Por MIGUEL ÁNGEL CASELLA

Los jóvenes de 12 a 18 años componen la primera generación que estuvo en contacto con el celular prácticamente desde que nació.
El éxito del celular entre los adolescentes responde a diversos factores, tales como:

>    Marcar el comienzo de la independencia del individuo.

>    Actuar como un ansiolítico para los padres.

>    Crear un espacio propio.

>    Actuar como medio de coordinación familiar.

Es un nuevo símbolo que ocupa un lugar similar a la entrega de las llaves de la casa. Así goza de cierto prestigio  ante la mirada del adolescente, ya que es un instrumento que lo hace manifiestamente “adulto”.
Ansiolítico para los padres, además de un dispositivo de monitoreo, es una forma de ayudarlos a independizarse cuando el tiempo marca que es imposible retenerlos.
El celular posibilita  a los adolescentes  crear un espacio discreto, separado del de sus padres y a la vez que tomen contacto con éstos cuando  exploran nuevos  territorios.
Además a veces resuelve problemas de organización y logística del grupo familiar.
El comienzo del efecto red a partir del 2004, el uso de los mensajes de texto comienza a propagarse entre los pares “por contagio”. Siendo  adoptado a tal punto entre los adolescentes que refieren “hablar” cuando intercambian mensajes de texto. Esta “oralidad escrita” desplaza el uso de la voz.
Los mensajes de texto comienzan a ser una buena forma de pasar el rato.  Su uso dentro  del colegio en horario de clases marca una modalidad de transgresión escolar, una herramienta de rebelión, “hay muchos en la escuela que lo usan para copiarse”.
Además el celular deja de ser percibido como un medio de comunicación complementario para ocupar el lugar de un dispositivo personal. Algunos dicen “me ayuda a matar el tiempo, si estoy embolado casi siempre juego o mando mensajes,  saco más de  diez  fotos por día algunas en el colegio”.
Cuanto más propagado entre los pares esté el celular, mayor es la propensión a usarlo, reafirmando la identificación.  Es necesario poseer   uno para estar en pié de igualdad frente al grupo.
“Porque ya no te das cuenta que tenés un celular para hablar. Tenés un celular para caretaje, para boludear, el MP3, MP4, MP5, tablets, la filmadora. Te va llevando, te va llevando, creando necesidades”.
El celular satisface la necesidad de comunicación inherente al adolescente y eso le otorga estabilidad en el tiempo. El celular se convierte entonces en un ícono adolescente, el uso de determinados ringtones  que reproducen música de ciertas bandas, series televisivas o películas corporizan el espíritu conjunto del grupo con el cual se identifica, diferenciándolo de otros.
Los adolescentes constituyen el segmento de usuarios en el que más rápidamente el objetivo de compra se ve alterado.  Si bien el principal motivo de entrada suele ser el estar en contacto con los padres, tarde o temprano su uso se desplaza a la comunicación con los amigos.
Es que para defenderse del miedo que genera la emancipación de los padres, el adolescente conforma grupos donde se siente protegido. El grupo de pares le provee autoestima y soporte emocional, dando lugar a una comunidad que le otorga cierta identidad  y pertenencia.
La comunicación en esta etapa pasa a ser un imperativo dado que posibilita la pertenencia al grupo de pares y la afirmación de la identidad. El celular refuerza el sentimiento de “estar juntos”  cuando el cara a cara no es posible.
El celular es valorado porque brinda la ilusión de no perderse nada, dado que la disponibilidad inmediata es un elemento central para sostener el rol como miembro activo del grupo de pertenencia, su posesión y la forma en que es utilizado son un símbolo de inclusión dentro del mismo.
La telefonía móvil entre los adolescentes se nutre de dos necesidades fundamentales de esta etapa: identidad y comunicación.
No sólo la portabilidad es un atributo que distingue al celular, la privacidad también lo es. El celular conforma un área  privada, separada del mundo adulto. Esto hace posible un grado de autonomía, un refugio al control parental sobre las comunicaciones, prolongando el horario telefónico más allá de lo que indican la “buenas costumbres” respecto de llamar a una casa familiar.
El uso del celular en la adolescencia implica entonces una dualidad. Por un lado el adolescente es monitoreado   por los padres vía el móvil, pero por el otro gana cierta privacidad para comunicarse con sus amigos aún dentro del hogar.
Es inusual que manden un solo mensaje cuando se comunican con sus pares. En la práctica el primer mensaje tiende a generar un diálogo con sus idas y vueltas.  Se ha convertido en una manera de pasar el tiempo entre amigos.
El acto de emitir y recibir mensajes de texto es tan importante como el mensaje en sí mismo.  La cantidad de mensajes recibidos marcan la importancia del adolescente dentro del grupo, su pertenencia al mismo.
Es por eso que le otorga valor a la cantidad, ya que son un signo de su importancia social. Proporcionan no sólo una manera de establecer vínculo social sino de lucirse ante los pares.
Los padres también usan cada vez más el mensaje de texto, muchas veces impulsados por sus hijos ya que es prácticamente la única forma de mantener contacto con ellos.
Los adolescentes suelen privilegiar este medio para evitar conversaciones innecesarias con los padres. A su vez, éstos presentan la ventaja de pasar inadvertidos frente al grupo  y evita  los vergonzosos llamados de monitoreo paterno.
También suele ser una forma de acercarse al sexo opuesto y sortear la timidez, algunos dicen “nos mandamos mensajes con chicos de otros colegios, en los recreos les decimos ¿hola cómo andás?”.
El avance de la tecnología y de las fuerzas productivas, sin lugar a dudas, incide en la subjetividad de cada  época.
Esta profusión de objetos-celular- hechos para causar deseo, en la medida en que ahora es la ciencia quien gobierna, no es ni más ni menos que una forma de hablar de los efectos del discurso capitalista  que ordena “gozar” al sujeto-abolido, por cierto- en su acto de consumo-, en nombre de un deseo evaporado.
Algunos pretenden volver hacia atrás, a los tiempos del “cabezazo del baile” y el “¿me pasás tu teléfono?” en lugar del mensajito de texto entrecortado y contundente.  Así sí vale, así sí hay comunicación.
Toda una ilusión de nostalgia donde sería el celular el “culpable” que la comunicación social entre los hombres se haya extinguido.
Sabemos que la comunicación,   por la misma condición del sujeto  como parlante, es un imposible, en todo caso una ilusión.  Con o sin celular moderno o berreta. Así las tecnologías pasan a ser un acto de reparto en la escena principal.
¿A quién le hablamos cuando hablamos?  ¿De quién hablamos cuando hablamos? ¿Por quién hablamos cuando hablamos?
Estas preguntas que constituyen la base de una fantasmática  en un análisis lejos pueden responderse en los años dorados del “sin celular”.
Tampoco muchas veces, son posibles de arribar a esas respuestas como verdad del sujeto en el  análisis.

