Ya de niño convive con la pintura en el taller de su padre H. Tessarolo. Concurrió a los talleres de los maestros URRUCHUA Y POLICASTRO. Estudió dibujo con Luis Dotori y realizó también cursos de dibujo en la Asociación Estímulo de Bellas Artes.
En 1973 realizó un viaje de estudios por Europa.
En 1980 hizo un curso de pintura al fresco en MEEBA. Su primera exposición fue en la Galería Van Gogh en el año 1960.
Hasta la fecha tiene realizadas 78 muestras entre las que podemos citar: Museo de Santa Rosa (La Pampa), Galería La Vuelta de los Tachos, Galería Braque, Museo de Olavavarría, Museo Provincial de Arte en Santa Rosa (La Pampa), Museo Municipal de Artes Visuales de Quilmes, Galería Hoy en el Arte.

Reportajes: Radio Antártida, Radio Nacional, Radio del Plata (programa de César Magrini), Radio Municipal, Radio Avellaneda (programa: Punto Sur) ; en televisión: Canal 2 (Show de la vida) y Carral 13 (Badía y Compañía y El espejo), en el Elevage Hotel reportaje realizado por el GRUPO GENERACION ABIERTA.
Publicaciones: diarios La Nación, Cronista Comercial, Ámbito Financiero, La Arena (de La Pampa) y en el Anuario de Arte Argentino. 
Museos que tienen sus obras: Museo Universidad Católica de La Plata, Instituto Perito Moreno de Bs.As., Pinacoteca Municipal de San Carlos de Bariloche, y los Museos Municipales de: Santa Rosa (La Pampa), Damacio Arce de Olavarría, de Quilmes, de Posadas (Misiones), Fundación Hugo Irureta (Tilcara, Jujuy), de Artes Visuales de Los Toldos (Prov. de Bs. As.).
Desde 1989 integra la Comisión Directiva de la SAAP y desde diciembre del mismo año es Integrante de la Oreja Verde.

¿CUANDO Y CON QUIEN COMIENZA SU ACERCAMIENTO HACIA LA PINTURA?
Comencé a pintar a los 4 o 5 años, junto con mi padre íbamos a pintar al bañado de Flores, él me formó como pintor.

¿LA OBRA DE SU PADRE TUVO INFLUENCIA SOBRE LA SUYA?
Nuestras pinturas son muy diferentes. El hace paisaje y figuras humanas inmersas en él, también naturalezas muertas.
Nuestras obras tienen un objetivo netamente social, mi padre lo manifiesta en sus paisajes, donde el hombre aparece en un segundo plano, ya que se ve envuelto en la atmósfera, en cambio en mi pintura la figura aparece siempre en primer plano, sin ella no concebiría la obra.

¿CUAL ES LA TEMATICA DE SU OBRA?
La figura humana es lo que más me motiva en cuanto representa la problemática social, debido a que es terrible la posibilidad de vida en la sociedad en que vivimos. Me interesa la cosa salvaje y primitiva a lo convencional o ya determinado.

¿COMO SE CONCIBE SU OBRA?
Parto siempre de la nada y a medida que voy manchando voy encontrando imágenes, aunque en realidad ya estaban incorporadas en mí. Ubico la figura en primer plano y el fondo lo utilizo para mantener este primer plano. La obra la concreto rápidamente, porque yo no soy la misma persona hoy que dentro de un mes y mis sentimientos cambian.

¿QUIENES FUERON SUS MAESTROS?
Yo tuve dos maestros Policastro y Demetrio Urruchúa muy comprometidos con la sociedad de su época.

¿TIENE ALGUN RECUERDO EN ESPECIAL DE ELLOS?
Si, una frase de Urruchúa me quedó muy grabada (te aclaro no se si ésta era de él o él la recordaba de otro maestro).
Era algo así… “El hombre es el perfecto equilibrio entre la razón y la locura, si es toda locura hay que encerrarlo, y si es toda razón es un estúpido cualquiera”.

¿SE PUEDE HABLAR DE DEFINICIONES EN EL ARTE?
El arte es un encontrarse consigo mismo, está para llegar al hombre y para hacer una reflexión de todo lo que nos pasa.
Me interesa pintar lo que yo siento y lo que yo quiero, lo hago para mi y para los demás.

¿QUE ES SER ARTISTA Y QUE FUNCION CUMPLE DENTRO DE LA SOCIEDAD?
El artista es un todo y en la medida que se compromete y rescata lo positivo de quienes conviven con él es un artista.
Hay pocos pintores que son ellos mismos, un artista en lo posible debe modificar las cosas de la sociedad, anticiparse al futuro.

¿EXISTE LA CREACION EN EL ARTE?
La creación para mi no existe. En realidad nosotros somos intérpretes de nuestra vida misma e incluso los precursores de nuevas tendencias son sus propios intérpretes de los que les tocó vivir.

