Por NORA PATRICIA NARDO

Luis Raúl Calvo,  cantautor y compositor argentino, nos ha sorprendido con el álbum musical  “Cuál es la verdad de lo vivido?”, Canciones Urbanas,  el cual fue presentado  en el recital que brindó  en el ciclo literario “Antonio Aliberti”, en el Café Montserrat,  la noche de invierno del  viernes 1ª de julio de 2011.
Este trovador que  por primera vez edita un CD, pone su voz, su música y su letra, se anima a dar rienda suelta a la imaginación, reivindica la vida, los sueños, el amor, la palabra.
Entre la gente de la cultura, Luis Raúl Calvo es reconocido como un prestigioso  poeta que ha trascendido las fronteras de nuestro país con su poesía y también como un gran gestor y difusor cultural. Ahora  agrega este nuevo aspecto artístico,  que para muchos de nosotros  era desconocido hasta el momento, si bien como él ha comentado, antes de ser poeta se acercó a este  arte a través de sus canciones y su guitarra. A los diecinueve años aprobaba en SADAIC su examen como autor, siendo el jurado dos grandes maestros como Eladia Blázquez y  Armando Tejada  Gómez, modificando la letra de ese hermoso tango que es “Vieja amiga”.
Sus temas interpretados con convicción y placer, nos llevan a reflexionar y a soñar en un destino que no puede olvidar  ese pasado incierto y por momentos inaccesible, pero que contempla  un porvenir honroso y  posible.
Cada canción comienza con un aforismo de su libro “Belleza Nómade” (Ed. Generación Abierta, 2007),  que nos introduce en la belleza de la síntesis de su pensamiento.
En ese escenario que pareciera como propio – ya que hace dicienueve años que lo habita coordinando el ciclo literario- hubo comentarios por parte del artista acerca de las circunstancias en que aparecieron cada uno de los temas.
El poeta  agradeció  a su acompañante vocal Noemí Magliocca, de voz dulce y  melodiosa, y al reconocido  maestro Oscar Laiguera, quien realizó los arreglos musicales y la producción general y grabación  en su estudio.
Con este arte temporal  se experimenta en un breve lapso de tiempo todo lo que el artista nos quiere comunicar, lo que quiere  suscitar  con su  experiencia estética en el oyente.

Estos sonidos y silencios se combinan conforme a los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo musical. Vuelto a los problemas e ilusiones de la realidad y contra el envejecimiento de los sueños que nos inspiran en nuestro diario existir, Calvo apuesta a la supervivencia de nuestra dignidad y a la memoria colectiva.
Luis Raúl Calvo y  Noemí Magliocca  han logrado emocionar al público en su primera actuación, en una  gélida noche, que gracias a  ellos,  se convirtió en una velada plena, cálida e inolvidable.

Uno de los temas de este Álbum Musical:

Cientos de Retratos

“Revoloteaba la mosca
y se estremecía el mundo.
Ya no revolotea la mosca
ni tampoco se
estremece el mundo”.*

Hoy comienza el viento nuevamente
a soplar con su firmeza silenciosamente
y se lleva rastros del pasado
voces, risas y murmullos añorados.
¿Cuál es la verdad de lo vivido
si mi alma lleva adentro
cientos de retratos?
¿Cuál es el torrente misterioso
que nos trae nuevamente
la sin razón deseada?

Gira el mundo gira con su magia
con sus luces y sus sombras
e historias descarnadas.
La lluvia trae resabios
de otros tiempos
amores fragmentados
el mundo sigue andando, así.

Hoy comienza el viento nuevamente
a soplar con su firmeza
tantos versos desgastados.
Y me acerca  el aire de lo nuevo
que respiro lentamente
en el nuevo año.

¿Cuál es la verdad de lo vivido
si mi alma lleva adentro
cientos de retratos?
¿Cuál es el torrente misterioso
que nos trae nuevamente
la sin razón deseada?

*Letra y música: Luis Raúl Calvo

La entrada ¿Cuál es la verdad de lo vivido? se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

El significado del término performance en el sentido más estricto se relaciona con las tradiciones posmodernas de la cultura occidental.
Aunque en ocasiones el término tiende a ser definido como antítesis de teatro, se lo considera como un reto a las formas de arte ortodoxo como también a las normativas culturales.
Su formato ideal ha sido el de una experiencia efímera, única  ya sea para el artista como para el público. La perfomance aspira a ser un evento que no se puede repetir.
El término esta íntimamente relacionado al arte conceptual, que posee un significado basado en el contenido, en el concepto.
El artista o performer habitualmente desafía al público, pensando nuevas formas y maneras de accionar no convencionales, rompiendo con las artes tradicionales acerca de la idea de “que es arte”.

En el área de las artes visuales, el arte de la perfomance referencia a una actuación o una puesta  presentada a una audiencia. Su confección  surge de una idea, que puede ser guionada o espontánea donde confluyan elementos al azar o con lineamientos perfectamente articulados.
Una de las características mas importantes de la perfomance o arte de acción es el hecho de conectarse  directamente con el público, aunque hay acciones que pueden contar con o sin  participación de audiencia.
La perfomance es considerada un arte escénico en donde es ineludible la existencia de elementos básicos como accionista, público y escenario. Aunque una situación artística performática constara de los siguientes estamentos como, tiempo, espacio, cuerpo del artista o ejecutante o un medio que lo represente y la relación entre público y artista.
Cuando hablamos de un medio, me refiero a que algunas acciones son registradas fotográficamente o filmadas con o sin presencia de público  durante el proceso accional. De manera que el registro se convierte en  un elemento necesario para su posterior recreación.
Pero consideraremos que la perfomance, al igual que otras manifestaciones artísticas expresivas como, el video Art., el arte correo, la poesía etc. no conforman corrientes expresivas en sí mismas sino soportes o (maneras expresivas). En otras palabras incluyen o contienen la obra, aunque bien pueden participar desde la forma de expresión, son autónomas en sí mismas.
Aunque se la relaciona directamente con las artes visuales y el teatro, no es excluyente su utilización en otras áreas de expresión artísticas como la danza y la música.
Las perfomances  funcionan como actos vitales de transferencia, comunicando y transmitiendo un saber social, una memoria social y un sentido de identidad.
El ejercicio de la perfomance plantea la experimentación con códigos en los cuales un determinado conocimiento es transmitido, recuperando para sí los valores de nuevas formas de expresión, en donde el cuerpo juega un papel preponderante como lugar de debate y generación de saberes, función a la que se ha dado en llamar conocimiento incorporado y que se expresa a través de sus vivencias, deseos y limitaciones.
La relación entre espacio y tiempo son factores de importancia para la puesta performativa, una acción puede irrumpir espontáneamente en cualquier lugar o espacio predeterminado al aire libre o en un sector cerrado o en un establecimiento,  durante un espacio de tiempo que puede estar pautado o no. En este factor radica uno de sus caracteres expresivos más significativos que es precisamente el del libre fluir del tiempo.

En el análisis del tema existen varias posturas al respecto del las cuales señalaremos dos, como la del antropólogo Víctor Turner para quien las perfomances revelaban el carácter más genuino y profundo de una cultura; dirigido por su teoría de la Universalidad, Turner sostiene que los pueblos podrían llegar a comprenderse por sus perfomances. En cambio  para otros estudiosos significaba lo opuesto, el ser construido por la perfomance señala su artificialidad, es puesta en escena, antítesis de lo real y verdadero.