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Por la Lic. MIREYA BEATRIZ CASTEX

7 de setiembre al 9 de diciembre 2012

“Las imágenes y las obras no producen sentido solas, sino en la medida en la que se relacionan”

Pabellón Ciccillo Matarazzo- Sede de la bienal – Parque Ibirapuera

Fue diseñado por un equipo de arquitectos dirigidos por Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa.
En la actualidad está en el 2º lugar como bienal, después de la de Venecia
De acuerdo a los primeros enunciados del equipo curatorial de la 30ª Bienal de San Pablo – conformado por Luis Pérez-Oramas, como curador en jefe, André Severo y Tobi Maier, como curadores asociados, e Isabela Villanueva, como curadora asistente – la actual edición tiene como núcleo curatorial “la multiplicidad, transicionalidad, recurrencia y permanente mutabilidad de las poéticas artísticas: su topología estética y política, sus supervivencias, alteraciones, sus diversas formas de elocuencias y sus derivaciones; retornos, reversos, regresiones; progresos, asimilaciones, condensaciones y deformaciones.”
El comisario de esta edición, Luis Pérez Oramas, ha articulado una bienal genuinamente latinoamericana, expansiva, caprichosa, joven, errabunda y desacomplejada. Muy importante el diseño del espacio, del arquitecto rosarino Martín Corrullón, así alternó espacios abiertos, con otros más Íntimos.
Con 111 artistas, “La Inminencia de las Poéticas”, título de la muestra, no trae nombres fácilmente reconocibles ni hace apelaciones a la monumentalidad de las obras. Los más de 3.000 trabajos están organizados, en su mayoría, en pequeños salones.
Como un sistema radial de constelaciones que se entrecruzan con sus diversas poéticas. Abre un camino en donde el espectador cumple un rol fundamental y completa las obras.
Es en esta forma de montaje que Pérez-Oramas cree que está lo que es espectacular en esta Bienal.
“La espectacularidad se presenta horizontalmente, repetitivamente, modularmente, en serie.”
La Bienal presenta grandes conjuntos de cada artista, como el que reúne 348 obras del brasileño Arthur Bispo do Rosário, considerado por el curador como uno de los “emblemas” de la exposición.

Arthur Bispo do Rosário

Por invitación me tocó estar en la previa y me atrapó su forma de ser curada, en un entorno ideal su estructura vidriada, las vistas al parque Ibirapuera, las luces externas e internas como en un juego de creación entre las obras, el diálogo entre obra y obra, el cruce  de poéticas. Como un disfrute en que el observador elige el recorrido, a la par que vislumbra la cercanía de diferentes poéticas.
Hay mucha pintura y dibujo, instalaciones, performances, pocos vídeos. También hay que destacar la presencia de muchos artistas multidisciplinares como Marco Fusinato, artista multidisciplinar y  músico, utiliza la fotografía  la luz, la instalación, el  sonido.

Marco Fusinato

Athanasios Argianas sus obras consisten en una banda de largo, con bucles de bronce que serpentea en torno a una serie de pared de metal delgado donde apoya.

Athanasios Argianas

Grabado en esta banda de metal curvado es un texto circular, más de mil palabras largas, que obsesivamente yuxtapone las mediciones de las distintas unidades: “. . . . . a strand of the width of your arms unfolded, woven to form a sheet. un filamento de la anchura de sus brazos desplegados, tejida para formar una lámina. A sheet of the width of the wingspan of a plane, a plane of strands of the width of your arms unfolded . Una hoja de la anchura de la envergadura de un avión, un plano de hebras de la anchura de sus brazos desplegados.” . . . . “ The viewer who accepts the work’s invitation to participate must become not only a reader but also a performer: Perusing the passage along the twists of the ribbon gives rise to a small choreography. El espectador que acepta la invitación de la obra para participar debe ser no sólo un lector, sino también un artista intérprete o ejecutante.

También podemos citar al brasileño Paulo Vivacqua, con sus esculturas objetos sonoros, instalaciones plenas de visualidad.

Paulo Vivacqua

Debemos destacar la importante performance sonora de tres grandes artistas: Jutta Koether, Yuki Kimura y Sergei Tcherepnin.

Jutta Koether, Yuki Kimura y Sergei Tcherepnin

También es importante la obra del argentino Eduardo Stupía, donde el signo, el grafismo, la impronta con diferentes materiales, lápiz, grafito, carbonillas, tintas, óleo, etc. Crea un campo de sutilezas que atrapa al espectador.
El artista nos dice “Mis pinturas son para ver de lejos, pero hay  algo que te lleva a acercarte, porque hay zonas internas. Siempre tuve vocación escénica y un interés por la doble mirada.
Trabajo la trama en forma de contrapunto. La idea del tramado es central.
Puede ser de pincelada corta y caligráfica o gestual, de raspado, etc. Para mí el concepto de dibujo era: la línea más pura posible, por ejemplo con plumín, dibujo microscópico o figuración o relato microscópico centimetral y el plano lleno.
Esa era la consigna. Dentro de esa consigna había variaciones. Era una consigna auto-impuesta.”….  

Eduardo Stupía

Sobre las más de 3.000 obras exhibidas, hay un bagaje importante de artistas del arte europeo y norteamericano del siglo XX, Allan Kaprow, Bas Jan Ader, Ian Hamilton Finlay, Helen Mirra, Gego, Sheila Hicks, Jirí Kovanda, Ilene Segalove, Viola Yesiltaç, Bernard Frize, Erica Baum,  Charlotte Posenenske, Kriwet, David Moreno, entre tantos otros.

Kriwet

Entre los artistas brasileros: el ya citado Arthur Bispo do Rosário, Cadu Costa, Alexandre da Cunha, Paulo Vivacqua, Nino Casi, Eduardo Berliner, citando algunos

Bas Jan Ader

San Pablo fué una fiesta, junto a la inauguración de la Bienal, varias muestras colaterales resaltaron la importancia del arte en San Pablo, en el Museo de Arte Moderno, cercano al pabellón de la Bienal, una muestra retrospectiva de la artista brasileña Adriana Barejâo, en el Museo de Bellas Artes, Caravaggio y sus seguidores. A no olvidarse de darse una vuelta por la Pinacoteca, una importantísima colección. Todo un regodeo de arte a gran escala.

En palabras del curador de la Bienal, el venezolano Luis Pérez Oramas:

“Las imágenes y las obras no producen sentido solas, sino en la medida en la que se relacionan”.

Septiembre de 2012

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Arthur Danto, en su libro Transfiguración del lugar común (1981), se plantea las similitudes y por consecuencia las dificultades que existen para poder diferenciar  una obra de arte contemporánea de  una mera cosa.
Este planteo, por cierto, bastante complejo, se centra en la relación obra / receptor.
 Por un lado la realidad, la cotidianidad, se ha vuelto una obra de arte, una ficción construida, pre armada, aunque para muchos receptores la obra de arte contemporánea  no dice nada.
¿Qué objetos pueden ser obras de arte? ¿Cómo diferenciarlos?
Dicha confusión tuvo origen a partir de los “ready made” de Marcel Duchamp a principios del siglo XX.  Ha resultado difícil y creo que aún lo sigue siendo, distinguir entre un objeto perteneciente a la vida cotidiana  de otro con apariencia similar pero que pasa a integrar el estatuto artístico.  El filósofo norteamericano fundamenta estas diferencias recurriendo a algunos elementos externos a las obras.
Danto se refiere, por ejemplo, a su contexto histórico, a  la forma en que la intención nos conduce a su interpretación y al carácter retórico de las mismas. Lo perceptivo no es suficiente para la diferenciación de ambos.
No es suficiente apoyarnos o sostenernos en su aspecto formal para establecer dicha distinción.
Si  obra y objeto de uso cotidiano sostienen  una construcción interna similar y no existe diferencia entre ambos, la belleza  propia del objeto sería  para él atenerse a un criterio insuficiente, motivo por el que hace contundente hincapié en no limitarse a sus características formales.                                                                                                                               
La distinción entre arte y realidad, tiene para él su apoyo en ciertos rasgos sociales, históricos, culturales e ideológicos, aquellos que constituyen el mundo del arte y que según su postura son los que inciden directamente en las obras.
Para Danto toda creación artística manifiesta de alguna forma los estados internos de su autor y aquí seguramente tiene relevancia todo lo que hace a su psicología, como también las circunstancias particulares que intervienen en dicho proceso.
Para dejar más clara su postura podríamos decir que en el momento de acercarnos a una obra es importante tener en cuenta la perspectiva del artista y el modo con que la obra fue alterada por ésta.
Danto descarta la percepción sensible como modo de resolver la confusión que se suscita entre obra de arte y mera cosa y sostiene que se convierten en objeto artístico bajo ciertas circunstancias, circunstancias en las que el artista lo dota de un  nuevo significado, generando en el objeto una nueva identidad.
La tarea del espectador no puede reducirse a una tarea pasiva (la de solo contemplar) sino que debe involucrarse y participar activamente, reconectándose con el símbolo que le permitirá desentrañar el significado oculto de la  obra y así completar la experiencia artística.
En el capítulo Obras de arte y meras cosas del libro La transfiguración del lugar común, Danto afirma que mientras las obras de arte tienen un sentido que exige interpretación, las cosas no las tienen. Frente a una obra hacemos siempre la pregunta:” ¿De qué se trata?” Esto se vuelve especialmente significativo en el caso de objetos artísticos “perceptivamente indiscernibles” de otros que quedan afuera del campo del arte, es decir, de objetos que han sido transfigurados por el cambio de contexto.                                                                                                                   