¿QUE GRANDES NOMBRES ME PUEDE MENCIONAR DENTRO DEL ARTE?
Entre ellos puedo nombrar a Goya, Miguel Angel, Picasso…, porque abrieron caminos y rompieron esquemas.

¿LE GUSTA LA DOCENCIA?
Si.

¿CUAL SERIA SU FUNCION EN EL TALLER?
Considero que el maestro no debe ser una persona que enseña sino que conduce, yo dejo que mis alumnos trabajen libremente, que cada uno sea él mismo. Me interesa que aprendan a componer desde su propia iniciativa. En pintura trabajan siempre encontrando su propia imagen y en dibujo con modelo vivo.

¿QUE OPINION LE MERECEN LOS SALONES?
Los salones llevan a la competencia y para mí el arte no es competitivo.
Hay dos maneras de ser pintor: el pintor de su taller que hace todos los años una buena muestra y el que sólo participa en el juego de los salones lo que implica pintar para el gusto del jurado y hacer obras de gran tamaño.

¿QUE PROYECTOS TIENE PARA 1990?
En febrero una exposición en Mar del Plata en la Galería Casa de madera, en marzo en la Boca en la Galería “La Vuelta de los Tachos”, en junio en la Galería Marienband, en el mes de julio en el Consejo Deliberante y probablemente en la Galería Lagard.

La entrada Carlos Tessarolo: “El arte no es competitivo” se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por SUSANA TORRALBO y LUIS RAÚL CALVO

Trabajador de la cultura, poeta, ensayista, coordinador de talleres literarios, estos son algunos aspectos de un gran ser humano que dedicó y dedica actualmente su vida a la cultura para que ésta llegue a todos por igual.
Nace en 1921 y a los 19 años colabora en el periódico “La voz de Villa Urquiza” fundando un año más tarde el periódico “Paso del Rey” de la localidad del mismo nombre. En 1948 edita su primer poemario “Primer canto en rebeldía”. Durante los años 1952 a 64 recibe varios premios en certámenes literarios. En 1967 junto a Alberto Gurvanov Funfa dirige la revista “Diálogo”, órgano del movimiento Amigos de la Cultura. Edita “Juan Descalzo” cuentos y poemas en 1971 y “Poemas para su Tiempo” en 1973. Ese mismo año, junto a otros intelectuales de la localidad de San Martín constituye la Cooperativa de trabajo COOPROART, siendo su primer Secretario y también el primer taller literario César Vallejo que tiene San Martín, éste fue uno de los más importantes aportes culturales dados a esa localidad. Posteriormente dirige otros talleres en los que deja editadas revistas literarias (Aldaba – Hermano menor – Tiempo de Taller). En 1976 es fundador y primer secretario de la filial de Sade San Martín y cuatro años mas tarde secretario de Sade filial Noroeste Bonaerense siendo en 1985 su presidente. En 1981 edita el libro de poemas “Entre Amapolas y cardos”. Durante 1986 coordina talleres literarios, da charlas en el Instituto de Educación Cooperativa de San Martín y recibe la orden del Juglar SADELTA, otorgándosele el título de “trabajador de la cultura”. En 1987 es secretario de Actas del Consejo Federal Consultivo de Sade Nacional y en ese mismo año se traduce en la URSS su libro “Entre amapolas y cardos”. Actualmente se desempeña como Secretario de Sade Nacional.

¿Cuándo se produce su primer acercamiento a la literatura?
En 6° grado me pongo a ser escritor sin tener conocimientos de literatura, cuando ingreso al secundario colaboro en una revista de Villa Pueyrredón y escribo por primera vez algo público.

¿A qué poetas leía por aquel entonces?
Dos poetas me seducían: Rubén Darío y Almafuerte. Mi deseo era tener la fuerza, decir con claridad lo que decía Almafuerte pero con toda dulzura, todo el modernismo de Darío.

¿Se podría pensar que recibió influencias de ellos?
Yo creo que sí; luego fue Vallejo, el de la época de los Heraldos Negros, los surrealistas, Paul Eluard.

Ud. dijo que se puso a ser escritor sin tener conocimientos de literatura, ¿piensa que es necesario aprender a escribir o es algo que nace con uno?
Creo que no se aprende nunca a escribir que es una búsqueda constante, un oficio, no creo que sea algo que nace con uno.

¿Qué lo impulsa a Ud. a escribir?
Un deseo de comunicación, ser una parte activa de los cambios sociales, deseo de decir lo que otros no pueden, lo que otros no han dicho. Creo que los escritores que más se leen adquieren su doctorado en su trabajo cotidiano en su relación con la gente. García Márquez y Neruda, a pesar de ser hombres ilustrados tienen sus mejores obras siempre emparentadas con la gente. Creo que el escritor, como cual quier otro artista, tiene un máximo de trabajo y sudor y un mínimo de inspiración.