Se pueden hallar distintas vertientes inherentes a los orígenes del arte de acción, podemos situarla  alrededor de la década del 20 con el movimiento Dadaísta y sus representaciones convencionales de poesía  de Tristan Tzara  y Richard Huelsenbeck, o el mismo Marcel Duchamp.
En las décadas del 50 y 60 surge una modalidad que brinda a los artistas libertad para accionar sobre el lienzo, como lo señala Harold Rosemberg, surge el expresionismo y la pintura de acción, con Pollock.
Luego aparecieron movimientos como Fluxus integrado por artistas surgidos de distintas áreas como el músico John Cage,  Nan June Paik, George Maciunas, Yoko Ono con Pieza de pared para orquesta (1962) entre otros.
El artista Yves Klein precursor  de  perfomance con piezas conceptuales como Zona de sensibilidad pictórica inmaterial o con sus antropometrías del período azul, donde deja de pintar modelos y comienza a pintar con ellas a modo de herramientas, impregnándolas de color y haciéndolas rodar sobre el lienzo.
A finales de la década del sesenta surgen los Artistas de la tierra como Dennis Oppenheim o Carl André creadores de piezas ambientales.
En la década del 60 convergieron distintos tipos de artistas con lenguajes y conceptos, podemos nombrar entre otros a Carolee Schermann con piezas como Joy Came (1964), Joseph Beuys con Explicar imágenes a un muerto Hare (1965).
También  al artista Allan Kaprow creador del término Happening, cuando refiere que el  mismo permite al artista gozar y experimentar con el movimiento del cuerpo, los sonidos, los aromas o el relato de un texto.
De manera que podríamos suponer una conexión natural entre arte y vida, cuando Kaprow define que el happening es arte, pero parece más cercano a la vida.
Otros representantes del happening son Robert Whitman, Claes Oldemburg, Wolf Vostell con su obra Teatro en la calle, en nuestro país  surgieron los miembros del Instituto Di Tella con obras como La Menesunda, en la que intervinieronartistas como Marta Minujin, Rubén Santantonín, Pablo Suárez, David Lamelas, Leopoldo Maler, entre otros.
La irrupción de Andy Warholl en la escena creativa trae nuevas propuestas, con la creación de películas de video y organización de eventos en Nueva York, patrocinados por Velvet Underground, contaba con música en vivo además de explosiones de luces, llevaba el nombre de  Explosión plástica inevitable (1966), al respecto Arthur Danto señala en Después del fin del Arte que, “en los sesenta hubo un paroxismo de estilos entre ellos el arte Pop, no había manera  especial de mirar las obras de arte en contraste con lo que he designado como meras cosas reales. El arte conceptual demostró que no necesariamente debe haber un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte”.

Podemos citar algunas artistas del Body Art como Tania Bruguera, Ana Mendieta o Marina Abramovich. Esta ultima suele investigar sobre las fronteras del sufrimiento corporal, experimentando sobre los límites de su propia resistencia, claro ejemplo de  una de sus obras como espectáculo es  Ritmo 10, donde se maneja el concepto de violación, o The Lips of Thomas donde tallauna estrella de cinco puntas sobre su propio vientre a manera de denuncia, como provocación y también como frontera.

En el plano nacional cabe señalar las perfomance o señalamientos realizados por Alberto Greco en España, Francia y EEUU denominadas Vivo Dito.
Las caminatas poéticas de Omar Vignole, el reparto de estampitas de Evita por Masotta y Sebreli en los cafés Filos.
Las intervenciones urbanas de Eduardo Vigo, los happening de Masotta y los antihappenings, el arte de medios, los microsucesos de Marilú Marini, Dalila Puzzovio, Edgardo Jiménez, Federico Peralta Ramos, Nicolás García Uriburu, Rodríguez Arias, Bonino,  entre otros.
El horno de pan de Victor Grippo. Las rondas de las Madres de Plaza de Mayo y con ellas el surgimiento de nuevas formas de movilización, eventos y escarches en las que intervinieron el GAC y Etcétera.

Por lo planteado en este recorrido considero que la perfomance es el recurso que un artista encuentra para solucionar el reto de desarrollar una obra sin ligaduras, sin generar un objeto que irrumpa el libre fluir del tiempo.
Dicho fluir constituye el recurso donde se funda la perfomance y se convierte en el medio en el cual tiene lugar su realización efímera.

Bibliografía:
Danto Arthur. Después del fin del Arte, editorial Paidos, Buenos Aires, 2009.
Goldberg Roselee. Perfomance Art, Ediciones Destino, Barcelona, 2002.

La entrada El arte de la performance se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Pierre Reverdy, personaje admirado por los surrealistas escribe en 1918: “La imagen es una creación pura del espíritu. No puede nacer de una comparación sino del acercamiento de dos realidades más o menos distantes. Mientras mas distantes y justas sean las relaciones entre las dos realidades aproximadas, la imagen será mas fuerte: tendrá mayor potencia emotiva y mayor realidad poética“.
El discurso estético del siglo XX contempla en su estatuto cierto grado de invisibilidad que atrapa la mirada del espectador, su búsqueda se intensifica otorgándole a ella poder para develarla, descubrirla y llevarla al mundo de la visibilidad. ¿Este no es acaso el de los opuestos, el de las dos realidades? ¿No pretendemos ver acaso lo oculto, lo invisible, lo velado,  en la verdadera obra?
Si buscamos en el diccionario el significado de  la palabra oculto nos encontraremos con la siguiente definición: escondido, ignorado, que no se da a conocer ni se deja ver o sentir.
Haciendo un análisis de este significado veremos que en los primeros cincuenta años del siglo XX, la obra de arte responde a un discurso enigmático, cargado de misterio. Misterio que formaba parte del estatuto de belleza vigente, en aquella época. Su enigma, misterio, su invisibilidad visual, la hace perdurable a través  del tiempo.
Estas invisibilidades seguramente responden al paradigma de lo maravilloso, lo oculto en la obra de arte. Fuerzas que se esconden en el aura de la obra, y recrean ese estado de vigilia permanente. Las que también nos guía hacia un discurso sugerente, el que se construye desde el pensamiento, desde el propio relato de la imagen, el que nos transporta al universo de lo erótico, lo ausente, misterioso, culminando en un relato abierto, que concluye el espectador.
Son estas invisibilidades poéticas que se nutren de fuerzas ocultas, las que se generan a través de sinuosos signos conformando el lenguaje estético de una obra. Posibilitando en algunos casos un proceso de descubrimiento del objeto que lo ubica en múltiples escenarios.
Siguiendo el recorrido mencionado al principio, percibimos esta lectura especialmente en los surrealistas, los simbolistas. También en el expresionismo abstracto, el informalismo y la propia abstracción se visualizan señales que emergen de la esencia propia de la obra, la que le otorga la mística necesaria para dotarla de autenticidad.
Para dar un ejemplo tomamos la producción de Max Ernst, en la obra: La vestimenta de la novia en la que el espacio plástico se construye en una dimensión habitada por la simbiosis de figuras como lo animal, lo humano y lo vegetal.
Dimensión que se origina a partir de una realidad que solo se hace posible cuando la búsqueda se proyecta a la invisibilidad, dejando atrás el mundo material. Solo así dará paso a la otra realidad, la que permanece oculta, la que habita los sueños, la vigilia y activa lo maravilloso.
Aquí observamos lo ceremonial que caracteriza una boda. La novia inmersa en una atmósfera amenazante, aguardando un acontecer casi inesperado. Figuras contrastantes, vestimenta cuantiosa, un pequeño personaje se asoma, ¿un sirviente?, ¿o un cómplice?.
¿Qué nos quieren transmitir: un enlace temido? ¿Por qué? ¿Qué hay detrás del ropaje? Un rostro que apenas se percibe, se muestra, se oculta.
El espectador debe jugar con su imaginación e intentar develar o no lo que el artista propone. Un mundo de realidades opuestas. Mundo en el que lo erótico forma parte del escenario que se pone de manifiesto, sugerencias, presencias, enigmas y  ausencias, pueblan la obra y fortalecen su discurso.
Mucho es lo que se puede ocultar y revelar en esta creación. Un relato social, cultural, personal. Quien la mira deberá descubrirlo.
Descubrir, develar, observar, son algunas de las características que constituyeron el discurso de la modernidad.
Un siglo XX atravesado por dos relatos y en cada uno de ellos, el arte, ha dado respuesta a su tiempo.
Concepto y obra generan la dialéctica que constituye el lenguaje que dará forma al discurso estético de los últimos cincuenta años del siglo XX.