¿De lo aséptico a lo sensible o de lo cotidiano a lo artístico?
El planteo anterior pone en evidencia un arte conceptual que nos conduce a lo razonado, a lo intelectual, a  ese arte que nos sumerge en una atmósfera aséptica. La obra de Liliana Porter, en cambio, nos vincula con el mundo de los afectos porque objetos simples lejos de pertenecer al estatuto artístico, adquieren en su obra un valor estético.
Aquí, respecto de la percepción sensible  que Danto desestima;  Genette manifiesta: (…) aquellos que se detienen a contemplar obras de tipo conceptual prestando atención a todos sus detalles sensibles, no la estarían apreciando en forma correcta.
Si hacemos un paralelismo entre Danto y Genette, respecto de la obra de Duchamp –Fuente– podemos observar que para el primero, el objeto constituye la obra, en cambio para el segundo la obra no consiste en el objeto en sí, sino en el acto, es decir en el gesto de proponerlo como obra de arte. Por lo tanto lo que importa es la propuesta: en el objeto se ve la expresión, el soporte; la obra de arte es la propia propuesta.
Genette aclara que la propuesta está en relación de dependencia con la naturaleza del objeto propuesto.
 A mi criterio las  producciones artísticas de Liliana Porter se identifican con la propuesta genetteana.
Si tomamos los objetos de Porter, se distancian de la obra-objeto y se acercan a la obra de arte como propuesta, por cuanto hay aspectos que diferencian los objetos expuestos por la artista, desde los ready made.
En primer lugar la correspondencia dialogal comunicativa entre los personajes que se miran dentro de la obra, establece una relación simbólica que va más allá de los objetos en sí como obras de arte por un lado, y de la propuesta genetteana por el otro, por su carácter de denuncia social.
Haciendo un análisis inmanente de los objetos estéticos elegidos por Porter, podemos observar que en su mayoría connotan expresividad tanto en el color en cuanto a sus significados, como en el tamaño casi diminuto, el que se acentúa en virtud del contexto donde están ubicados: grandes paneles blancos, paneles que hacen que la obra genere, por un lado, una atmosfera aséptica y por otro, un clima cálido y afectuoso, signo y símbolo del carácter contradictorio que impera en su obra.
Otro factor importante a tener en cuenta- insistimos- es la mirada que cobra vida en cada uno de ellos: objetos animizados, que pertenecen algunos a mitos más actuales y otros, a mitos más antiguos y que miran, se miran y nos miran y en algunos casos nos interpelan.
Hay recursos sustanciales que utiliza Porter para que estos objetos dejen de pertenecer a una tienda de regalo: uno de ellos es el despliegue con que la artista los dispone en escena, lo que origina un circuito de personajes que pone de manifiesto su propuesta, la de comunicar su intención por medio del acto de mirar, que es comunicación y denuncia, o comunicación que denuncia.
En el caso de El Simulacro (técnica mixta), la escena tiene lugar en el blanco radiante de grandes paneles; en él, en una especie de soporte aparece el retrato de uno de los lideres de la revolución cubana, el Che Guevara, el que se muestra con una expresión idealizada, una iconografía que es la antesala de otras imágenes que oscilan entre las del héroe y el mártir. Es de destacar la doble representación de los elementos plásticos en cuanto figuras por cuanto, tanto el Pato Donald como la bailarina constituyen un primer plano de representación y, la fotografía del Che pertenece a un segundo plano, porque el marco y el soporte están tratados como objetos.
Antepuesto al Che Guevara, un Ratón Mickey sonriente mira con la cabeza girada hacia la izquierda (desde la mirada del observador) a la bailarina. A su derecha aparece el Pato Donald, casi parodiando los movimientos de la mujer, y dejando tras de sí, el grafismo de un crayón que acentúa la proyección de su sombra.
Aquí también podemos tomar el pensamiento de Benjamin cuando estudia los mecanismos productivos de la fotografía y el cine en relación con su reproductibilidad técnica, es decir, su existencia en múltiples ejemplares.
La artista aprovecha la reproducción icónica masiva instalada en el inconsciente colectivo a partir de la difusión de la foto del Che en relación con su recepción.
 En la obra de esta artista la apelación a lo cotidiano  y a lo lúdico aparece como un recurso para que, desde ellos, el espectador se pueda conectar activamente a su complejo universo, en el que la apariencia de simple es solo apariencia. En realidad es  el gran disparador de su discurso, el que estuvo atravesado por  fuertes  cambios culturales, históricos e ideológicos. Esa aparente simpleza es el más fuerte de sus símbolos, el que resguarda su afectividad interior.
Es necesario salir al paso: el arte conceptual no es”pura intelectualidad”, al decir de algunos, sino expresión de la sensibilidad como ocurre en la obra de Liliana Porter.
En mi consideración acerca de la obra de la artista, sí tenemos en cuenta que los objetos en su continente espacial habitual son nada más que eso: “objetos”, cuando se los transpone al otro continente y se los enmarca en la otra visión, la del artista, entonces es la mirada la que hace que sean objetos de arte.
En el capítulo 2, “La apreciación estética” del libro  La obra del arte de Gérard Genette, este hace referencia a un proverbio: La belleza está en el ojo del espectador, que aquí decimos, depende del ojo del artista.
Dice Elena Oliveras en su Estética, haciendo referencia a Dickie que,  según él, “algunos objetos reciben de la  ‘institución arte’ el status  de ‘artístico’ y otros no”.
El ejemplo aquí mencionado,  los objetos de Liliana Porter es indudable que se transustancian en objetos artísticos.  Aunque no fueron creados por la artista, el solo hecho de su transfiguración los hace estéticos gracias a su  subjetividad,  la  que los encuadra dentro de sus límites propios, grandes y silenciosos lienzos blancos.

Bibliiografía:
* Danto, Arthur. Después del fin del Arte, Barcelona, Paidós, 1997
* Danto, Arthur. La transfiguración del lugar común. Barceona, Paidós 2002
* Genette Gérard. La obra de Arte, Barcelona, Lumen, 1991

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Por MIGUEL ÁNGEL CASELLA

Generación Abierta: ¿Cuándo y de qué modo nació tu inclinación por el arte? 
Luciano Zito: Me es imposible reconocer un momento particular, sí tengo recuerdos de cuando era chico, siempre dibujaba y escribía historias. Luego, hubo un momento en que me compré una maquina pocket de bolsillo y estando aun en la primaria empecé a sacar mis primeras fotos artísticas. Eso si lo recuerdo bien y aun guardo algunas de esas fotos. Supongo que ese fue un inicio en la cuestión de mirar y observar lo que sucede alrededor mío, en mi entorno, en el mundo…que de alguna forma es lo que sigo haciendo ahora.

