corrientes y Uruguay.

La entrada Rubén Ferrero se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

La primera mitad del siglo XX está marcada por las dos grandes Guerras Mundiales (verdaderas carnicerías), por otros sangrientos conflictos (La Revolución Rusa, La Guerra Civil Española) y por profundos cambios en lo social y lo político en distintos países: Alemania, Italia, EE.UU., Rusia, España, entre otros.  Estas manifestaciones de gran violencia y crueldad y los cambios en lo social y lo político golpearon con mucha fuerza en la sensibilidad de numerosos poetas de aquel tiempo, lo que ha dejado hondas huellas en la obra de la mayoría de ellos.
Aquí vamos a considerar brevemente a uno de esos poetas, Miguel Hernández, indudablemente de los más notables creadores de aquel convulsionado momento, cuya obra –al igual que las de Antonio Machado, Pablo Neruda, César Vallejo, Raúl González Tuñón o Federico García Lorca ha tenido gran influencia en el posterior desarrollo de la poesía en nuestra lengua.
Nacido en 1910, de familia campesina de muy modesta condición, y muerto en la cárcel franquista en 1942, antes de cumplir 32 años,  Miguel Hernández tuvo que trabajar desde niño en tareas rurales. Por ello, tuvo muy escasa formación escolar, apenas llegó a cursar el 3er grado de la escuela primaria. Fue pastor de ganado como los personajes de los poemas de Virgilio o Garcilaso, pero pese a la obstinada oposición paterna, el destino lo condujo hacia el encuentro con la poesía en edad temprana, y desde entonces la poesía marcó su vida.     Según María de Gracia Ifach los primeros poemas de Miguel los escribió a los dieciséis años mientras pastoreaba cabras por los campos de Orihuela (Alicante), donde había nacido y vivió sus primeros años.
Miguel Hernández es un poeta en el que se hermanan profundamente su vida y su obra, es un poeta que nos dejó toda su biografía en sus versos cuya estructura se asienta sobre una tremenda sensibilidad y una gran facilidad creadora.
En una primera etapa, la poesía de Hernández nos muestra una marcada influencia de la lírica española del siglo XVII, muy especialmente de la obra de Góngora, revalorizada a partir de la conmemoración del tricentenario de su muerte en 1927. De esta época son sus libros Perito en Lunas (1933) y El rayo que no cesa (1935). Perito en Lunas es un libro barroco, escrito en octavas reales, que ya permite ver el temperamento apasionado del poeta que se manifiesta capaz de captar en su mundo circundante cuanto de lírico contiene, para transformarlo en un gran cúmulo de imágenes de corte culterano.  En El rayo que no cesa, el corazón del poeta pena de amor en versos de sentido dionisíaco colmados de bellas imágenes en las que materializa la deificación de la mujer amada. Luego de 1936, durante la Guerra Civil en la que participó activamente, Hernández cultivó una poesía de tono épico y temática social, entendida como un arma de combate mediante la que pretendía concientizar al pueblo de lo injusto de su situación. La obra más representativa de este período es Viento del Pueblo (1937). En este libro vibrante sentimos la autenticidad de la guerra intensamente vivida por el poeta y la permanente amenaza de la muerte que él parecía palpar. A partir de este libro asombra la simplificación del lenguaje que se opera en la obra de Miguel.
Al finalizar la Guerra Civil, Hernández fue arrestado y  encarcelado. La experiencia de la cárcel, abordada con un enfoque intimista, es central en su Cancionero y Romancero de Ausencias (1938-1941), su última obra, en la que vibran su soledad y su calvario a través de las prisiones.
Bendecido por una inspiración genuina y un decir personal, Miguel Hernández es uno de los grandes poetas del siglo XX. La descripción del sentimiento amoroso o la denuncia de las injusticias sociales se expresan con gran contundencia en su poesía.-

Poemas

MENOS TU VIENTRE…

Menos tu vientre,
todo es confuso.

Menos tu vientre,
todo es futuro
fugaz, pasado,
baldío y turbio.

Menos tu vientre,
todo es oculto,

Menos tu vientre
todo inseguro,
todo postrero,
polvo sin mundo.

Menos tu vientre
todo es oscuro,
menos tu vientre
claro y profundo.

CANCIÓN ÚLTIMA

Pintada, no vacía:
pintada está mi casa
del color de las grandes
pasiones y desgracias.

Regresará del llanto
adonde fue llevada
con su desierta mesa,
con su ruinosa cama.

Florecerán los besos
sobre las almohadas.

Y en torno de los cuerpos
elevará la sábana
su inmensa enredadera
nocturna, perfumada.