Un siglo que termina no solo con la constitución de una estética diferente, sino también con la de un nuevo rol para el espectador del mundo contemporáneo. Un desafío que no sólo involucra a los artistas  sino también a sus receptores.

Elena Olivera en su libro Cuestiones del Arte Contemporáneo nos dice: Danto afirma que no hay ”fin” del arte pero si termina concluyendo que hay un ”fin de la historia del arte”, entendida ésta como plasmación periódica de distintas expresiones culturales atravesadas por grandes relatos o paradigmas estéticos.
A partir de estas afirmaciones las prácticas artísticas de las últimas décadas nos llenan de interrogantes, nos conducen a la reflexión, las que tendremos que develar y analizar, no sólo para una mejor comprensión del mundo del arte sino también de las figuras que lo componen.

Bibliografía: Elena Oliveras, Cuestiones del Arte contemporáneo, Emecé, 2008.
Danto, Arthur. Después del fin del arte, Barcelona, Paidós Ibérica, 1999

La entrada Invisibilidades y Arte de Concepto para un Mismo Siglo se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por LUIS R. CALVO y NORA PATRICIA NARDO

Generación Abierta ha tenido la posibilidad de conversar con el Doctor Pedro Luis Barcia, lingüista, profesor e investigador universitario, y actual presidente de la Academia Argentina de Letras, quien afirma: “Los países aunque no lo quieran tienen identidad porque tienen una historia detrás”.

G.A.: ¿Podemos hablar de un nuevo modo de comunicación a través de mails, con recorte de palabras, no utilizando reglas ortográficas y sintácticas, como ocurre en la actualidad?
Pedro Luis Barcia: Acá se dicen dos cosas que son extremas, la primera es   que esto va a sacrificar el idioma  y que va a ser realmente  la desaparición del castellano, lo que no es cierto, es una demonización excesiva, es ser apocalíptico para  hablar a lo Umberto Eco. La segunda posición es  de integrar, esta especie de zonzaje  -como decía Jaureche-, que se entusiasma con todo lo que viene,  le parece que todo está bien y no tiene mente crítica, cuando dice que va a salir un nuevo lenguaje. No es ni lo uno, ni  lo otro, en realidad aquí no hay una lengua  del chat,  ni una lengua del twit, ni una lengua de internet, sino  que hay la misma lengua siempre, manejada por usuarios de distintos ámbitos tecnológicos.

G. A.: ¿Cuál es la clave de explicación de esto?
P. L. B.: La clave es que el hablante o el escribiente, el usuario de la lengua,  en caso que  maneje twit, o mensaje de texto o chatee,  lleva a todos estos medios nuevos su competencia o su incompetencia lingüística. Es decir yo me puedo tomar toda la libertad del mundo para en mi twit, en los ciento cuarenta espacios que tengo, hacer abreviaturas de palabras, suprimir mayúsculas, dejar de lado la sintaxis, crear una especie de juego, porque tengo la capacidad de que cuando paso a otro ámbito manejo el discurso. El problema de los chicos no es este, pero  se agrava porque ellos no tienen un manejo diestro del discurso del sistema oral del español -que es más complejo que el escrito, que es instantáneo-, por lo tanto no tienen  la  posibilidad de corrección, y entonces lo que hacen es ratificar errores.

G. A.: ¿Por qué se hacen estas supresiones, modificaciones?
P. L. B.: Porque son parte de lo que una generación puede hacer. En primer lugar por una cuestión lúdica y en segundo lugar, es que es un deber que tienen de distanciarse de los dinosaurios, que somos nosotros. Entonces cortan, pegan, esto está bien y no habría más que en esto una habilidad en el manejo  de todos estos recursos, sí  es  que cuando tienen que hacer una carta pidiendo un empleo,  pueden manejar el discurso con fidelidad,  con concisión y corrección, pero sabemos que no es así.
Las estadísticas del Ministerio de Educación de la Nación  nos dice que el 67% de nuestros egresados de los colegios secundarios  no tienen dominio del sistema lingüístico y no tienen comprensión lectora, y entonces nos encontramos  ante un problema serio.

G. A.: Teniendo en cuenta estas estadísticas y esta realidad ¿cuál es hoy el papel de la escuela…?
P. L. B.: La escuela tiene una dificultad muy grande, que es la de hermanar los dos mundos, el mundo del discurso electrónico con el mundo del discurso de  la lengua propio, hermanar como diría Marshall McLuhan en “El  aula sin muro”, todo lo que es exterior a la escuela y el aula académica como tal y ensamblarlo.
El que tiene esta tarea de pontonero, es el maestro y el profesor, pero el profesor y el maestro no están actualizados en el manejo de los recursos tecnológicos por lo tanto se produce una situación que se suele llamar una brecha generacional  grave,  entre los que son nativos digitales como son los pibes y los inmigrantes como somos nosotros.
Pero el problema es que -teniendo en cuenta las estadísticas de nuevo, según el libro “La condición docente” de Tenti Fanfani del año 2005-  el 60% de los docentes no  ha escrito una línea en pantalla.  Por lo tanto ¿cómo este docente puede articular estos dos mundos si no es perito en el manejo del recurso?
La situación que se   presenta  es que entonces  el muchacho lo subestima porque no maneja técnicamente los recursos y la madre del muchacho es estúpida porque le dice  que el chico es inteligente porque maneja los recursos,  pero esto no es así.
Inteligente es como dice etimológicamente la palabra,  inter adentro, el que lee adentro de la realidad, inteligente es aquel que supera las superficies, supera  las apariencias, y el espectáculo y llega al nódulo de la cosa, un chico eso no lo hace, se necesita todo una vida para aprender a  hacer eso.
El chico no es inteligente, es hábil  técnico, la deformación, que la madre la promueve, es exaltándole está capacidad que ella no tiene,  difundiendo esta idea hace que se produzca una ruptura mayor entre los chicos y la maestra. Lo que urge aquí es que el Instituto de Formación Docente generado por la última Ley de Educación se aplique a la formación de los docentes en el manejo de los recursos electrónicos en dos niveles.

G. A.: ¿Cuáles son esos dos niveles?
P. L. B.: El primer nivel es el nivel técnico de los recursos electrónicos, es decir como se entra a una computadora, como se escribe un correo electrónico, como se puede chatear, como se puede explorar en Internet, el segundo nivel que es muy difícil de lograr,  es como se pone todo eso al servicio de la educación. Ahí hay que hacer una reeducación total, ya que  para preparar una hora de clase desde el punto de vista de e-learning, como es la educación electrónica se necesitan, cuando se comienza a trabajar,  unas doce horas de dedicación. La maestra y el profesor no tienen tiempo para trabajar en esto, ni tiempo ni formación, es un gesto político pero vacío el hecho de que se distribuyan netbooks o notebooks entre los chicos.
En primer lugar porque no tienen el asesoramiento del profesor o del maestro que les indique como se trabaja, y en segundo lugar porque no tienen programas esas netbooks, están vacías o tienen programas comunes y no propios para los chicos, aquí quien va a establecer el puente entre los dos mundos que hablábamos, entre la galaxia Gutenberg del libro y la galaxia Fleming que es la de la  electrónica,  es únicamente el docente, si el docente no está capacitado quién salará la sal si pierde el gusto la sal.