G.A.: Sos director de cine, guionista, fotógrafo. ¿Cómo se fue gestando toda esta raíz vocacional,  como proceso interior en vos?
L.Z.: Entré a través de la fotografía, que me sigue apasionando a pesar que ahora hago muy pocas fotos debido a que filmo mucho (y aquello que el cine es 24 cuadros por segundo, jejejeje). Estudié fotografía, foto periodismo y luego cine, para cuando promediaba la carrera ya tenía muy claro que lo que más me interesaba era hacer documentales o cuanto menos películas que tuvieran una relación diferente con la realidad. Que pudieran interceder en ella, interpelarla y si lograran modificar algo mucho mejor.

G.A.: Tu primer documental “Tapados” es del año 2000. ¿Qué te llevó a abordar como director  la problemática del hombre en situaciones extremas  como en este caso, con el drama de las inundaciones?
L.Z.: Con “Tapados” lo que me interesó desde un principio fue mostrar lo que le sucedía a una pequeña comunidad que vivía una situación subrealista. Es decir, el hombre de campo esta habituado a la tierra y todo lo que se origina a partir de ella, por eso era muy interesante ver como vivían estas personas cuando el tener los campos bajo el agua era lo normal. También, estas situaciones provocan y afloran determinadas características del ser humano…por eso, en ese contexto, no era nada anormal escuchar a uno de ellos decir que estaba pensando en sembrar pejerreyes.

G.A.: En “Tocando en el silencio” del año 2008 aparte de ser el director sos el guinista. Tocás un tema como el del SIDA que está en relación con los prejuicios y estereotipos de una sociedad que en el fondo frente a hechos puntuales parece seguir siendo conservadora. ¿El prejuicio es solo de los otros o también-interiormente- del propio protagonista al no saber como resolver el conflicto de si es mejor permanecer callado o por el contrario mostrarse frente a los demás como alguien que vive sus días con el VIH?
L.Z.: En el caso de Alejandro, el protagonista de la peli, creo que claramente era distinto. Y la prueba más concreta de ello es la existencia misma de la película. Para él sirvió de catarsis y para blanquear públicamente su condición de persona viviendo con VIH. Le cambió la vida completamente, solo imaginarte que salió su rostro en el Suplemento SI de Clarín en la semana previa al estreno. Por suerte fuimos muy responsables de cuidarlo y utilizar la película de una forma adecuada. Pero la mayor parte de ese logro y todo lo que sucedió con la película tiene que ver con lo especial que es Ale. El comenzó a ocupar un lugar de referencia muy importante en la cara de las personas viviendo con VIH, pero sobre todo de los jóvenes.

G.A.: Este año estrenaste “Rawson”, cuya temática alude a los presos políticos. Desde mediados de la década del ’70, el Penal se convirtió en el lugar de confinamiento para cientos de presos políticos de todo el país.
Pareciera haber una necesidad o interés en vos de mostrar al ser humano en diversas situaciones de vulnerabilidad, como en los límites…
L.Z.: En este caso, creo que es un poco desacertada la afirmación que “Rawson” alude a los presos políticos. Mas bien alude a lo que pasaba alrededor de la cárcel  poniendo el foco en la comunidad y en su responsabilidad sobre lo que sucedía adentro de la cárcel, siendo que Rawson es (y en ese momento mas todavía) una ciudad muy pequeña donde todo el mundo se conoce. Sí, hay en mi mirada, una idea de mostrar como el ser humano reacciona, se mueve, se adapta o no, a situaciones limites o especiales. En el
caso de Rawson, eso se puede ver en la convivencia que se estableció entre represores y ex presos o la comunidad en general que les dio la posibilidad de ser asimilados como cualquier vecino.

 G.A.: Es interesante lo que decís, ya que es la propaganda de esta película la que hace alusión a que el film alude a los presos políticos. ¿Cómo manejás estas interpretaciones que hacen terceros sobre el sentido de tu obra si no se corresponde con lo que vos querés plasmar en ella?
L.Z.: Desde una de las primeras notas que me hicieron allá por el año 2000 en relación al estreno de “Tapados” comprendí que es imposible hacerse cargo de las interpretaciones de los demás. En aquella oportunidad me habían hecho una nota anticipando el estreno que sería unos días después. Cabe aclarar que era un momento donde apenas se producían y mucho menos se estrenaban documentales en cine. Era una entrevista en “La Nación”, donde de todas las cosas que respondía, afirmaba que “Tapados”  no era una crónica de las inundaciones (en el sentido de no detenerse sobre la inundación y los daños materiales o la explicación técnica del agua, sino en el lado humano). La nota salió con un título que decía “Tapados”: “crónica de las inundaciones” JAJAJAJAJAJA, aun lo tengo el recorte….
Desde ese momento comprendí, en ese sentido, que hay dos formas de interpretar: la primera, relacionada al periodista o a la persona que trabaja en un medio y solo copia y pega una información y tiene una relación superficial con lo que propone la obra. En este caso, que es lo que suele suceder en la mayoría de los medios, la interpretación difícilmente sea adecuada porque no hay una interpretación de la obra, sino de la información o solo parte de ella. La segunda forma tiene que ver con el espectador y obviamente puede ser o no en sintonía con lo que uno quería lograr con su película. Pero seguro, hay tantas interpretaciones como espectadores. El primer caso es el mas problemático, independientemente que las razones son muchas (y no digo que tu interpretación tenga que ver con eso). En “Rawson” seguro que los presos políticos están en la película, en su trama, pero no es lo que la define. En realidad es más bien la comunidad y el pacto de silencio que la caracteriza sobre lo sucedido. Seguramente que en la sinopsis de “Rawson” se mencionan los presos políticos, pero no es lo central y seguramente dependiendo de donde leíste eso quizás sea un fragmento que recorta su sentido. Por otro lado, y eso lo tratamos en la película, pareciera que “Rawson” es la Masacre de Trelew y justamente la película se aleja completamente de eso.
De cualquier manera, te digo que cuando uno hace algo para que lo vea otro, sea quien sea, la interpretación que haga de la obra es un cuestión intrínseca, entonces solo hay que saber convivir con todo lo que genera con total naturalidad, sin detenerse tanto o darle demasiada importancia, ya que la verdadera y mas importante interpretación saldrá de los espectadores en su profundidad. Sean pocos o muchos.

G.A.: Coincidiendo  con los festejos de los diez años de vida del Centro Cultural de la Cooperación estrenaste el documental “Rodolfo Walsh, reconstrucción de un hombre”. ¿Qué nos podés contar al respecto ya que el título del film es de por sí significativo?
L.Z.: “RW” es una serie de 4 capítulos que se co produjo  junto al Canal Encuentro y se emitió desde el año 2010 hasta el presente en reiteradas oportunidades. Es la producción más simbólica,  a mi entender, del Área de Artes Audiovisuales (la que coordino en el CCC). Lo más significativo de la serie es haber podido trazar un retrato de Walsh libre de ataduras, lejos del bronce, mostrando sus contradicciones, su gran talento como escritor y periodista, y su gran giro hacia la izquierda a partir de su expedición a Cuba. También nos propusimos, no solo contextualizar con lo que sucedía en Argentina, sino también en el mundo, ya que los acontecimientos políticos siempre repercutieron en su vida. Haber decidido solo entrevistar a quienes lo conocieron y que hablen solo del momento en el cual se vincularon a él nos permitió hacer una reconstrucción mucho más humana,  precisa y compleja. No recurrimos a estudiosos de Walsh sino a los compañeros, familiares y amigos, y ahí también es donde surgieron testimonios que nadie había escuchado y que eran reveladores.