El odio se amortigua
detrás de la ventana.

Será la garra suave.

Dejadme la esperanza.

LLEGO CON TRES HERIDAS…

Llegó con tres heridas:
la del amor,
la de la muerte,
la de la vida.

Con tres heridas viene:
la de la vida,
la del amor,
la de la muerte.

Con tres heridas yo:
la de la vida,
la de la muerte,
la del amor.

UMBRÍAO POR LA PENA, CASI BRUNO…

Umbrío por la pena, casi bruno,
porque la pena tizna cuando estalla,
donde yo no me hallo no se halla
hombre más apenado que ninguno.

Sobre la pena duermo solo y uno,
pena en mi paz y pena en mi batalla,
perro que ni me deja ni se calla
siempre a su dueño fiel, pero importuno.

Cardos y penas llevo por corona,
cardos y penas siembran sus leopardos
y no me dejan bueno hueso alguno.

No podrá con la pena mi persona
rodeada de penas y de cardos:
¡cuánto penar para morirse uno!

(*) El poeta fue hijo de Miguel Hernández Sánchez, modesto criador de ovejas, tuvo un hermano  mayor,  Vicente, y dos hermanas, Elvira y Encarnación. En 1934 se enamoró de Josefina Manresa, con la que se casó. Su primer hijo murió a los 10 meses, lo que le dejó un dolor que nunca superó. Su segundo hijo, Manuel Miguel, le inspiró uno de sus poemas más difundidos, Nanas de la Cebolla. Por entonces también murió Ramón Sijé, su gran amigo, lo que le inspiró su famosa Elegía, una de las mayores escritas en castellano. Durante la guerra civil, integró El Quinto Regimiento de Milicias Populares, recorrió el frente de batalla recitando para los soldados y publicó sus versos en la revista de La Alianza de Intelectuales Antifascistas. Tras la derrota, en 1940, fue condenado a muerte, aunque logró una conmutación por una condena a 30 años de cárcel. Allí sufrió grandes penurias, (enfermó de tifus y de tuberculosis) hasta su muerte. Años después, Serrat y Paco Ibañez musicalizaron y grabaron varios de sus poemas y lo hicieron conocer más allá del círculo de frecuentadores de la poesía. Quien quiera conocer más sobre el poeta puede leer Miguel Hernández, Destino y Poesía, de Elvio Romero, o sus Obras Completas, con un estudio de María de Gracia Ifach, gran especialista en su poesía.
En octubre de este año se cumplirán cien años de su nacimiento.

La entrada Aproximación a Miguel Hernández* se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

El 25 de Mayo de 2010 será la gran fiesta conmemorando el Bicentenario de la Revolución de Mayo que abrió paso a la independencia argentina del 9 de julio de 1816. Allí habitaba el espíritu latente de aquellas mujeres y hombres de una parte de la sociedad que aspiraban desde 1806, a una mayor participación política y económica, que esperaban recuperar sus tierras y sus derechos, y anhelaban el renacer de los pueblos usurpados bajo el yugo colonial español.

La Semana de Mayo se fue gestando con una  percepción certera de que la fuente de autoridad del virrey se  había agotado, y que ese era el  momento para comenzar a debatir sobre el destino de un nuevo gobierno emanado del pueblo, por lo que era preciso inaugurar una nueva unidad en todo nuestro territorio nacional.

Nuestra historia la podemos encontrar en diversas fuentes, textos escritos,  archivos, testimonios, cartas, la arqueología, las tradiciones orales,  documentales,  expresiones artísticas y también en el recuerdo.

El evocar nos permite entender el presente y fundar el futuro, es un ejercicio vital, es el proceso donde se reconstruyen hechos de nuestro pasado,  nos afirma como sujetos y como país, recuperamos los escenarios culturales y sociales,  la vida de nuestros pueblos con su oscuridad y su luz,  con su dolor y su resistencia. 

Sostenemos que es imprescindible recuperar la memoria,  no la instrumentada por los medios para ganar consumidores, no la  regida por la lógica del mercado, no sólo la que nos muestran  mediante imágenes, sino también   la que nos ocultan, la   que silencian, recortando y adormeciendo la  memoria colectiva.

En estos doscientos años aún no hemos aprendido a  convivir entre los argentinos, aún hoy hay  fragmentación, dolor,  exclusión,  violencia,  conflictos sociales de clase, intolerancia.
Estos dos siglos de independencia nos revelan que aún hoy debemos transitar el camino de la memoria, del pensamiento creador.