G. A.: Entonces la prioridad es la formación del docente…
P. L. B.: Lo que se impone bruscamente es la formación docente en este campo de lo electrónico, si esto no  avanza vamos  a seguir con esta brecha ridícula.
La maestra le dice al  chico que investigue la vida de Colón con un verbo absolutamente falso  e inaplicable a un chico de corta edad, para investigar estamos los del Consejo de Investigación –CONICET-. El alumno se mete, busca www.google, Colón, googlea, el verbo existe se puede usar, ticlea, el verbo existe también en castellano,  y baja, entonces con el cursor marca los documentos  copiar, después imprime, tiene catorce, veinticinco, treinta y seis páginas sobre Colón, tomada de distintos sitios, esto es un reculamiento a la salita rosa de corta y pega, donde al chico en vez de darle engrudo y tijera, le están dando un cursor y un mouse, y con esto hace la misma labor, porque no avanza nada. Si  se le pregunta al alumno como jerarquiza las catorce bajadas que hizo no tiene ni  idea, como sintetiza el contenido, como los compara tampoco sabe. Todas estas son estas tareas intelectuales que el chico tendría que hacer primero con dos textos, después con tres textos breves, luego con cuatro, son para ir acostumbrándolo. La maestra, de entrada,  lo lanza a Internet, y el alumno  hace eso, produce una impresión yuxtapuesta de material  no integrado. 

G. A.: Sin  ninguna comprensión…
P. L. B.: Sin ninguna comprensión, por eso cuando el chico trabaja un poco más, recorta y hace como que el trabajo que presenta fuera propio, pegando y armando, cociendo esto electrónicamente.
En la universidad tenemos esta  dificultad porque el alumno se acostumbró en los últimos años de la secundaria a hacer esto, y por lo tanto  en la universidad realiza lo mismo cuando se le pide un trabajo práctico. Entonces hemos inventado un sistema, tomamos una frase infrecuente y  la buscamos en Internet, y allí comienzan a saltar todas las fuentes donde el alumno robó y ahí empezamos a descalificar. Pero este trabajo lleva mucho tiempo, aproximadamente tres años, hasta que se genera la tradición oral de que le  cortan la cabeza si copian y no entienden, si roban y pegan.  Al tercer año ya la gente se cuida de hacer esto y además se da cuenta lo útil que es.
La gente dice del chico que navega,  que es un cibernauta, yo insisto que el chico no es un cibernauta, porque la palabra ciber viene del  griego y  significa timón o que tiene orden o el  manejo, y él no tiene ningún orden, va a los baldazos cuando entra,  porque lo requiere una llamada de allá, un cuadrito que se abre, una extensión,  un link, entonces  sólo lo que tiene es pura vela, no tiene el timón, no tiene gobierno, va donde  lo quiere internet.
Hay cosas que son positivas,  yo recordaba con nostalgia  una edición que hizo el  Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires de un librito, donde están  organizados por temas y ámbitos de cultura los sitios electrónicos más fiables y se ha reeditado actualizado. Para una maestra el saber que esos son los sitios que pueden consultar es importante, ya que entonces los manda a sus alumnos -y los va acostumbrando- a que recurran a sitios confiables, no a cualquier lugar.

G. A.. Como país ¿tenemos una identidad cultural que nos identifique o en estos últimos tiempos con el tema de la globalización,  la identidad cultural desaparece?
P. L. B.: Los países aunque no lo quieran tienen identidad porque tienen una historia detrás, tienen una gestación de esa historia. hay dos teorías extremas también en esto: para una no existen las identidades nacionales, no existen el inglés, el alemán, el francés, el italiano  o el argentino; para la otra  teoría sí existen, en esta idea están por ejemplo Menéndez Pidal, Salvador de Madariaga, Farinelli y otros estudiosos y podemos encontrar  tanta bibliografía para una teoría como para la otra. Hay rasgos permanentes que son propiamente argentinos.

La entrada Diálogo con el Dr.Pedro Luis Barcia (1er entrega) Presidente de la Academia Argentina de Letras se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Luis Benítez nació en Buenos Aires el 10 de noviembre de 1956. Es miembro de la Academia Iberoamericana de Poesía, Capítulo de New York, (EE.UU.) con sede en la Columbia University, de la World Poetry Society (EE.UU.); de World Poets (Grecia) y del Advisory Board de Poetry Press (La India). Ha recibido el título de Compagnon de la Poèsie de la Association La Porte des Poètes, con sede en la Université de La Sorbonne, París, Francia. Miembro de la Sociedad de Escritoras y Escritores de la República Argentina. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales por su obra literaria, entre ellos el Primer Premio Internacional de Poesía La Porte des Poètes (París, 1991); la Mención de Honor del Concurso Municipal de Literatura (Poesía, Buenos Aires, 1991); el Segundo Premio Bienal de la Poesía Argentina (Buenos Aires, 1992); el Primer Premio Joven Literatura (Poesía) de la Fundación Amalia Lacroze de Fortabat (Buenos Aires, 1996); el Primer Premio del Concurso Internacional de Ficción (Montevideo, 1996); el Primo Premio Tuscolorum Di Poesia (Sicilia, Italia, 1996); el Tercer Premio Eduardo Mallea de Narrativa (Buenos Aires, período 1995-1997); el Primer Premio de Novela Letras de Oro (Buenos Aires, 2003); el Accesit 10éme. Concours International de Poésie (París, 2003) y el Primer Premio Internacional para Obra Publicada “Macedonio Palomino” (México, 2008). Sus 24 libros de poesía, ensayo, narrativa y teatro han sido publicados en Argentina, Chile, España, Estados Unidos, México, Venezuela y Uruguay y obras suyas fueron traducidas al inglés, francés, alemán, italiano, flamenco, griego y macedonio.

Recientemente, la editorial española publicatuslibros.com editó en e-book, en 3 tomos, sus Poemas Completos (1980-2006), con ensayo introductorio del Prof. Luis González Platón, de la Universidad de Madrid. La descarga gratuita de Poemas Completos puede hacerse desde: www.publicatuslibros.com

vamos a conocer de una vez las cosas sin apoyo

dejemos esas turbiedades, esos juegos de políticos
que les hablan a la multitud y que deseamos emular,
las que madre y padre y maestra y los poetas mayores
nos enseñaron que hay que amar a costa de cualquier sacrificio
y también, a costa de cualquier sacrificio, inclusive ése,
fijemos la atención en lo que no tiene apoyo,
que por algo ha sobrevivido a los imperios
(una rama delgada extendiendo sus dedos verdes entre las ruinas);
vamos a darle su oportunidad a la comadreja de todos los conceptos,
al zorro sarnoso de la idea; esa alimaña se ha ganado tres segundos
de credibilidad en el cómodo living donde examinamos
como caracolas de colección nuestras estúpidas desventuras,
puliéndolas desde hace años con los dedos,
como los peregrinos a santiago acarician los pies del santo,
un santo muerto en mármol que sólo sirve para pedir limosnas.
una forma nueva de la esperanza esa huidiza porquería
que esperó paciente su momento
debe de tener en las tripas escondido todavía un pedazo sangriento de luz,
de “aquellos tiempos” o del futuro donde fue engendrada:
vamos a diseccionar esa textura, esas gelatinas
que obedientes se corren ante el ingreso de las manos,
como frente a la furia del nadador abren su pecho líquido las profundidades.

carta a walt whitman

viejo cantor de la democracia
es tiempo de que ajustemos cuentas
porque tu inválida ingenuidad no tiene tiempo en el mío:
todo lo que nos dijiste se ha vuelto el mismo fango
de donde surgimos vos y yo y sabe el misisipí
dónde va el fango

dónde tu canto y ahora dónde lo que generaciones
sostuvimos sobre los hombros
dónde la posibilidad de que el hombre fuera
algo a la altura de tus versos walt whitman
mejor que la república romana y la francesa
serán siempre los poemas romanos y franceses

pero no alcanza de este lado del papel
cuando se busca el hombre dibujado por tu letra
con la cleptomanía y la codicia que no esperabas
allí en tu tierra viejo whitman
que arranca todas las verdes hojas de la tierra

entrevisto en un jardín de glew

Parece mentira que sea la misma
de las mitologías desechas,
la rosa de los versos polvorientos
y la cursi evocación;
ésta desenrrolla su misterio desde un centro
que viene de qué parte,
qué perfora con un delicado remolino
la pared de las horas,
desde dónde irrumpe en el ahora su taladro rojo,
qué viene con ella, tenaz y detrás, empuñando
invisible el girante mandala de la rosa.