G.A.: ¿Cuál es tu objetivo más importante como cineasta? De por sí, te felicitamos por alejarte de los cánones convencionales y te deseamos mucha suerte.
L.Z.: Mi objetivo como cineasta es poder aportar una mirada compleja y profunda del mundo que vivimos, no hacer un cine unidireccional o que simplifique la realidad, no presentarle al espectador un punto de vista cerrado, sino dejar que lo pueda construir a lo largo de un relato. Obviamente me gusta que el espectador vea los documentales en el cine, pero creo que el camino de difusión es mucho más amplio y creo que hay que prestar especial atención a que los jóvenes vean nuestras películas, sea en una sala, en un colegio o en un centro cultural.

(Entrevista realizada en Noviembre de 2012)

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Por NORA PATRICIA NARDO

Nina Thürler, una gran mujer,  poeta argentina, vital, asombrosa, inteligente, de un temple y fuerza especial que le permitió imponerse en un medio difícil y alcanzar el reconocimiento  del mundo cultural a través de su excepcional obra poética y su trabajo cultural.
Siempre con un espíritu inquieto pero segura de sus más fervientes convicciones acerca de la importancia de que el mundo de las letras llegara a un amplio público. Se dedicó a difundir a poetas y escritores a través de publicaciones, disertaciones,  de grandes actrices y actores.
En 1986  junto a Carlos Alberto Débole, entonces presidente de la  SADE, el Dr. Guillermo Frugoni  Rey y el escritor Antonio Di Benedetto fundaron el Grupo Poético “Para la Vida y la Paz”, que se inauguró en la Feria Internacional del Libro. 

A través del tiempo desde la década del ochenta hasta nuestros días, Nina,  con el mismo entusiasmo siguió trabajando en diversas comisiones de la Sociedad Argentina de Escritores, en distintas organizaciones del más alto prestigio literario.
Organizó   Simposios, Congresos Nacionales e Internacionales.
Llegó a  ser una personalidad clave en el mundo literario  en su condición de periodista, conferencista, organizadora de encuentros, embajadora de la palabra. 
Pero también, y sobre todo era poeta. Y resultaba un placer escucharla, conversar con ella y leerla:

El sonido del viento

he heredado tal vez
ese sonido inaugural del viento
para dar testimonio con el canto
del lugar donde nacen los infiernos
y nos quedamos solos
                                  de pie frente al abismo
y el regreso
                     / la vuelta de la desolación y la intemperie
                         Con las manos vacías y la mirada ausente

la vuelta de ese espacio inenarrable
que nos deja del lado del espanto
en las fronteras del delirio

cómo decir que en ese espacio surge el canto
que sólo allí podemos iniciar la palabra/
que sólo en ese hueco de la muerte
hemos hallado acaso ese sonido del misterio
que nos vuelve a contraluz
y que nos pone de frente

                        ante la mirada de Dios

                            ¿cómo decirlo?

(De “Tiempo de ausencias y
campanarios rotos”, Septiembre 2009)

Su nombre está indisolublemente asociado no sólo a la cultura argentina pues Nina Thürler  ha trascendido todas las fronteras.
Durante su vida  ha colaborado en distintas publicaciones culturales. Nos ha dejado numerosos libros de poesía, ensayos, la encontramos en distintas antologías nacionales e internacionales. Fue traducida a distintos idiomas.
Ha recibido premios y reconocimientos  de valiosas instituciones. 
Duarante los últimos años fue colaboradora permanente de la Revista “Generación Abierta” con artículos de suma valía que han enriquecido nuestra publicación
Una mujer que  ha concebido a la   vida y a la poesía como un acto de entrega total, de una generosidad poco frecuente.
Dirigió  el sello Editorial “Eleusis” con el que se han editado aproximadamente  doce tomos de “Poetas Argentinos Contemporáneos”;  ella fue la antóloga de toda la colección, en la cual fueron incluidos  alrededor de ciento sesenta poetas argentinos del último siglo.

Poema XV

Ayer te ibas
y un silencio de pájaros dormidos
un silencio de vientos acallados
de dioses despojados
de campanarios rotos
se sentó en mis caderas
se arrebujó en mi pelo

se ciñó a mis ojeras
ayer te ibas
y un silencio sembrado de agonías
me pobló las pestañas
y se heló en mis mejillas

ayer te ibas
y la tierra y el cielo
confundidos
lastimaban tu partida

y Dios
en el silencio del silencio
me tomaba las manos
me miraba los ojos

y te ibas…

(De “Mientras soplan los vientos de otoño”, 2000)

Esto habría bastado para decir quien era Nina Thürler, allí cerca de los dioses ha dialogado con ellos:

Fedra

Aquí estoy yo otra vez

con mi máscara intacta de tragedia

aquí estoy

yo erguida nuevamente en este siglo de tormentas

de aconteceres bárbaros (…)

(De “Desde la memoria de los dioses”, 2005)

Hay en Nina Thurler  una introspección profunda, visionaria, reveladora.
El mundo de las letras la he  reconocido  a través de distintas distinciones y premios, los medios periodísticos han dicho de ella: “… es en el ámbito de la poesía de nuestro tiempo una de sus cultoras de mayor talento  artístico (….)  clara, directa, profética, abierta a la luz y a las sonoridades cósmicas, rica en lenguaje, la voz dotada de Nina Thürler consigue alcanzar lo que buscan sus versos, enriquecernos espiritualmente, contagiarnos de un fervor que apaga enconos, que cala y suaviza el fuerte contenido de nuestros eternos interrogantes…”  (Frag. De nota del Diario “La Prensa” de Buenos Aires.-8-Octubre  de 1989)
   
“(…) es una de las voces más  firmes y concentradas del panorama poético femenino de la Argentina….” (De  Cuadernos de Poesía Nueva, Madrid, España, Noviembre de 1987)
                
“ Nina Thürler en  “Los Habitantes de la Casa Rebelde” crea un poema dramático que expresa la angustia existencial, la cosmovisión casi trágica impuesta por la época y traduce en versos de resonancias musicales y en imágenes de cautivante belleza, el ansia de elevación, el afán de alcanzar las alturas, la región radiante donde caduca la  fugacidad  (….)  “Los Habitantes de la Casa Rebelde”, de N.T. ingresa por la  puerta grande en la galería de los libros de  poesía latinoamericana de primera línea”  (Frag. Del comentario publicado en la revista  Alba de América, publicación del Instituto Literario y Cultural Hispánico, California, EE.UU., julio de 1994).

Poema

Se silenció nuestra canción
haciendo que naufragaran
la magia y la ternura

desde entonces cumplimos
con el ritual sacrílego
de la desmemoria

dejamos nuestros cuartos
                  con puertas entreabiertas

                  para que el ángel parta
                      con sus alas plegadas

sin signos de derrotas
                     ni de cuentas pendientes

todo ha quedado en paz, ángel amigo
  
                             testigo inclaudicable de los tiempos
                                 en que todo fluía y en el aire flotaban
                                   vendavales de hechizos y de magias 
                                     el ángel parte con las alas plegadas

(De “Tiempo de ausencias y
campanarios rotos”, Septiembre, 2009)

Nació en Bragado, Provincia de Buenos Aires en 1938.
Partió en otoño, un 19 de junio de 2012.