Anunciaba Filón (25 a J.C., 42d, J.C.) “¡Al querer Dios unir en íntima y amorosa asociación el comienzo y el fin de las cosas creadas, hizo del cielo el comienzo y del hombre el fin; el primero, el más perfecto de los objetos del sentido imperecedero, el segundo, la más noble de las cosas terrenas y perecederas, en verdad, un pequeño cielo. (…)!”

Teniendo en cuenta las ideas de Filón, que nos conmueven, pensamos que el  compromiso de todos nosotros, -mujeres y hombres que disfrutamos del conocimiento, que reconocemos la importancia de los vínculos afectivos, de la autonomía en el pensamiento,  que reclamamos valores,  que proclamamos libertad con justicia social-,  pueda ser el de  apasionar,  entusiasmar, para que entre todos los argentinos construyamos un país que nos posibilite otros escenarios de encuentro, otros sentidos, algo así como un pequeño cielo.

En estos tiempos diluidos tendremos que correr ciertos riesgos, sostenernos con nuestras propias narraciones, anclarnos en  la memoria y la autoconciencia, sujetarnos a nuestra historia personal,  a nuestra biografía,  a fin de  recuperar nuestra verdadera identidad, la que se construye necesariamente desde los otros…

POEMA

La casa donde reposan los recuerdos
no reconoce dueños ni pertenencias
del pasado.

En su entraña se cobijaron
historias vividas y no vividas
allí nacieron cuentos de hadas
voces parciales de un drama
creado a imagen y semejanza
de un héroe de fantasía.

Alguien debería narrarnos hoy
otros espejismos, para saber
que conjeturaban el lobo
el villano, la bruja de alcoba
sobre esos mezquinos relatos.

La casa donde reposan los recuerdos
es una deuda pendiente, un sueño inconcluso.

Luis Raúl Calvo
(Del libro “Bajos fondos del alma”,
Ed. Generación Abierta, 2002)

La entrada El Bicentenerio y el camino de la Memoria se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

En el séptimo piso donde estoy con mi conciencia
quien merodee este jueves por el espacio cercano donde callo
encontrará una pasión enceguecida al borde de la copa
un libro abierto al vino que se hunde sin espantos
y una sensación de que la lluvia
es un horizonte húmedo entre tu piel y la mía.
(De: “Trapecio”)

Ella a veces transcurre el día
sobre la ancha cama de mi lengua
donde sólo llegan los pájaros de cada octubre,
las inundaciones de los pequeños ríos,
las empecinadas luces de algún lugar del mundo.

Me basta así
todo pequeño
todo amanecido
porque tengo tiempo
y no quiero que nada se corrompa
que nada salga y se derrame
que todo nos quede para darnos de a poquito
eternamente.
(De:”El día desde ahí”)

A tu tardía boca
llego de marzo cambiándome de cara.
He venido a festejar cualquier aniversario
cualquier anónima figura que trajo de si lo que se nombra
el deseo de aplaudir hasta la vida la jubilosa muerte,
y cuando todo sea memoria 
y no me importen los ruidos a cerraduras para nombrar tu nombre
me sentaré al borde de los días
como un día
como un tiempo
como un dios suicida que se olvida.
(De: “Trapecio”)

Hoy llueve sin cadáveres
la única víctima es la tristeza.

Llueve
y la nada
es un paisaje que gotea.

(De:”dioses,exilios y otras desesperaciones”)

*Luis Colombini nació en San Nicolás de los Arroyos, Pcia de Bs.As.
Integrante de la primera Comisión de A.P.O.A (Asociación de Poetas Argentinos)
Figura en algunas antologías poéticas de argentina y en publicaciones de revistas literarias de América Latina.
Participó en recitales por los bares literarios de Buenos Aires, y hoy afincado en Valencia, España, para no perder el camino, repite su vida literaria por los ámbitos de esa ciudad.
Obra Publicada: “Todo lo Otro”(1983), poesía; ”Sobre la Mesa” (1987),poesía; “De dioses, exilios y otras desesperaciones” (2006),poesía (España);”Alumbrita” (2009), cuentos infantiles (España);”Entonces la Memoria” poesía,inédito;”Trapecio” poesía,inédito; “Los siempre hambrientos”, cuentos

La entrada La Llave de la Caverna se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por la Lic. ANABELLA OSSANI*

“En mi casa he reunido juguetes pequeños y grandes, sin los cuales no podría vivir. El niño que no juega no es niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta”.
Pablo Neruda.