el décimo círculo

soy dante alighieri
nunca creí una sola palabra de todas las que escribí
y crucifiqué por escrito el alma de todos los que me precedieron
fui mejor que la traición porque entendí que la traición
es lo único parecido al corazón humano
y que decirlo rectamente era condenarme a la hoguera y al olvido
vivo en todas las tonterías que se dijeron de mí
y ése es el mejor tributo que pudieron y pueden darme
beatriz era una gorda despreciable
el papa que defendí un adúltero un criminal y un réprobo
no menos atroz que los nobles que en un bosque de siena
mandaron tres sicarios a cortarme los dedos
y entendí siempre cada maquinación como el normal movimiento
de la misma máquina que guiaba mis pasos
ni bueno ni malo es cada asunto
pero oh qué difícil es explicarlo
siempre será un enredo eterno
soy dante alighieri
nunca creí en dios

Los bambúes

Un domingo vacío tú y yo compramos
Los tiestos de bambú: tres flacas cañas
Clavadas como lanzas en una tierra
Nuestra y negra y para ellas extranjera.

Las largas exiliadas seguían en nuestro balcón
Curvándose acompasadamente bajo el viento de la India:
Hubo un simún, una madrugada quieta en Buenos Aires,
Y sólo nuestras cañas comprendieron qué pasaba
Derrumbando chozas y espantando a los engrillados elefantes.

Lejanamente, un arrugado rinoceronte
Bramó en la noche y huyeron por nuestra calle
Aterrorizadas las gacelas.

Al día siguiente, mientras regaba los bambúes
Y acariciaba inclinado sobre ellos
La tierra fofa del trasplante,
Entreví unos ojos amarillos, un cuerpo potente
Detrás de esas flacas cañas y luego el clamor
Desatado por el semáforo de la avenida
Espantó enseguida la pesada presencia:
Vi alejarse bufando y volviendo hacia mí la resentida cabeza
Lo imperial escondido entre las cañas: todo eso y el tigre.

La entrada La Llave de la Caverna se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por RICARDO RUBIO

Alberto Luis Ponzo (Buenos Aires, 1916), ha escrito numerosos libros de poemas, ensayos, críticas y biografías de autores argentinos y latinoamericanos. Su obra –difundida en revistas y antologías de diversos países- se ha complementado con reflexiones dedicadas a poetas, comentarios de libros y ediciones artesanales de revistas: Vigilia, codirigida con Fulvio Milano (1962-65); Encuentro (1966-77); Empresa Poética, codirigida con Simón Kargieman y Luis Iadarola (1984-88); Hojas del Caminador, con Alba Correa Escandell (1981-2005), entre otras. Colaboró con poemas, entrevistas y  trabajos acerca de las tendencias del siglo en publicaciones de España, EEUU, México, Venezuela, Puerto Rico, Nicaragua, etc.
El Fondo Nacional de las Artes, la Fundación Argentina para la Poesía, Sade Central y Seccional Oeste, otorgaron reconocimiento a su extensa actividad literaria, que continúa hasta la fecha.

G. A.: Nos gustaría que hablaras de tus inicios en la poesía, qué te motivó, qué viste en la poesía.
Alberto Luis Ponzo: Los “inicios”, en mi caso, fueron varios, desde la niñez y la juventud. De esta última época es una revista del colegio secundario que conservo: “Ideas”, donde confieso mi adhesión a la poesía romántica, con el estímulo de mi buen profesor de Castellano, al mismo tiempo que  sentía indiferencia por  las matemáticas o la biología.
Pero los “inicios” son varios, y uno  va siguiendo en forma natural e inconciente las imposiciones biológicas, como todas las personas que dicen haber nacido para pintores, músicos  y escribidores.
Al mismo tiempo, uno procede “motivado” por el mundo que se presenta, respondiendo con la inocencia y la mayor ignorancia en un lenguaje “público” que hoy me resulta vacío. Antonio Porchia lo expresaba con justeza al decir que “la poesía se hace sin saberla hacer”.
Lo que se “ve” de ella no es antes de recurrir al lenguaje, sino después de decirlo con palabras que intentamos sean un reflejo de nuestra identidad.
En resumen, Ricardo, diría que cada vez que escribo un poema, se produce un “inicio” y quizás eso exige también un especial interés para concretarlo mejor.

G. A.: ¿Qué es la poesía?
A.L.P.: Hay un misterio que no podemos eludir: ¿qué es vivir? ¿Y cómo encontrar sentido a cada cosa? Dice el poeta venezolano Rafael Cadenas; “cuando me hacen preguntas me siento como un verdugo verbal”…
Pero sería incorrecto y negativo rechazar las preguntas, ser un irresponsable de lo que se escribe. Lo primero que “me sale” al responder: es lo que estoy aprendiendo desde que tuve en mi mano un papel. Creo que al salir de mí para ver esas letras que llamamos “poesía”, nos metemos en el mundo y nos unimos a  otros seres con iguales incógnitas.
 Trataré de ser un poco más claro. La poesía es una síntesis de procedimientos o mecanismos del lenguaje, en el que podemos “ser y estar”, como afirman los filósofos. Dejemos esto así, porque es   tema de investigadores y docentes. Mi particular concepto es el de un  individuo que no deja de “practicar” y hacer lo mejor posible su trabajo.
En uno de mis últimos libros trato de explicarlo: “ser un rastreador de razas y familias / que todavía existen / entre los trazos que dan aire / cuando creemos que es el fin”.
A lo largo de más  de 50 años, me animaría a rescatar estas líneas de “Obra en construcción” (1978) que titulé “Gran poesía”: “ Esa gran poesía hecha de no sé qué / Ese nervio que acusaba la luz, que la atraía / Esa gran poesía quieta como una piedra”

G. A.: ¿Cuáles son tus preferencias poéticas y tu relación con quienes conociste y conocés en este medio?
A. L. P.: Entre muchos autores que fui conociendo desde que comencé a publicar, nombraré a tres con quienes me comuniqué, por preferencias y motivaciones profundas: Juan L. Ortiz, Roberto Juarroz y Antonio Porchia. Fueron y siguen siendo las influencias que he recibido, no sólo en lo poético, sino en lo ético que me ha “dado vuelta” mis elementales sentimientos, los escasos recursos y posturas que tenía en literatura.
Fueron relaciones amistosas, irrepetibles, ejemplares. Los medios de actualidad los ignoran o muy poco recuerdan de ellos. Pero ya conocemos lo que dura la fama y las maniobras de ciertas esferas culturales…

G. A.: ¿Qué poeta o escritor influyó de algún modo en tu hacer poético?
A. L. P.: Aparte de los que cité reconozco la influencia de Antonio Machado, Pablo Neruda y Francisco Luis Bernárdez, con el agregado de personalidades de otras generaciones. Toda lectura influye y nadie se salva de  algunos contactos decisivos, ni los mismos autores que se convierten después de muchos años en grandes influyentes…

G. A.: ¿Asociás la poesía con la felicidad?
A. L. P.: Tan importante es esta asociación, Ricardo, que gracias a la poesía conocí a Alba y viví con ella hasta su fallecimiento,  los días más felices de mi vida.
Fuera de esto la poesía sirve para expresar un acontecimiento histórico injusto, una masacre y  la desgracia en el mundo.  Como todo arte en el tiempo así lo demuestra.

G. A.: ¿Qué provoca o hace la poesía en las personas?
A. L. P.: La poesía despierta, decía Juarroz. A mí me ha servido, frente a la realidad,  para el crecimiento del asombro, la conciencia, el placer y la imaginación. No para estar en la tapa de un libro o aspirar a algún premio. (Esto se ha dado, pero no fue nunca lo  substancial.)