La entrada Nina Thürler se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por NORA PATRICIA NARDO

La noche del 16 de noviembre de 2012,  nuevamente nos encontramos compartiendo la presentación de un libro del  poeta Luis Raúl Calvo, en esta oportunidad una  nueva Bréve Anthologie bilingüe francais- espagnol, publicada recientemente en Francia.
Luis Raúl Calvo  es  poeta y ensayista, autor y compositor de música, psicólogo. La celebración tuvo lugar en una bella noche de primavera, en un café del barrio porteño de Montserrat (Café “Montserrat”), en el ciclo literario “Antonio Aliberti”  que el poeta co-coordina hace veinte años, concurrido, en esta oportunidad,  por más de ciento treinta amigas, poetas, familiares, compañeras de ruta, artistas, escritores/as, actores, músicos, educadores, que desbordaron las instalaciones del lugar, acompañándolo en este nuevo logro y reconocimiento.
Quizás merece ser nombrado como Acontecimiento,  por lo que ha sucedido, por el sentido trascendente de ese encuentro.  Un hecho destacable que merece ser registrado. 
A través de la poesía, el grupo  de poetas franco-argentino “Travesías Poéticas” se unieron hace tres años en un espacio destinado al diálogo,  a la creación y apostando a la cultura. Para atestiguar dicho encuentro y la estrechez de las relaciones culturales, en 2011 se presentó en Buenos Aires, en la Alianza Francesa,  una muestra de poetas argentinos contemporáneos, libro publicado por la Editorial L’ Harmattan. Países tan alejados que se unen a través de la literatura, a través de la comunicación de poetas franceses y argentinos.
En este caso la Editorial L’ Harmattan de  Paris decidió y eligió para  dar difusión a través de esta “Brève Anthologie” al poeta Luis Raúl Calvo, porque “su  poesía es sugerente, perturbadora, honda, reflexiva, reveladora, trascendente, impregnada de belleza especial y original”.
Al decir de la Dra. Irena Harasimowisc-Zarzecka-, filóloga de la Universidad de Bucarest, Rumania- “Los poemas de Luis Raúl Calvo, brillantes en su falta de artificios gratuitos, pronunciados con inteligencia, y llenos de una filosofía heredada prudentemente, nos llevan  por encima de innumerables trampas y complicaciones de la existencia –en un juego escogido del espíritu  y del corazón-, desde un punto de vista personal hasta a uno social”.
Esta “Brève Anthologie”, fue traducida al francés por Ana Romano, revisada por Nicole Barrière y José Muchnik. La ilustración de la tapa es de la artista visual, argentina Adriana Gaspar.
En la contratapa del libro, el gran poeta español Antonio Gamoneda (Premio Cervantes de Literatura, 2006) dice: “ Me produce suma alegría el conocimiento de la poesía de Luis Raúl Calvo. Una poesía capaz de convertir el pensamiento reflexivo, incluso filosófico, en pensamiento  poético de profunda raíz existencial:”Un extraño pacto con la vida”. Le agradezco y lo felicito”.
Esa noche, las palabras de presentación estuvieron  a cargo del escritor  José Antonio Cedrón, la lectura de poemas en francés la realizó el poeta José Muchnik y en castellano el poeta Martín Andrade y también el autor.
La coordinación del encuentro la realizó el poeta Amadeo Gravino, con  la música y la voz de  Pako Rizzo quien interpretó para dar testimonio de esa noche el recordado tango “Anclao en París”, de Cadícamo y Barbieri.
A continuación, las palabras expresadas dicha noche por el  poeta José Antonio Cedrón:
“En la selección de estos poemas hay una línea, al menos para este lector, que trabaja con soltura. Es decir, hay una voz. Insisto, una voz. Esto alcanza para diferenciar aquello que se repite con movimiento de aspas en un segmento considerable de la poética que supera la última década. Producción que se agota en el juego artesanal de la escritura, que es como decir apenas una provincia en el territorio de la palabra. Pero la poesía no es “un texto”.
Lo anterior, porque a veces (un “a veces” cada vez más frecuente) llega nadie, y dice. Y en ese decir no hay nada que convenga a la emoción de un género tan personal que, paradójicamente (también con más frecuencia) acaba resultando obra de franquicia.
Y una estética que parece haber mutado hacia el feísmo, donde quien dispone de compañía es el asombro, si aceptamos cambios y ausencias de referentes que no hace mucho le eran propios.
En esta suerte de saqueo a la que estamos sometidos por obra de la fragmentación también se llevan las pertenencias de la poesía para venderlas por partes.
Ignorar estos asuntos sería como quitarle el tacto a la ceguera.
Lo anterior para entender el contexto en el que tiene lugar la responsabilidad poética de Luis Calvo. En ella el conocimiento no es sólo para el autor sino para los lectores (el otro de mí, el entre-dicho, el que articula el pasaje hacia otros decires, propios y ajenos).
En un presente de contenciones efímeras, provisionales, sus temas resultan perdurables.
En el trabajo de Luis Calvo hay un pendularismo entre la celebración y el acoso cotidiano que obstinadamente se yergue sobre esa posibilidad primera.
Por momentos se tocan (como sucede antes del poema), la zona es inevitable. No se puede ausentar el latido, la piel, la memoria y hasta la música de esa memoria que  la poesía; esto es, la vida, lleva a cuestas.
Es un sueño obstinado, imposible de traicionar, como la lengua materna, respira por ella.
Aquí hay sugerencias del ejercicio cotidiano y sus imágenes, parcas en ocasiones, podrían suponerse alejadas del lirismo.
De otra manera: esta poética reconoce una lectura menos convencional para su música.
Tal vez por eso los temas arman el mosaico de una respiración fragmentada por el tiempo y las circunstancias; la ruptura exterior cobra fuerza de vida al nombrarse en la escena del poema, en ocasiones con dureza dramática, por ejemplo, La Caída:
“Uno retiene las cosas/ para llamarlas por su nombre/
pero no es el nombre/ lo que predispone al vacío.
Uno precipita con sus ojos/ la caída del mundo/
para inventar otras regiones/ que nos devuelvan lo perdido.”
Si bien la nostalgia como cosa del sentir ha sido objeto de prejuicio y maltrato, aquí no sólo adquiere legitimidad sino que nos devuelve, sugerente (un diálogo entre la realidad posible y la imagen deseada), la evidencia de un sentimiento capaz de hospedar un eco de resonancia vital en el complejo tejido de la sensibilidad. 
Si el latido reflexiona precede al hecho poético que acepta como resultante de aquél.
En esos umbrales (en tanto escribe y es escrito) tienen lugar las tensiones, los conflictos, los duelos… Despliegan singularidades y subjetividades de la época que el autor no elude. Acepta y se interroga (coloquial, por momentos narrativo, sin implantes retóricos) sobre aquellos atributos imperfectos y plenos de lo amoroso de cada cual jugados en la intimidad de estos tiempos.
Porque aquí “No hay un orden” nos dice en Líneas de fuga.
Veamos: “No hay un orden/ cuya transparencia/
se someta a nuestro juicio.
Lo pensado o lo impensado/ lo abstracto o lo concreto/
son formas manifiestas/ de arribar a las desnudas/
curvas del deseo.”
En esos movimientos, a veces pareciera que el deseo sólo puede leerse escribiendo sobre aquello que lo niega.
Construcciones que fueron sacadas de las sombras y llevadas a la luz sin que la poesía se quiebre las piernas en ese recorrido.
En perspectiva, sus interrogantes nos recuerdan que una buena pregunta vale tanto como las respuestas que puede ahorrar.
Miradas diversas de una subjetividad cada vez más madura.
Lo que sobrevive es la memoria del tiempo donde tuvo lugar la vivencia. Denise Levertov citando a Rilke pensaba que los versos no son como creen algunos, sentimientos; se tienen “demasiado pronto” decía; son “experiencias”, decía.
Pero nada de esto contradice el gobierno de la emoción que privilegia a la poesía y cuyos componentes le son inherentes, ni contradice a Pound que suma la calidad de obligado para calificarla.