¿Hay en su poesía una necesidad de expresar aspectos relacionados con lo social?
Sí y cuando hablo de lo social quiero aclarar que esto no pasa por ningún color ideológico, religioso o racial. El ser humano es un ser social. El poeta tiene que hablarle a esa sociedad y tratar de enderezarle, si no cumple el rol del arte por el arte mismo, cosa que ya dejaron atrás los mismos románticos.

El arte según Ud. ¿cumplirla una función que trascendería lo estético?
Sí, lo estético va en función social. Sólo cuando alguien ve o lee una obra de arte y se le eriza la piel, es en esa erizada de piel donde aparece la función social. Lo social se manifiesta en un Darío cuando dice: “cuidado americanos todos pronto hablaremos en yankee”.

¿Lo social tiene que estar acompañado a lo poético para ser poesía?
Claro, una cosa es el panfleto y otra el poema, nadie puede negar la militancia de Neruda pero nadie puede negar Los 20 poemas de Amor; nadie puede negar su militancia a Tuñón pero nadie puede dejar de leer “Veinte centavos en la ranura”; nadie puede negar su militancia a Eluard pero nadie puede dejar de leer el “Canto a la libertad”.

¿Qué modificaciones cree Ud. que se dieron entre el primer libro y el siguiente?
Después me puse a estudiar en serio, hice periodismo y me puse a leer y escribir participando en movimientos culturales, creando bibliotecas, haciendo una vida más activa. Cuando publico “Juan Descalzo” considero un error el haber incluido poemas junto a cuentos puesto que así no aparece ni el poeta destacándose como poeta ni el narrador como narrador.

¿Qué lo llevó a volcarse a la narrativa?
La narrativa le ofrece a uno incursionar más los problemas sociales, el poema exige mayores matices; la narrativa puede tener un lenguaje coloquial mucho más franco y se puede mezclar lo poético.

¿Ud. cree que en la poesía se da más el sentimiento y en el cuento la imaginación?
Si, en poesía hay más de uno mismo; no obstante he descubierto que en el cuento hay aspectos más autobiográficos, mucha reminiscencia de lo vivido que se transmite aún sin quererlo. Estas conclusiones las he sacado de los talleres literarios que desde 1970 he coordinado.

¿Entonces podemos decir que hay un tránsito hacia la docencia?
Si y tengo un título que me han dado en la Sade Delta, que es el de “trabajador de la cultura”.

¿Cuándo se produce su ingreso a la Sade?
Yo me inicio en Sade filial Morón cuando era presidente Carlos Castagnino ingresando en la comisión directiva; a partir de 1975 comienzo en San Martín y ya anteriormente había creado junto a Claro Gómez, la Cooperativa de productores y difusores de trabajo intelectual y artístico Cooproart. Editamos allí “Juan Descalzo”, un estudio sobre cooperativas, “Estampa Brava”  de Alfonso Rey. Los objetivos eran crear centros culturales y un Ateneo a través del cual comencé a estudiar los estatutos de Sade y así junto con unos veinte escritores decidimos formar una filial de Sade. La creamos el 22 de junio de 1976 en San Martín y recibimos el apoyo de Julio Aristides que en ese entonces era vicepresidente de Sade Nacional. Así nació la filial Noroeste Bonaerense y de la que paso a ser Secretario. En la plaza Kennedy de San Martín, realizamos la primer Feria del Libro de la zona pasando así a ser una actividad participativa. Tuvimos muchos problemas ideológicos pero igual organizamos un Consejo de filiales de Sade y establecimos una participación activa del escritor en la vida nacional, en la radio, las municipalidades y la cultura.

Hace pocos meses la lista encabezada por el Dr. Florencio Escardó, ganó las elecciones en Sade Nacional, ¿cuáles son las nuevas propuestas?
Anteriormente a esto, yo presido el Consejo Federal Consultivo que es un organismo de dirección de la Sade y a través del cual se realizan modificaciones en los estatutos, permitiendo así a la Sade dejar de ser una cosa fría semi elitista, empezando a darle importancia a los intereses del escritor como la remuneración de sus escritos y el control de los mismos. Las grandes editoriales impiden que el escritor tenga real control sobre lo que se edita, ellas firman contratos sin control alguno. Había que crear las leyes que le den a Sade este tipo de control. Queremos que los escritores puedan publicar, que no sean ignorados, son sueños, pero creemos que se puede hacer una gran editorial para todo el país buscando la manera de que todos puedan publicar. Recientemente, le hemos pedido al profesor Caruso, actual secretario de cultura de la Pcia. de Bs. As. que con el 1% de los presupuestos que tienen los 126 municipios se pueda crear una editorial para los escritores de la provincia y esto también podría hacerse a nivel nacional. El Fondo Nacional de las Artes debería de ser un medio para esto. Al escritor lo acredita el pueblo y para que esto sea así debe poder editar.