G. A.: ¿Debería el poeta ser mejor persona por el solo hecho de poetizar?
A. L. P.: Debería, en primer lugar, escribir un buen poema…Siempre he destacado la conducta, la humildad, lo que significa un desprendimiento o desapego en la actitud del escritor. No me canso de citar a tantas de esas personas solitarias que han consagrado su vida a la escritura, que la aman por encima de diplomas  y otros elogiosos papeles.
Poetizar sería un término comparable a no caer en tantos  cálculos de propaganda, en aparatos o agrupaciones tendenciosas en busca de éxito y exhibicionismo.

G. A.: ¿Qué tenía la poesía de los años 60 que quizás hoy no tenga?
A.L.P.:  Nada más arduo y complejo que hablar de una generación poética, en este caso el 60 en relación a los días que vivimos. Habría que recorrer muchas páginas de historia, antologías, reportajes, y finalmente obras representativas.
Te cuento que entonces, mientras escribía, me iba “nutriendo” con lo que se conocía a través de las revistas literarias (he contado más de cincuenta mencionadas en un libro), y muchos contactos personales.
No me interesaba para nada saber si un poeta era de la época “martinfierrista”, del movimiento que se difundió como “neoromántico”, “neohumanista” o lo que vino después como  “vanguardismo” y “ Surrealismo”.
Lo más válido y digno de recordar en la poesía fueron mis encuentros con Roberto Juarroz y Raúl Gustavo Aguirre, Francisco Madariaga, Alejandra Pizarnik, Rodolfo Alonso, Roberto Santoro, Rubén Vela, Máximo Simpson, Ariel Canzani, Héctor Miguel Ángeli, Osvaldo Guevara, Alejandro Nicotra,  todos entre el 50 y el 60. Editaba con Fulvio Milano la revista “Vigilia” y después “Encuentro” (hasta la década del 70),  que resultaron en aquel tiempo como las conexiones a escritores reconocidos o más jóvenes, con el dolor de los desaparecidos y los que abandonaron el país.
Si en años anteriores tuvimos influencias de poetas españoles y americanos, en  el 60 se  abrió una renovación necesaria  en propuestas más asociadas a la realidad social.
Se ha dicho que desde entonces “se deja de imitar a Europa” (Miguel Grimberg); pero se olvida el impulso del Surrealismo francés desde sus manifiestos y traducciones.
No niego mi preferencia por todo lo que fue alterando el mundo cultural en el que estaba “codo a codo” con la mayoría  generacional. Tampoco olvido  a César Vallejo como una de las más profundas influencias.
Ocurre, querido Ricardo, que aquello que ya no tenemos fue como una corriente avanzada y poderosa, con sus ventajas y sus fracasos también, convulsiones políticas y perspectivas inquietantes para el futuro. Se acercaban los momentos trágicos de la dictadura…

G.A.: ¿Cuál es tu visión de la poesía actual?
A. L. P.: No me gusta opinar sobre lo que no he visto de cerca o no he conversado, analizado, comprendido sobre la poesía actual. Continúo encontrándome con poetas del 60 -de antes y después- como si no hubieran desaparecido aquellas experiencias.
Ha continuado una historia de contraposiciones, crueldades, asesinatos, situaciones que no dejan de provocar fuertes testimonios entre los autores actuales.
Mi reflexión final haría hincapié en la gran responsabilidad impuesta desde lo más vital y honesto de la conducta, en lo indeclinable de la creación poética, de aquí en adelante.
Cuando digo creación poética, estoy combinando todas las manifestaciones artísticas: las expresiones teatrales, musicales, artes plásticas, hasta nuestra vida cotidiana.

Alberto Luis Ponzo, una voz mayor cuya profundidad y calidad marcan un largo derrotero que cruza generaciones sin perder frescura ni caer en la vulnerabilidad que propone el paso del tiempo.  Ponzo abre las palabras para que el hombre respire.

(entrevista realizada el 2 de julio de 2011)

La entrada Alberto Luis Ponzo se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Hace 113 años, el 5 de junio de 1898, nacía Federico García Lorca, el poeta “antiesteta”, como lo definió Pablo Neruda, de quien “el pueblo, con su maravillosa intuición, se apoderó de su poesía, que ya se canta como anónima en las aldeas de Andalucía”.

Federico García Lorca (1898-1936) es el poeta más difundido de la generación vanguardista. Recordado por sus poemas, sus obras de teatro, y por su trágico final en la madrugada del 19 de agosto de 1936 al ser fusilado por militares falangistas.
Su detención (motivada al parecer por causas personales y políticas), y muerte, cuando fue fusilado en Viznar, en las afueras de Granada, sigue aún en las sombras. Es enterrado  cerca de la fuente árabe Ainadamar (Fuente de las lágrimas). Este hecho fue registrado por el médico cardiólogo Francisco Vega Díaz recogiendo las confesiones de un chofer, llamado Héctor, que sin saberlo condujo a Federico García Lorca y otros individuos hacia el sitio en Viznar que los franquistas habían previsto para fusilarlo.
“Ya todos fuera de los coches y alumbrados por linternas, Héctor reconoció con susto y sorpresa haber llevado a Federico García Lorca, esposado con un hombre muy canoso y muy cojo. (…) Nada más bajarse de los coches empezaron a empujar a los detenidos para que anduvieran con rapidez, hasta que, pocos metros más abajo, llegaron a unas fosas hechas a diferentes niveles del terreno inclinado, y de distinta profundidad. Héctor se quedó unos pasos atrás y, horrorizado, tuvo que contemplar cómo Federico preguntaba llorando y gritando qué había hecho para que le trataran así, con otras frases reprochantes para algunos de aquellos asesinos a quienes quizá había considerado antes como amigos”.
“A Federico le dieron un empujón que le hizo caer en el interior de una fosa, arrastrando a su compañero esposado. Se levantó; y cuando estaba ayudando a levantarse a su inválido compañero, dio un grito desgarrador que Héctor no entendió, pero que pudo ser un reproche insultante para los perseguidores a juzgar por la reacción del que antes le empujara, un sujeto de bigotín, quien, llamándole a gritos ‘maricón rojo’, bolchevique y otras cosas, blandió el fusil por el cañón y le asestó un terrible culatazo en el cráneo que a Héctor le sonó como si le hubieran roto el hueso.
Héctor se volvió espantado hacia otro lado al verlos tirados en el suelo, y los dos falangistas dispararon una larga serie de tiros a Federico, mientras verbalmente y en plena exaltación se cagaban en todo lo cagable, especialmente en la madre del poeta. (…) Aquella noche mataron de 10 a 12 presos”.

Antiestetismo del poeta
Al cumplirse el primer aniversario de la muerte de García Lorca la editorial Teatro del Pueblo, de Buenos Aires editó una “Antología Selecta” del autor a la que le sumó poemas de Rafael Alberti, Antonio Machado, Pablo Neruda, entre otros.
Las palabras iniciales están precisamente a cargo de Pablo Neruda, así como el poema que cierra el libro “Oda a Federico García Lorca”: “Si pudiera llorar de miedo en una casa sola,/ si pudiera sacarme los ojos y comérmelos,/ lo haría por tu voz de naranjo enlutado/ y por tu poesía que sale dando gritos”.
No es común que la muerte de un poeta despierte tanta sensibilidad tan sólo a un año, como ocurrió en 1937, ya que a esta edición bonaerense se sumaron otro “Homenaje a Federico García Lorca” de Norberto Frontini, con página de diversos autores, y la edición publicada en Barcelona por Emilio Prados, “Homenaje al poeta García Lorca contra de su muerte”, con página de otros autores, seguido de una selección de obras de poemas, prosa, teatro, música y dibujos, del poeta granadino. Homenaje editorial que incluso se registró en nuestro país.
Un autor reverenciado hasta el presente, incluso por aquellos que creyendo homenajear a García Lorca engolan la voz y acartonan sus actitudes al recitar sus poemas o interpretar sus obras de teatro, cuando el autor precisamente era contrario a toda esa despersonalización de la poesía. “García Lorca era el antiesteta, en este sentido de llenar su poesía y su teatro de dramas humanos y tempestades del corazón, pero no por eso renuncia a los secretos originales del misterio poético -opina Neruda-. Su antiestetismo es tal vez el origen de su enorme popularidad en América”.