Digamos de nuestro lado que el universo autosuficiente y solidario de esta poética de Luis Calvo cumple con informarnos que no ha cambiado de domicilio. Es bueno saberlo.”
Muy lentamente nos fuimos retirando del lugar, con la seguridad de haber sido testigos de una noche trascendente para la poesía.

Los amantes

Dicha y ocaso, gravidez de los rituales.
Línea oblicua del amor en las maletas del viajero.
Los perros ladran su tormento en las trenzas de la dama.
Hueco de rencor, antiguos maleficios.
¿Quién ha robado los bastones del ciego
buscando luz en las tinieblas?
Nadie separa nuestros cuerpos de la tierra
pero ellos, los amantes, no esperan el orgasmo
para saciar su sed de cruzas elegidas.

Les amants

Bonheur et crépuscule, accouchement des rituels.
Ligne oblique de l’amour dans les malles du voyageur.
Les chiens aboient leur tourment dans les tresses de la dame.
Un creux de rancune, d’anciens maléfices.
Qui a volé les cannes de l’aveugle
en cherchant de la  lumière dans les ténèbres?
Personne ne sépare nos corps de la terre
mais les amants, n’attendent pas l’orgasme
pour rassasier leur soif de croisements choisis.

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Introducción
Lenguajes fruto de una construcción histórica y a su vez argamasa esencial de la historia. Sin lenguajes no hubieran sido posibles leyes, ni códigos, ni hombres viviendo en sociedad. En su comienzo, lenguajes de manos y gestos acompañando voces que devienen palabras  cuando los grupos humanos le acuerdan un  sentido común a las mismas.  Luego, casi ayer, la escritura, sobre tablas de arcilla, piedras o pergaminos, los hombres trasmitiendo huellas y saberes.  Hoy, Google, Twitter, Facebook…  revolucionando los soportes tecnológicos de la comunicación, alterando nuestra percepción del tiempo y del espacio. No tenemos la distancia necesaria para percibir en toda su magnitud las líneas de fractura que estamos atravesando, que nos atraviesan, la Historia podrá describir mañana estos tiempos densos, filosos, quebrados, los tiempos de cambios radicales que estamos viviendo mas que no podemos aprehender pues en ellos estamos nadando. Como ratones en temblores de tierra los poetas sentimos vibraciones  del lenguaje anunciando sismos de mayor magnitud. Interrogarse sobre la esencia del lenguaje, sobre el sentido común que le dan los hombres a las palabras para comunicarse entre ellos, sobre el valor de la poesía para renovar sentidos y sonidos de las palabras, tal vez sea tan importante como los equilibrios presupuestarios o las curvas de crecimiento para una humanidad  que se busca a sí misma en estos comienzos del tercer milenio.
Contraindicación: si su expectativa se inclina hacia un análisis semiológico, abstenerse de la lectura de las líneas que siguen. Transmitiremos simplemente algunas sensaciones, percepciones sensibles de la caída de palabras sobre la piel de  lenguajes en movimiento.

1 Efecto neblina
Felizmente no todo es confusión, no tenemos dudas de lo que designan las palabras “cielo”, “azul” o “nube”. Si designamos “cielo nublado”,  no hace falta precisar que no es azul.  Pero el mundo cambia en permanencia, en período de crisis dichos cambios se acentúan,  se buscan palabras en el almacén de la lengua, algunas son llamadas a servicio para  designar nuevos objetos  o fenómenos. Es aquí donde la confusión florece y la célebre frase de Albert Camus “ Nombrar mal las cosas, es sumar a la desgracia del mundo”, adquiere relevancia. A título ilustrativo tomemos algunas palabras de moda: «Emergente » debe estar contenta,  periodistas, políticos, investigadores… la solicitan con frecuencia creciente. Parece que China o Brasil son ahora “países emergentes”, que el siglo XXI verá la conversión de África en un “continente emergente”, ¿emerger a dónde?, ¿de qué mares? ¿a qué nivel se sitúa la línea de flotación? ¿Y los PIGS1 qué son? ¿Países en vías de inmersión?  ¿Y las “economías en transición”?, bello ejemplo de significado bajo la niebla,  la vida es tránsito, los hombres y sus economías estamos todos en transición, el calificativo “en transición” no especifica a qué nos estamos refiriendo, como los “países en vías de desarrollo” 2,  los “pvd” que durante medio siglo contribuyeron a la neblina del lenguaje y hoy pierden actualidad.  La  “competitividad” por el contrario se sitúa bien en el ranking de palabras movilizadas: personas, empresas, territorios, naciones… la competitividad les dará la salvación, pero … ¿En qué competencia estamos? ¿Con quién competimos? ¿Con qué criterios se elegirán los campeones?  ¿Y si en vez de un “shock de competitividad” privilegiamos un “shock de humanidad”?, después de todo son los hombres en sociedad que construyen las economías y deciden de los criterios de eficacia de las mismas, tal vez no se trate de “ganarle” a los otros “competidores” sino de construir nuevas solidaridades para “salvarse” juntos.
El uso de ciertas palabras, su significación raída,  aumenta el efecto neblina, lo cual también tiene sus ventajas, ya que en la medida que las palabras adquieren significaciones diversas según quienes las empleen, permiten construir discursos consensuados bajo la niebla y a las dirigencias políticas compartir declaraciones comunes  mientras toman rumbos diferentes. Por supuesto es previsible que frente a un aumento de temperatura o baja de  humedad la niebla se disipe poniendo de manifiesto que los rumbos divergen.

2 Efecto “trompe l’oeil” (literalmente: engaña ojo): la inversión del sentido
Como con los viejos negativos de fotos, que podíamos apreciar cambiando de lugar los claros y los obscuros, podemos comprender las formulaciones del lenguaje que crecen en los suelos  fértiles de las crisis e incertidumbres actuales. Una expresión que me resulta ejemplar en este sentido es  la « globalización » o « mundialización»,  no entrar en ella  se ha vuelto sinónimo de quedarse al margen del mundo y su evolución. Es cierto que por un lado las nuevas  tecnologías informáticas, de comunicación, de gestión, de transporte  y de logística, han permitido cambios geo-económicos fundamentales a escala planetaria.  Pero si nos detenemos un poco y analizamos los procesos en curso constatamos que esta expresión oculta los fenómenos contrarios, es decir los procesos de fragmentación social, económicos y políticos que tienen tendencia a acentuarse en todas las latitudes.  Empobrecimiento y polarización de ingresos, tendencia creciente a los separatismos regionales, crisis de las grandes urbes con desarrollo de “no mans land” al interior de las mismas, barreras crecientes a la circulación de personas,…”Fragmentación” parecería designar mejor la tendencia predominante en  este mundo y si nos permiten un neologismo podríamos hablar de “fraglobisation” para expresar la complejidad del proceso que estamos viviendo. 
El mismo fenómeno de inversión de sentidos podemos observar con otras expresiones en voga, como el “desarrollo sostenible”, “développement durable” en francés.  La palabra “sostenible” ha sido cargada de un fuerte valor simbólico asociada a fórmulas muy diversas: “políticas sostenibles”,  “tecnologías sostenibles”, “futuro sostenible”… Cuando en realidad las guerras in crescendo, las crisis financieras, la crisis climática y del medioambiente parecerían indicar que todo se hace cada vez más inestable, más insostenible. Se diría que el hombre conserva su pensamiento mágico y como los antiguos indígenas de América (cuando aún no se llamaba América) corren en derredor del fuego pronunciando sus deseos para conjurar males o peligros. Claman “transparencia de mercados” cuando más opacos se hacen, “seguridad alimentaria” cuando comer deviene un acto cada vez más inseguro…