¿Qué posibilidades hay de que esto pueda concretarse?
Hay tres propuestas en el Congreso: la ley del libro, la ley de pensión del escritor y la ley Sade; la primera está desde la época de Lanusse. Vanossi quedó en ayudarnos desde el año pasado y también una senadora justicialista. La ley del libro es necesaria para defender las fuentes de trabajo de las editoriales argentinas, actualmente apunta a las multinacionales y ahí está el gran problema. La ley Sade es la que establece que el escritor tenga control para cobrar sus derechos. Hay pocos escritores que cobran el derecho de autor y muy pocos los que entienden que es necesario defender la propiedad intelectual a través de una ley reglamentada. Nuestra actitud hacia la sociedad es de defensa gremial, en la defensa de los derechos y remuneraciones justas y no morir como murieron muchos de renombre olvidados en un hospital.

¿Qué tipos de cambios piensan introducir para los socios?
La Sade es un monstruo lleno de oropeles pero no tiene un centavo. Eso no quiere decir que se deba privatizar la cultura, ésta debe ser nacional y popular, no debe privatizarse como hay quienes lo intentan. Nuestro déficit puede solucionarse pidiendo ayuda a los empresarios argentinos y debemos luchar para lograr estos objetivos. Debemos crear beneficios de asistencia, descuento en compras, turismo etc.

¿Cómo debe hacer el escritor para acercarse a su pueblo?
Es cierto que a veces el escritor es individualista, escribimos encerrados pero también lo podemos hacer en un colectivo. El escritor al no vivir su producción con la gente se automargina. Hasta los años 60 el escritor se sentía superior pero al darse cuenta que su participación debía ser lo fundamental, se fue acercando más al pueblo y tratando su problemática. Al hombre nuevo lo vamos a crear desde dentro de la sociedad, el escritor debe buscar su estilo junto con la gente.

¿Tiene idea de publicar algo próximamente?
Si tengo cinco libros y debo hacerlo sí o sí porque siento que no puedo ser Secretario de la Sade y no editar.

¿Algo para agregar?…
Admiro a la gente como Uds., busco la compañía de gente joven que me enseñe mucho. Hay que mezclar tablón, estaño y libros.

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Escritor fantástico. Autoexiliado político. Boom latinoamericano. Hombre comprometido. Estos son algunos adjetivos que podrían comprender parte de la vida de este hombre, de este escritor argentino quien logró tanto la renovación como la revolución dentro de nuestras letras.
Es en la década del 60, con la aparición de “Rayuela”, la novela que cambió la historia de la literatura argentina, la novela que abrió nuevos horizontes, nuevas búsquedas, que propuso otra moral, otra forma de ver e indagar sobre las cosas, que incluía el surrealismo, el jazz, el juego y hasta una nueva manera de leer, donde Cortázar encuentra el primer lugar entre los intelectuales argentinos que se nucleaban por los alrededores de la Facultad de Filosofía y Letras y los teatros independientes, buscando nuevas corrientes, nuevas perspectivas artísticas.
Así aparece esta figura tan necesitada en esa época, alguien que dentro de la magia de sus escritos también dejara entrever una posición política, un compromiso social que lo ubicara dentro de ese mundo convulsionado, como un artista preocupado por los momentos que le tocaba vivir.
Por esta época, ya había viajado a Cuba y en Casa de las Américas, escribe: “Creo que el escritor revolucionario es aquél en quien se fusionan indisolublemente la conciencia de su libre compromiso individual y colectivo con esa otra soberana libertad cultural que confiere el pleno dominio del oficio. Si ese escritor, responsable y lúcido, decide escribir literatura fantástica o psicológica, o vuelta hacia el pasado, su acto es un acto de libertad dentro de la revolución y por eso también es un acto revolucionario”.
Pero con el correr de los años las mentalidades cambian, las ideas evolucionan y así los intelectuales argentinos comienzan a cuestionarlo, a preguntarse porqué continúa en Paris, porqué no se compromete más con nuestros problemas desde dentro, viviendo en su patria y se cuestiona también si sus viajes a Cuba y Nicaragua, sus adhesiones a la problemática latinoamericana no será una postura cómoda de quien tiene su residencia en Europa.
Y todo este cuestionamiento no se debía en sí a que Cortázar se hubiera olvidado de su patria ya que en toda su obra hace constantes referencias a sus barrios, sus esquinas, sus bares, sus modismos y su gente aunque de una perspectiva lejana, como de alguien que está pero a la vez no se lo puede ver cotidianamente, salvo en alguna que otra circunstancia en que regresaba por un breve lapso. Pero también estas visitas tuvieron su fin, allá por el año 78 cuando al querer publicar su libro “Gente que anda por ahí” solo se le permite hacerlo si se suprimen dos cuentos y es entonces que no lo acepta y este volumen aparece en México.
Es quizás a partir de este hecho, cuando Cortázar comienza a referirse a su exilio cultural y no sólo físico y así en su artículo titulado “América Latina: exilio y literatura”, escribe: “…me incluyo actualmente entre los innumerables protagonistas de la diáspora. La diferencia está en que mi exilio sólo se ha vuelto forzoso en estos últimos años (…) Al exilio que podríamos llamar físico habría de sumarse el año pasado un exilio cultural (…) Un exilado es casi siempre un expulsado, y éste no era mi caso hasta hace poco.
Quiero aclarar que no he sido objeto de ninguna medida oficial, y es muy posible que si quisiera viajar a la Argentina podría entrar en ella sin dificultad; lo que sin duda no podría es volver a salir (…) mi reciente exilio cultural, que corta de un tajo el puente que me unía a mis compatriotas en cuanto lectores y críticos de mis libros, ese exilio insoportablemente amargo para alguien que siempre escribió como argentino y amó lo argentino…”
En estas frases de Córtazar podemos dejar entrever su gran amor por lo suyo su gran dolor por no poder seguir compartiendo con su público y considero que el hecho de
que si tendría que haber regresado a su patria para luchar desde dentro, no sé, tal vez no sea lo fundamental para cuestionar a un gran compatriota. Debemos recordar que los que se quedaron aquí durante tan difíciles momentos de nuestra vida, de pronto también tuvieron que acallar sus voces e internarse en lo más profundo de su ser para poder sobrevivir. Y así quizás, él desde afuera haya podido decir más cosas y comprometerse más con toda la situación latinoamericana. Creo que en el fondo no somos quiénes para juzgarlo y sí recordarlo a seis años de su muerte como a uno de los hombres que tanto dio a las letras de su país e hizo que se nos reconociera mundialmente.