La hora de juego en terapia es un medio de entendimiento y obtención de alivio, una manera de conocer al niño o al joven, permitiéndole trabajar en el vínculo con el terapeuta cuestiones que lo aquejan, ayudándolo a expresarse y a aceptarse.
En dichas sesiones terapéuticas utilizando el recurso del juego del ajedrez, se logra un conocimiento amplio de ellos, evaluando por ejemplo, con cuál pieza se identifican, cuál les agrada más y cuál les disgusta, qué sienten, qué emociones emergen al jugar, cómo aceptan las reglas pautadas, etc.
¿Para qué elijo usar el  ajedrez en las entrevistas terapéuticas?
El juego milenario del ajedrez es CULTURA, permite el desarrollo de diversas habilidades cognitivas, fomenta la capacidad atencional, la estrategia, el pensamiento analítico, promueve un sano desarrollo de la autoestima, obliga a acatar pautas, no es un juego solitario, hasta puede jugarse en dos equipos, y nos ayuda en la resolución de problemas.
El objetivo de su uso es el fin terapéutico en sí mismo, debido a que en muchas ocasiones, por un límite de tiempo, no se logra concluir el partido. Es lícito aclarar que no son clases de enseñanza de ajedrez propiamente dicho, son sesiones terapéuticas en donde el uso del juego nos sirve como recurso lúdico para conocer al niño, y para trabajar desde allí cuestiones interesantes como límites, frustración, competencia, y para que poco a poco cada niño logre integrar aspectos de su personalidad, que lo ayuden a crecer y reflexionar sanamente.
Antes de comenzar les doy  una consigna breve y puntual, según la edad del niño y también teniendo en cuenta sus posibilidades y si le entusiasma la propuesta.
Es muy importante explicar las consignas y reglas de juego de una forma lúdica, por eso la presentación del material es fundamental ya que hay niños que no conocen el juego, en los casos que lo conocen o han jugado, sólo se da la consigna, sino los invito primero a conocer las piezas, como se mueve cada una, que las ubiquen en el  tablero, les cuento que es un juego de estrategia que en su origen fue creado para reyes y que representa las figuras de personajes que vivían en esa época, que consiste  en  un tablero con 64 figuras cuadradas iguales y 32 piezas que simbolizan los roles de los diferentes personajes. Los invito a “ser” cada personaje, qué sienten, qué se imaginan en cada rol, cuál les gusta más, en muchas ocasiones les pregunto, para que creen que estos dos equipos de los dos reinos compiten, y las respuestas de los niños son interesantísimas. ¿Y si fueras el REY, qué harías? ¿Cómo solucionaría este problema la REINA? Y luego si es posible, en la medida de cada niño y respetando su singularidad intento que integren las respuestas a su vida y a lo que lo está aquejando, como soporte, como ayuda, a través del darse cuenta.
El juego permite que el niño lleve sus conflictos a un ámbito simbólico (Irwin, 1983), les permite verbalizarlos, exteriorizarlos, y así trabajarlos en el vínculo que se construye con el terapeuta, en este caso utilizando las piezas del juego de ajedrez, el tablero, la confrontación. Proyectándose a sí mismos en el juego, se pueden ir visualizando cuestiones importantes, que permiten asumir responsabilidades, logrando aliviar el sufrimiento, y quizás actuando lo que no se animan en su vida cotidiana.
En el caso de un adolescente de 13 años  a quien le costaba tomar decisiones por sí sólo, que eran acordes a su edad.  Acostumbrado a que en muchas ocasiones su mamá decidía por él sin consultarle, abandonaba el juego de ajedrez cuando perdía a la REINA: “Sin ella no puedo jugar más…es la que domina todo…tiene más poderes…”  A partir de allí, trabajamos mucho integrando la fuerza del REY como lo masculino, logrando que él pueda ir decidiendo por sí sólo varias cuestiones que eran importantes para su crecimiento.
“Jugando va conociendo al otro y se va conociendo, jugando va desarrollando su capacidad de percibir la realidad, jugando irá resolviendo los conflictos que le preocupan…”                           
Cuando un niño juega, arma, edifica un espacio imaginario en el cual prueba habilidades y capacidades que no están dentro de sus posibilidades inmediatas, éstas, le resultarán útiles en su futuro. Por ello el juego es vital en el desarrollo sano del infante, tiempo de juego…de experimentar…de ser allí en una actividad lúdica, eso que será en un futuro. El juego es sanador, reparador en sí mismo, permite la construcción de potenciales, la expresión de miedos, favorece la imaginación y el darse cuenta de  habilidades.
El pequeño juega a ser el rey, la reina, o actúa como el caballo, y allí les hago trabajar el imaginario de cada pieza, que “Jueguen a ser…” y a partir de éste interesante trabajo de expresión, tanto corporal, verbal y emotivo surgen datos y darse cuenta sumamente valiosos. No sólo pueden inventar ser el rey, sino por ejemplo qué tipo de rey quieren ser, ensayar el don de mando, el dar órdenes, el dirigir y a quien les hace acordar esta figura, etc. Como son ellos dando órdenes y como las aceptan de otros.
Otro trabajo interesante  que les sugiero, es que reemplacen cada pieza por un miembro de su familia, algún amigo, hasta algún maestro, alguien de su círculo cercano y les transfieran los poderes de cada una de las piezas. 
Para ejemplificar elijo contarles una entrevista con un niño de 6 años a quien le costaba acatar límites en su hogar y en su colegio. Eligió ser él mismo el caballo, y relinchaba por todo el tablero diciendo: “Ico, ico…soy un caballito salvaje…nadie me puede atrapar…” y empujaba otras piezas tirándolas. En ese instante le pedí si podía contarme que sentía siendo ese caballito salvaje, que corría y corría. “Soy poderoso…ves, no pueden atraparme…” Le pedí que cambiara de rol, y que me contara que le parecía a él lo que sentían las otras piezas del tablero. Eligió ser un alfil y dijo: “No te queremos caballito, hacés mucho lío, nos tiraste a todos y no podemos jugar…sos poderoso pero te vas a quedar sólo…sólo por malo”. A partir de allí intenté ver si él lograba darse cuenta de algo, luego de este diálogo imaginario. Y con mi guía trabajamos como se relacionaba  con su entorno, como le costaba aceptar los límites,  cuanto se perdía de juegos con amigos, transformamos la bronca, la rabia, y así poco a poco, fue tolerando la frustración. Aceptando que todo no era posible y que no podía decidir siempre sólo. No obstante trabajé con él lo positivo de ser un caballito, integrando ambos aspectos. En las entrevistas siguientes, comenzaba eligiendo el caballo, relinchaba y correteaba por fuera del tablero y me decía: “ya está… corrió un poco por el pastito y ahora quiere ir con sus amigos de equipo…”
El trabajo incluye también el diálogo con los padres y hasta en muchas ocasiones el trabajo en conjunto con la terapeuta de familia y la participación de toda la familia, para mejorar las relaciones con el pequeño, mediante la representación de todos los miembros en las piezas y valores de las mismas en el ajedrez.
La capacidad creadora, para lograr su desarrollo, necesita ser estimulada, reconocida y sustentada. Todos nacemos con diferentes clases y grados de potencial creativo, que nos permiten abordar diferentes situaciones de diversas maneras.
El ajedrez resulta así un juego valioso, ya que les muestra a los niños, que cada movida, cada jugada, es una decisión tomada, y hay tantas diferentes  como personas jueguen.  Es una semejanza de cómo se podría, en muchas ocasiones, encarar la vida desde una visión lúdica.
Si los niños logran tener su autoestima elevada, podrán expresarse y tomarán  en serio sus propias ideas, se animarán a crear… y a  medida que logren esto,  serán más conscientes de sus sentimientos y pueden ir aumentando la seguridad en sí mismos y afirmando quienes son y por sobre todo disfrutando de la vida y de todo lo maravilloso que es ser niños.