Federico en Montevideo
El pasaje de Federico García Lorca por Montevideo, en el verano de 1934 dejó para el recuerdo algunas fotografías ampliamente difundidas. Los diarios de la época dan cuenta que en sus conferencias en teatros y salas no cabía un alma, quedando también algunas anécdotas de recintos menos “cultos” que el poeta frecuentó en su visita a Montevideo.

Ahora me siento García Lorca
 “Me acuerdo que hablábamos de Ramón Gómez de la Serna.
Hacía poco que Ramón había pasado por Montevideo. A su vuelta, le habló de esto a Federico. Le insistió para que viniese a América, sobre todo a esta parte de América, al Río de la Plata. Y Federico, luego de referirse al talento inmenso del difundido escritor, nos dijo que le gustaba enormemente andar por estos parajes del mundo. (…)
-He venido con Díez (embajador español en Uruguay), y luego de dejar a Antonio Pena y a Emilio Oribe y a los demás que fueron esta mañana a buscarme a bordo, mirando esta maravilla de mar. Te aseguro que yo pensé venir por poquitos días. Pero ahora, ante este mar, voy a tener que quedarme quién sabe cuánto.
–El tiempo necesario para terminar ese tercer acto (de Yerma) que falta.
-No sé… Tal vez más…
-Aquí te será más fácil escribir…
-Sí. Haré todo cuando deba hacer. Y ese tercer acto me saldrá magnífico. Ya llevo esos dos que me gustan de veras. La gente conoce al Lorca del Romancero Gitano, al del Cante, al de Bodas de Sangre. Pero… ¡vais a ver esto! Ahora sí que estoy en García Lorca. Ahora me siento García Lorca. Ahora estoy dando lo que ambicionaba dar. ¡Ya verás!” (Alfredo Mario Ferreiro, publicado en La Razón, Montevideo, 20/02/1945)

En la tumba de Barradas
“El conocimiento personal que tuvimos (con García Lorca), cuando estuvo en Montevideo, no pudo ser detenido (…) Era un ídolo poético para muchos, una maravilla de carne y hueso siempre, una mezcla de fortaleza y fragilidad, con una inquietud de pájaro. (…) Con todo, al tratar con él notamos que tenía un certero sentido de los valores y una distinción sutil, que le impedían aturdirse entre las continuas loas y los agasajos que le ofrecían.
Después de una conferencia nos buscó con verdadera avidez, huyendo de mil personas, y así pudimos tocar la vibrante materia de que estaba hecho, en un aparte que tuvimos con (Carlos) Sabat Ercasty. Fueron breves instantes. Nos lo arrebataron muchas damas y caballeros que lo adulaban y secuestraban entonces, y que hoy no se atreverían a venir a este homenaje por estar ¡ay! en convivencia espiritual con los verdugos. Vimos que también era un alma recia, simple y pura, cuando nos llevó a la tumba de Barradas en el radio más pobre y hermoso del Buceo. Fue un homenaje que no olvidaremos jamás; sus ojos se llenaron de lágrimas”. (Emilio Oribe, texto leído en un homenaje póstumo, y editado en el Boletín de Aiape, Nº 2, diciembre 1936).

¡Qué Lorca!
“Cuenta Amorim que una tarde asistían a un corso de Carnaval (…) en un coche descubierto. Cuando el público que se divertía lo reconoció empezó a gritar: ¡Qué Lorca!, ¡qué Lorca!, utilizando el lunfardo rioplatense que muchas veces invierte el orden de las sílabas (…) En otro momento de la misma fiesta se acercó una mujer con aspecto de española y con un niño en los brazos (…) y exclamó: ¡Bésalo en la frente Federico! Este así lo hizo y con lágrimas le dijo a Amorim: ¡Oye, chico, esto es un triunfo de torero!”. (Hortensia Campanella, “Profeta en toda tierra. Federico García Lorca en Uruguay”, en Insula, Madrid, Nº 384, nov. 1978).

La entrada EL POETA ANTIESTETA se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por PATRICIO FERNÁNDEZ

G.A.: ¿A qué edad  se te dio por la  música, por qué el rock, por qué el bajo?
R.R: A muy temprana edad, a  los doce años en esos asaltos que se hacían entrando a la adolescencia, en aquellos años sabíamos escucharla  en un wincofón  que causaba furor. Recuerdo que una noche uno de los chicos apareció con dos discos simple de los Beatles  y mi vida cambió  para siempre, me provocó algo físico, me volvió loco, estaba fascinado con esos tipos de quienes  casi nada sabía. A raíz de esa noche, supe que lo mío  iba a ser  la música.
Me pasé  la noche poniendo esos cuatro temas,  me olvidé hasta de las chicas.

G.A.: ¿De esa noche, a tu primer guitarra, que tiempo transcurrió?
R.R.: Un par de meses, comencé  a hacer buena letra en la escuela  y logré que me comprasen  una  guitarra criolla, el wincofón y el primer álbum de los Beatles. 

G.A.: ¿Y cuándo pasaste al bajo?
R.R.: Mi historia es similar a la de Paul Mc Cartney, siguiendo con el hilo de la historia, luego mi viejo me compró una guitarra eléctrica y un amplificador, así formamos una banda con unos chicos del barrio, había tres guitarras, una batería y un bajo, el bajista era bastante informal con los horarios para los ensayos, faltaba mucho dejando el instrumento en la sala. Yo sabía tocar todos los temas de los Beatles con el bajo, un día uno de ellos me dijo  porqué no lo tocaba yo, ya que era el único que le marcaba que no lo hacía bien, en principio me negué, pero un buen día me colgué el bajo y no lo largué más.
Al tiempo le dije a mi viejo que me comprase uno y me quiso matar.

G.A.: ¿De ahí a tocar con los amigos del barrio?
R.R.: Si, yo era de Saavedra, y había varias bandas,  estaban las chicas que nos seguían a nosotros y a otra banda que hacían música más “stones”, pero todos nos conocíamos, una tarde me llaman para conocer a un chico que había venido de Estados Unidos  y no paraban de alabarlo por lo bien que tocaba la guitarra y cantaba, era David Lebón, que había vuelto a la Argentina después de vivir ocho años en Miami.

G.A.: ¿En  qué año fue?
R.R.: A principios del sesenta y nueve, en ese año nuevo nos juntamos en una plaza con nuestra banda y la de David,  todos se habían ido y nos quedamos solos tocando un tema cada uno hasta el amanecer, así surgió nuestra amistad.
En un momento comenzamos a fantasear con hacer nuestra propia banda, y le propuse  ponernos a ensayar llevando al primer guitarrista de la banda que yo integraba y al baterista de su banda que era buenísimo.

G.A.: ¿En qué quedó el proyecto?
R.R.: Lo concretamos, un amigo en común nos propuso ir a ensayar a una casona de San Fernando, la banda sonaba mejor que  las que integrábamos, así que tiramos las dos  afuera y formamos “The Sugar Beat”, el nombre lo eligió Lebón.
A partir de ahí se fue a vivir a mi casa ya que vivía con su abuela que era rusa y no se entendían para nada.

G.A.: ¿Llegaron  a grabar con The Sugar Beat?
R.R.: No, solo  nos presentamos en un concurso que organizaba “ Escala Musical”-un programa de televisión- en el Teatro Ateneo, se exhibieron setenta y siete bandas y ganamos el primer premio; dentro de ellas estaba “Macht cuatro” que  al tiempo cambió su nombre por “Vox Dei”.
Al tiempo David Lebón se va a tocar con Pappo y es cuando graba su primer disco.