Hasta siempre, Julio Cortázar.

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Por JOSE LUIS BIANCHI y NESTOR RODRIGUEZ.

Aunque se considera ante todo un “músico” y no cree en los rótulos, es imposible no incluir al “gordo” Fernández entre los “grandes” de Jazz hecho en Argentina. Integrante de una camada de músicos como “Boby” López Furst, Jorge Navarro, Jorge Gonzáles, Néstor Astarita, Gustavo Bergalli, Pocho Lapovbue, entre otros, Fat’s Fernández posee una trayectoria más que envidiable.
A los 18 años ya integraba el grupo The Georgian’s Jazz Band con quienes grabó dos discos, luego integró el quinteto del Gato Barbieri. En los años 70, integra el grupo Sanata Clarificación, de Rodolfo Alchourrón. Participó también en las orquestas de Jorge Anders y Bubby Lavecchia.
En los Estados Unidos tocó junto al trompetista Roy Charles. Como sesionista grabó con Alberto Favero, Grupo Almendra, Lito Nebbia, Silvina Garré, Juan Carlos Baglieto, Lalo de los Santos, Facundo Cabral, Marcelo Sanjuan, Antonio Tarragó Ross, etc. También grabó con Lionel Hampton, Paquito D’E Rivera, Jorge Dalto (Pianista argentino), Michal Urbaniak.
Intervino en “Jan Session’s” con Mauricio Eimons, Her meto Pascoal, Melio Dalmiro, Chick Corea, Randy Brecker y Larry Coryell, entre otros.
Aquí va nuestro reportaje, en un departamento del barrio de la Boca, a pocos días de su nuevo viaje a Nueva York.

ROBERTO, hablamos un poco de tu próximo viaje, que tiene características especiales.
FAT’S: Mirá; esta es la cuarta vez que me invitan a participar en la Brass Conference for Scholars, en la ciudad de Nueva York, evento realizado para recaudar fondos para los estudiantes de todo el mundo. El dinero recaudado se manda a las diferentes  universidades de música, y allí becan a alumnos. Este es el 4to año que me invitan, y esta vez la invitación fue de carácter mas formal, va a aparecer mi nombre en el programa (lo que para mi es muy importante), pero lo fundamental es ir y hacer un buen papel como músico; además se me ha designado para tocar como solista y de primer trompeta, lo que significa un gran desafío (aquí tengo a un colega mío, Mario Salvador, trompetista de la orquesta sinfónica de la Policía Federal, y el sabe muy bien a lo que me refiero cuando digo que es un desafío la trompeta, especialmente al ser el único latinoamericano para tocar en ese evento). Voy a tocar en una especie de ensayo abierto, donde tenés que sentarte y tocar directamente.
El conductor de este ensamble va a ser Mel Broyle (1er trompetista del Metropolitan House de N.York, que en el año 47 grabó la Yardbird Svite de Charlie Parker como 1er.
trompeta), y es para mí un gran orgullo tocar bajo su batuta.