BIBLIOGRAFÍA:
Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation.

Calvo, Liliana, FAMILIA, RESILIENCIA Y RED SOCIAL Espacio Editorial 2009.

*Psicóloga clínica. Egresada con diploma de honor en  la Universidad de Buenos Aires. Especializada en Gestalt, Enfoque Junguiano, Winnicott y  Genosociograma desde el Enfoque familiar  Hellinger.  Docente de la Universidad de Buenos Aires (1999 al 2005). Miembro del Staff de Redes Comunitarias, coordinadora de “Talleres para Adolecentes” en Proyecto Comunitario, (2000).  Asistente Terapéutica de pacientes con afasia (2000 al 2005).  CO- Creadora  de los “Grupos PYR de Promoción y Recuperación  de la calidad de vida Profesional”, presentando sus trabajos  en Consejo Profesional de Trabajadores  Sociales, Servicio Social de la  Mutual AMUGENAL, (1999, 2000 y 2001) y en  Congreso  Cromañon, (2005). Co-coordinadora de los “Talleres de Cuentacuentos” del Grupo ConVivir, en Hogar  del Consejo del Niño y del Adolescente, (2004).   Coordinadora en la actualidad  del Área Psicoterapéutica del Grupo ConVivir. Realiza la atención  psicoterapéutica de niños, adolescentes y jóvenes. Y el diseño y la diagramación de la Revista ConViviendo: www.convivirgrupo.com.ar

La entrada El uso del Ajedrez como Recurso Terapéutico se publicó primero en Fundación Generación Abierta.