G.A.: ¿Luego qué pasó?
R.R.: Conformamos “Héctor Starc Trío”,  lo integrábamos Lebón, Black Amaya, Héctor Starc y yo, pero no era algo muy formal, solo hacíamos zapadas.

G.A.: ¿Cuándo te llamó Molinari para integrar “Color Humano”?
R.R.: Edelmiro tenía un trío que se llamaba “Viento”, junto a Vitico en guitarra y Luis Gambollini en batería, yo andaba mucho en aquella época con Luis y me cuenta que  Edelmiro no se llevaba bien con Vitico y andaba buscando un bajista. Me encuentro con él y me pasa todos los temas, hicimos un concierto  y quedó muy conforme.
Luego se va Gambollini y Molinari me pregunta si conocía algún baterista y le hablo de David, se junta con nosotros a tocar y es ahí cuando Edelmiro dice “le vamos a cambiar el nombre a la banda, se va a llamar como un tema  que hice para “Almendra” “Color Humano”.

G.A.: ¿Consolidado el trío graban el primer disco?
R.R.: Si, Edelmiro era un tipo muy difícil de llevar, luego  Lebón se va a tocar a “Pescado Rabioso” y ocupa su lugar Moro, con “Morito” en batería, la banda sonó mejor que nunca, conformamos  un  power trío potente y grabamos el segundo álbum que en realidad era doble, pero por razones económicas salió en dos ediciones, al tiempo Edelmiro decide disolver la banda.

G.A.: En aquella época había como un seleccionado nacional de músicos, me refiero a “La Pesada del rock and roll”,  llevada adelante por Billy Bond. ¿Has llegado a tocar con ellos?
R.R.: Con la pesada tengo dos hitos, la primera vez que grabo  un bajo es con esta banda, antes de  ”Color Humano”, yo había ido a acompañar a David que el si estaba muy ligado a ellos y  fue a grabar una viola .Recuerdo que   había un tema que lo cantaba Donna Carroll ,y faltaba un bajo porque Alejandro  Medina no había aparecido, entonces Billy me propuso que lo grabe yo , la canción  se llamaba “Todo de Gris” .y el álbum se llamó “Buenos Aires Blues”.
Luego cuando se grabó “La Biblia Ensamble” con la Orquesta Sinfónica, y muchos músicos de la época,  grabo el bajo  en “Profecías” y canto ”Libros Sapiensales”.
Era una banda increíble, Pinchevsky en violín, había dos bateristas Moro y Juan Rodríguez,  en guitarra Nacho Smilari  y en teclados Carlos  Cutaia y Charly .
Por lo tanto mi paso por la pesada fue muy corto, ni siquiera toqué en vivo pero tengo un excelente recuerdo.

G.A.: ¿Fue ahí cuando lo conociste a Charly?
R.R.: Si, ahí es cuando me ofreció participar en algunos conciertos,  me dijo que estaba grabando un disco que iba a resultar totalmente diferente a lo que estaba haciendo hasta aquel momento, luego me preguntó  si me gustaría participar en la grabación de su nuevo proyecto que resultó ser “Instituciones” su tercer disco, un long play mas enchufado que “Vida” y “Confesiones de Invierno”, todas las violas que escuchés en el disco han sido tocadas por mí, y también  el bajo en algunos temas. Una de ellas es “Tango en segunda”  y “La otra Casandra, .luego hay  un tema que lo hicimos en la casa de García, recuerdo que ese día le habían regalado a Nito una guitarra acústica Hamilton,  con esa viola y Charly con sus diferentes teclados hicimos una zapada y compusimos “El Tema de  Natalio”.

G.A.: ¿Luego pasaste a formar parte de la banda y fue ahí cuando participaste en los conciertos del Luna Park  en  ”Adiós Sui Géneris”?
R.R.: Si, ese mismo día  quedamos con Charly para ensayar en la semana y me dice que lleve el bajo, le pregunto cual era el sentido de llevarlo y me contestó que Correa no iba a tocar más y la guitarra que la venia tocando yo, pasaba a tocarla David Lebón. A partir de ahí dejé de  ser un músico invitado y pasé a formar parte de la banda; participé en los dos últimos conciertos que fue “Adiós Sui Géneris”,  grabados el 5 de septiembre de 1975.

G.A.: ¿De la separación de la banda surge “Polifemo”?
R.R.: No, David tenía como proyecto grabar su primer disco como solista. Dentro de esas idas y vueltas de vivir en casa, un día le pregunto porque estaba triste, me cuenta que se había truncado una fecha en el Teatro Ritz porque Lopecito y Jorge Navarro que lo iban a acompañar lo dejaron plantado por una propuesta de mejor dinero, entonces él quería suspender el show, yo le dije que no valía la pena postergarlo, que conocía bien las canciones que iba a tocar y que con Juan Rodríguez ya nos conocíamos de “Sui Géneris” y no teníamos inconvenientes en acompañarlo en el show. Sonó tan bien la banda que al tiempo viene un jovencísimo Daniel Grinbank, le gustó la banda y nos lleva a “Odeón”, ahí grabamos el simple “Suéltate rock and  roll”  de Lebón y “Vamosnos Tranquilos” de  mi autoría——así nace Polifemo—— así consolidamos el trío, luego vinieron “Oye Dios” y “Buzios Blues” que también se editaron como simples.

G.A.: ¿Cuando graban el primer álbum?
R.R.: A fines del año 76, para la grabación integramos a Ciro Fogliatta en teclados, hicimos un Luna Park y nos separamos.

G.A.: ¿Sin embargo tienen otro álbum más?
R.R.: El segundo disco ya lo teníamos casi terminado cuando presentamos el primero en el Luna. La separación vino porque Juan y Ciro querían seguir haciendo rock and roll, David estaba en aquella época con el Gurú y quería hacer temas espirituales. Recuerdo que era una época donde comenzaban a llegar músicos de jazz rock a la Argentina como Jaco Pastorius,  Wather Report esa música me sedujo, quería incursionar en el jazz rock; si uno escucha el último de “Polifemo” (que lo mezclé y lo terminé de grabar yo solo) tiene algo de todo esto, sin perder la esencia de lo que era la banda.

G.A.: A los músicos de tu generación, salvo excepciones se le hace complicado grabar en un sello llamémosle importante ¿cuáles son los motivos?
R.R.: Hay una palabra que determina el fin del arte que es el marketing, cuando aparece este concepto se acaba a mi entender la música, antes se hacia música buscando la belleza, buscando el hecho artístico, por eso las bandas de los años sesenta o setenta tienen tanta creatividad, no importaba si un tema duraba siete minutos, las radios te lo difundían igual,
Las nuevas generaciones son marketineras,  por eso no me gustan las bandas actuales, por que están  en esa búsqueda. Todos esos temas que se han ganado la categoría de clásicos y se consolidaron como tal, es porque están hechos con la visión de hacer arte y no marketing.

G.A.: Luego de tantas incursiones por diferentes géneros y bandas hoy estas con un proyecto exclusivamente tuyo con tu propia banda  ”La Riman Bloom”  haciendo tu música…
R.R.: Llevo mas  de treinta y cinco años  en los escenarios y “La Riman Bloom”  es la primer banda auténticamente mía, en  la que puedo plasmar mi  potencial  musical , la que tiene las tres patas de mi estilo ,Jazz, Rock y Blues, he tardado, mucho en poder encontrar mi identidad , lo importante es que lo haya logrado, y el secreto estuvo  simplemente por que  nunca abandoné la idea de lograrla. En este proyecto me acompañan Diego Schneerson en guitarra y coros y Diego Cicatto, en batería y percusión. Dos músicos  muy jóvenes y talentosos, antes de fin de año grabaremos “Tao” un disco que saldrá como producción independiente.

La entrada Rinaldo Rafanelli se publicó primero en Fundación Generación Abierta.