¿VAS A APROVECHAR ESTE VIAJE PARA GRABAR ALGO ALLA? (en sus dos discos como solista hay algunos temas grabados en Nueva York).
– FAT’S: Mirá, esas cosas no se dan premeditadamente, y me gusta que las cosas ocurran como tienen que ocurrir. Cuando me llaman para grabar no pregunto ni la tonalidad ni nada, voy y toco (jamás preparo un solo). Volviendo a mis discos, voy a llevar unos cuantos para regalarle a mis amigos y hacerles escuchar a mis colegas las cosas que hacemos en la Argentina.
Quiero hacer mención del sello Melopea (dirigido por Litto Nebia), que editó mis discos. Melopea es un sello que nos da posibilidades a todos los músicos (cosa que no te da ninguna otra grabadora de este país), y para mi es un “sellazo” y no por el hecho de quedar bien con Litto. Pienso que Litto se ha jugado, más en este momento tan difícil. Es un sello que tiene que ser ejemplo para todos estos sellos que nos venden “carozos por duraznos”.
Casualmente el otro día grabé unos temas de Gardel con Litto, Héctor Suárez Paz (violín), y Néstor Marconi (bandoneón), y este disco va a salir en París en compacto.

¿QUE OPINAS DE LAS GENERACIONES DE INSTRUMENTISTAS MAS NUEVAS?
– FAT’S: Mirá, en el saxo me gusta Gustavo Cárnara, que es un chico muy talentoso. También Oscar Feldman. También Marcelo Mognilevsky (me agrada su actitud hacia la música).Como trombonista me gusta Maximiliano de la Fuente. Y en trompeta, estoy orgulloso de 3 chicos jóvenes: Diego Urcolla, Juan Cruz Urquiza, y Richard Nant, todos ex-alumnos míos.

Para terminar, quisiera pedirte un deseo, ¿QUE ES LO QUE MAS ESPERAS PARA LOS PROXIMOS AÑOS?
– FAT’S: Antes que nada, que todos gocemos de buena salud, para poder seguir cada uno en nuestro metier, que dentro de nuestras posibilidades cada uno cumpla lo mejor que pueda lo que sabe hacer. Hay mucha gente que no puede hacer cosas que sabe hacer, porque no se lo permite su trabajo. Yo les diría que en sus horas libres traten de seguir luchando por eso que tanto quisieron, sino uno cae en lo de siempre, “el otro llegó porque tuvo suerte”, la suerte es importante. Pienso que el que tiene una convicción, debe tratar de respetarla contra viento y marea. Lo mismo que deseo para mi lo deseo para toda la gente y viceversa, que Dios me dio algunos años más para poder tocar mi trompeta y poder ser útil en esta sociedad, y seguir haciendo música, que es el mensaje más honrado de Dios. Deseo para todo el mundo salud y trabajo; que todos seamos honestos.

MUCHAS GRACIAS

DISCOGRAFIA

COMO SOLISTA:
Un trompetista en Buenos Aires (1987) (Melopea).
New York Sessions y trabajos porteños (1989) (Melopea).

COMO MUSICO INVITADO (SELECCION).
“Ba. Jazz” (Jorge López Ruiz).
“Suite Trane” (Alberto Favero).
“Jorge Anders y su orquesta” (1971).
Concierto con Pocho Gatti (Editado en Italia).
“Buenos Aires Jazz Fusión” (1982).
“La vida y la libertad” (Antonio Tarragó Ross; 1984).
“El carnaval del mundo” (Facundo Cabral, 1982).
“Banda sonora del film Evita” (Litto Nebbia, 1983).
“La Banda Sinfónica de la Ciudad de Bs.As. interpreta a Litto Nebbia” (1983).
“1992”, Litto Nebbia (1984).
“Al final de cada día” (Lalo de los Santos, 1984).
“Creerás en milagros” (Silvina Garré, 1984).
“Demasiadas maneras de no saber nada” (Litto Nebbia, 1986).
“Jugando en Buenos Aires” (Mauricio Einhorn, 1987). – Serie Melopea 
“Jazz Argentino” (1988).
“Pájaros eléctricos” – (Adalberto Cevasco, 1988).
“Buscando en el bolsillo del alma” (Litto Nebbia, 1988).
“Modelo para armar” (Juan Carlos Baglietto, 1985).
“Las tres corazonadas” (Nebbia-Baraj-Borda, 1989).
“Alfombra mágica” (Alfombra mágica, 1989).

La entrada Roberto “Fat´s” Fernández se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

En marzo se cumplió un ano del “Proyecto Tango”, evento organizado por la Obra Social del Personal Aeronáutico y la Asociación del Personal Aeronáutico y realizado los días 4 y 5 de marzo de 1989 en el Teatro de “Luz y Fuerza” de esta Capital, con entrada libre a toda la comunidad.
“Proyecto Tango” consistió en un concurso de danza popular, un concurso de canto, un espectáculo especial de canto y danza a cargo de artistas de primer nivel, una muestra colectiva de poemas ilustrados, una muestra colectiva de plástica y la muestra “Notables del Tango” del re-conocido plástico Abel Bruno Versacci.
Se entregaron premios y menciones a los ganadores pero especialmente se creó un clima de calidez acorde con la propuesta de los organizadores.
Cuando un grupo de gente se reúne y trabaja solidariamente, sin egoísmos para llevar a cabo un proyecto colectivo las posibilidades de cumplir un objetivo son mucho mayores que cuando priva el individualismo.
Quizás por eso, nuestro querido “Proyecto Tango” nos dio la satisfacción de haber visto el Teatro de “Luz y Fuerza” con su capacidad cubierta en un cien por ciento por personas que se retiraron contentas por lo ofrecido.
En el programa del Proyecto… se dice, entre otras cosas: “Sostenemos como fundamento de esta actividad cultural el lograr una promoción social acorde con el sentido de persona que se afianza en el bienestar de su familia, en el mejorar su calidad de vida en sus aspectos integrales. Por eso generamos este “Proyecto Tango” ya que estima necesario rescatar la identidad nacional a través de la ex presión Tango, en la búsqueda de la revalorización de nuestra cultura popular, que posee un sitial que nunca ha perdido internacionalmente siendo un elemento insustituible de representatividad del folklore de Buenos Aires. El Tango nos representa y es parte de nuestro patrimonio cultural.
El que una institución gremial ponga en marcha un proyecto de ésta índole – de y para los trabajadores- llena de orgullo por aportar algo para el acervo cultural de nuestro pueblo, que puede hermanar en objetivos comunes a otras instituciones sindicales y a personas interesadas en el cultivo de nuestras más caras tradiciones populares
Creemos una vez más cumplir con la finalidad básica de nuestra acción social, responder con actitudes, con obras, a las expectativas y confianza despositada en nosotros. (Buenos Aires, Marzo de 1989).
La Asociación del Personal Aeronáutico y la Obra Social del Personal Aeronáutico no se detienen y ya están preparando un ciclo cultural para desarrollar en el corriente año. Bienvenido sea.

“PROYECTO TANGO”.

COMISION DE HONOR: Basilio Ruiz-Mario Sejas-Manuel Enrique Murguia-Oscar Lescano-Andrés Mancuso-Daniel Kozac-Manuel Tery-Osvaldo Moro-Oscar Izurrieta-José Laurentino García-Enrique Oscar Ferradas Campos-Beatriz de Garibaldi-José García Martinez-José Herrero-Oscar Eduardo Tavernice-Nestor Roberto Cantariño.

COMISION DE LA ASOCIACION DEL PERSONAL AERONAUTICO: Paula Trotta De Lucciano (Secretaria tesorera), Francisco Héctor (Secretario de Obra Social).

COMISION DE LA OBRA SOCIAL DEL PERSONAL AERONAUTICO: Luis César Tato (Presidente) Hobe Elena Florencia Teruzzi De Sayago (Vicepresidenta), Andrés Aner (Director), Carlos Alberto Aniasi (Síndico titular).

ENTE ORGANIZADOR: Coordinador General: Rodolfo Dinzel, Coordinador Ejecutivo: Oscar Hugo Lipchis, Coordinador de Plástica: Adriana Gaspar, Coordinador de Literatura: Luis Raúl Calvo, Coordinador de Espectáculo: Osvaldo Ciliento.
Prensa y Difusión: Leopoldo Pérez Gaudio Diseño Gráfico y Artístico: Daniel Trotta Colaborador: Daniel Baccaro
Idea y Producción Video: Pablo Sánchez RR. PP: Héctor Luis Pastore
Asesores: Carlos Monla, Alicia Pastore.

JURADOS:
DE CANTO Y DANZA: Jorge Gottling, Edmundo Rivero (hijo), José Colágelo, Alfredo Maldonado, Norma Viola, Mario Saladino, Armando Rolón, Humberto Gómez.
DE PLASTICA: Abel Bruno Versacci, Santiago Elías Correa, Adriana Gaspar, Dora de la Torre, Eduardo Sosio Arocena.
DE LITERATURA: Manuel Enrique Murgia, Luis Raúl Calvo, Alicia Pastore, Florencia Durán, Juan Carlos Alcover. 

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A partir de los inicios de la década del ochenta, el cine de origen americano (entiéndase estadounidense) en su tendencia por facilitar los trabajos de una industria que atravesaba serias dificultades financieras, y la incorporación masiva de la computación en distintas áreas técnicas de la misma y la previsible invasión hacia los planos artísticos, da origen a la estandarización de films que se producen en forma seriada y con elementos básicos que no cambian jamás, conformando verdaderos moldes “prefabricados” dentro de dos géneros a los cuales son muy afectos, el policial y la comedia.
Analicemos caso por caso y veamos su influencia posterior en el resto de las escuelas cinematográficas del mundo.

El género policial que en las décadas del cuarenta, el cincuenta y los inicios del sesenta estuviera sujeto, al igual que el resto de la producción a las reglas del código Hayes (una estricta censura solapada), inicia su despegue cargando las tintas en la violencia, siendo éste prácticamente el material básico de sus films. Tanto física como el uso de la violencia psicológica fue una constante en las numerosas películas americanas de los sesenta, con un incipiente muestreo de erotismo, que iba a denotar una ola creciente de “carga erótica” como elemento cuasi-básico en la filmografía actual. Ese erotismo clásico de los setenta estaba dado más por violencia sexual que por creación de climas que lindan con la perversión o el simple recurso de la atracción física. Existe un desplazamiento del elemento en sí. Lo que ha evolucionado es la sexualidad y el erotismo en sus modalidades, más una profundización psicóanalitica-onírica en base a experiencias personales, han impuesto la modalidad de un policial con romance, alta tensión erótica donde el Tánatos es sublimado a través de algún asesinato que nada tiene que ver con el Eros que se refleja en primer plano, una secuencia breve de uno a cuatro asesinatos y la resolución del caso. Es casi un modelo impuesto. Se respira cierto aire de deshumanización en la mayoría de las cintas. Tomemos como ejemplo las últimas novedades: “ARMA MORTAL II”, “BLACK RAIN”, “PROHIBIDA OBSESION” que se distingue en su calidad por escaparle a esos cánones mostrando las flaquezas de la debilidad humana del protagonista.

Todas las producciones actuales presentan y respetan al máximo este esquema, agregando la resolución de los casos por computadora a veces.
La comedia involucionó hacia las monerías del adolescente medio, que juega con computadoras, desata su furia o apetito sexual en forma salvaje y veloz como si la rapidez fuese símbolo de placer o simplemente transformados en verdaderas máquinas que incrementan efectividad sin dejarle espacio o resquicio alguno al sentimiento, la patota y la marginalidad de los punks, los heavy, y otros grupos son tomados como una simple moda sin filosofía consistente que los identifique.
El materialismo es la clave, el humor de grueso calibre, la crítica mordaz son básicas en la producción del primer lustro de los ochenta.
A partir del ochenta y siete se nota un intento por reforzar el esquema cediéndole terreno al amor como tema central, con una argumentación simple, algo de picardía, mucha música disco en sus múltiples variantes (tecno soft, light, afro-rithyms, salsa, disco, etc.) y el clásico ritmo vertiginoso que lo identifica.
Pero el mundo está cambiando y se está notando una conjunción de elementos que transforman los géneros abriendo sus concepciones cerradas con reglas propias y fijas; esa es la modalidad, la tendencia que vislumbra en los noventa. Y aquí entra el fenómeno Almodovar en acción. De España con una gama variada de géneros e importantes manifestaciones en cada uno de ellos, este joven hispano logra popularidad y fama de rebelde, iconoclasta, por delimitar la deconstrucción de géneros que se venía insinuando al ir probando elementos nuevos para reforzar los esquemas tradicionales. El mezcla todo: comedia, suspenso, crítica social, sátira mordaz, humor bufo, melodrama y folletín sin entregar algo definido y con un mensaje abstracto como inconsistente un verdadero híbrido con ritmo norteamericano, porque Almodovar es un excelente artesano, pero no un artista y aparentemente es quien mejor representa al post-modernismo en cine (Esa verdadera tecnificación del arte sin contenido que nos abre un verdadero abismo existencial). Por eso se lo elogia, se lo ama, se lo odia y se lo alaba, porque es el ejemplo más acabado de nuestra crisis cultural de fines de siglo.
Él toma como ejemplo el cine que acabamos de analizar, los vicios de la TV, las novelas baratas, lo sazona con bastante picante y lo entrega envasado listo para comer sin degustar y allí está el secreto, el buen cine se degusta, el cine prefabricado y populariza do a través de las técnicas de video no bucea, sólo nos muestra nuestra imagen superficial. Se ha descartado el simbolismo, el surrealismo, el expresionismo no como escuelas, sino como elementos narrativos que auxilien en la exploración del ser humano, pero hoy el espejo está hueco…

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