3 ¿Expulsar la poesía de la ciudad?
La interrogación no es nueva,  Platón en su libro “República” ya planteaba la expulsión de los poetas de la ciudad ideal, pues los poetas relataban con un lenguaje encantador las guerras entre los Dioses, los tormentos del infierno, las debilidades de los héroes… relatos que, según el gran filósofo, no servían para educar a los ciudadanos, sino lo contrario, contribuían a la corrupción de sus almas.
Definir qué es el lenguaje poético será siempre una aproximación, pues la poesía misma es una aproximación, un intento de traducir emociones en palabras, como lo expresa Arthur Rimbaud: “poesía fijar vértigos”. La esencia de la poesía es encontrar las palabras y los silencios, los sonidos y los ritmos, para transmitir la emoción de una hoja que tiembla, tratar al mismo tiempo de condensar el lenguaje y de  hacerlo estallar, como una gota de perfume cayendo sobre la superficie de las palabras, produciendo ondas y fragancias inesperadas. Por eso la poesía molesta, por eso el lenguaje poético se ve excluido del lenguaje político, económico, científico…
“Con sus cálculos desolados  / sabios economistas tejen / los hilos de la medida / las sombras buscan / el precio de la luz / un sol estupefacto / ante el medidor de tibieza […] Los brujos contemporáneos / insisten con sus razones / Matemáticos modelos / Transparentes mercados / Curvas alisadas  a fuerza de suponer / la ecuación de las tripas / para despejar los deseos” […]
“Si olvidamos / Billetes de próceres manoseados / Chequeras con firmas firuletes / o electrónicas cartas / abracadabra yastalaplata / Si inventamos / Un oro nuevo / Un oro sin pecado concebido / Un oro no duro / no eterno / no brillante / Un oro simple / para soportar codicias / Un oro bueno  / para calmar  llagas / Un oro sabio / para sosegar odios / Si el oro cambia de ropaje/ Si las formas se sublevan / ¿Caerán desnudos los contenidos? / ¿Podrán entonces los bancos / preguntar por sus funciones?” […]
“Empresas privatizar / Empleados públicos despedir / Salarios congelar / Universidades derretir / Egoísmos enarbolar / Y van clavando fórmulas o banderillas / en el testuz de la pobre gente / que corre espantada buscando la salida / ¡OLE ! /  Embisten rojas promesas / muy hidalgos en su pase / los Monetarios  Toreros / del Internacional Fondo / ¡OLE! / Los pulgares señalan hacia abajo / ¡OLE! / Las miradas imploran un último vuelo / ¡OLE! /  Los sapos ajustadores agitan su bravura / furiosos los toreros   / que  gustan de pobres bravíos / ¡OLE! / ¡Vibran las arenas! / ¡OLE! / Las orejas caen seccionadas / ¡OLE! ¡OLE! … / Los discursos limpian la sangre / Las ecuaciones coinciden / Los sapos ajustadores  / se felicitan optimistas / Sin sospechar siquiera / que detrás del cinco / se ocultan manos tendidas / y detrás del nueve / dos niñas miran desde la colina / las luces y el humo / de ciudades como ruedos”3
Molesta, decididamente la poesía molesta, sobre todo cuando se mezcla con lo cotidiano, cuando inyecta sangre y pulsaciones en mensajes que al adquirir vida  pueden resultar peligrosos, pueden revelar lo “no dicho”. Para hablar de  cosas que queman, enfriar el lenguaje, deshidratarlo. Lo comprobamos en situaciones extremas como en los centros de tortura de la última dictadura en Argentina (1976-1983), no eran “centros de tortura” eran “chupaderos”, “pozos”, no había “salas de tortura”, había “quirófanos”, “salas de máquina”, no se hacía “desaparecer” a los secuestrados se los “trasladaba”… Lo comprobamos en el lenguaje de todos los días, en los esfuerzos por neutralizarlo, extraerle las partículas emotivas. “Sin domicilio fijo”, a fuerza de repetir la expresión se va esfumando la imagen, fijo o no fijo el problema de millones de personas en el contexto de crisis actual es la pérdida de la casa, de un techo, deambulando en el metro de Paris o Madrid, en las calles de Calcuta o Río de Janeiro, estacionados en un parking en Dublin o Filadelfia… De a poco “sin domicilio fijo” es reemplazada por SDF, las siglas enfrían aún más la denominación de un fenómeno social en expansión y al mismo tiempo contribuyen a no sentirlo, a no pensarlo.
Poesía, sé bella, noble  y cállate, no te mezcles de las cosas banales, marginalizada de las editoriales, de la prensa escrita, televisiva, seducida por poetas que la confinan en torres de marfil, Poesía se va replegando, pero es testaruda y vuelve, vuelve a golpear a las puertas de la ciudad, en forma de slam, twitters, lecturas “underground”. A lo largo de la historia Poesía resonó siempre en diapasón con las evoluciones / revoluciones del lenguaje, que a su vez resonaban con  las evoluciones / revoluciones de la sociedad. Lo fue así desde los poemas épicos helénicos, hasta el modernismo o el simbolismo ruso de comienzos del siglo XX o el surrealismo francés hasta mediados del siglo pasado. Miles de personas asistían a los recitales de Maiakovski en Moscú, de André Breton en París o de  Neruda en Santiago de Chile o Buenos Aires. No se trata de una cuestión de temática, de “poesía social”, sino de la sinergia entre el aliento del lenguaje y el aliento social, el contexto de crisis actual se refleja también en la crisis del lenguaje y la poesía tal vez tenga  algunas palabras que decir al respecto.

4  Crisis, poesía y conocimiento
Puesto que de palabras y significados estamos tratando, precisemos que la krinein griega, se refiere a las situaciones decisivas, era el término utilizado por la medicina hipocrática para designar los momentos intensos en que la enfermedad juzgaba al cuerpo enfermo, crisis que podía conducir al “renacimiento” o a la muerte. Tratar de enfrentar las crisis es indisociable de la capacidad crítica, de la capacidad a  evaluar / interpretar  / diagnosticar. Para ello es necesario describir los fenómenos observados, construir  un conocimiento de  las causas que originan los estados críticos.
¿Puede contribuir la poesía al conocimiento de los hombres y de las sociedades humanas? ¿Puede la poesía contribuir al conocimiento de las crisis que atravesamos? Para intentar una respuesta precisemos en primer lugar que la experiencia poética no es sólo literaria, concierne a la vida en todas sus dimensiones. La poesía, condensación ritmada del lenguaje, existe mucho antes que la escritura… La poesía también fue una herramienta de memorización, que ha permitido la transmisión oral de mitos, ritos, saberes y conocimientos, en los cantos que han acompañado la labor de los agricultores o de los herreros, en las fórmulas mágicas para curar enfermedades, convocar a los dioses o acompañar a los muertos en su misterioso viaje.
La crisis actual replantea de manera fundamental las relaciones del hombre con la naturaleza y con los otros hombres. Árboles, ¿Cómo conocer los árboles? ¿Tejidos leñosos? ¿Soportes de fotosíntesis?, poned la mano sobre la corteza de un sauce, de un roble, de un algarrobo, mirad la copa acostado a sus pies, decidme luego ¿qué es un árbol? ¿Cómo conocer la tierra, plantas, piedras, mares, abejas, pumas, delfines?… ¿Cómo comprender las relaciones del hombre con la naturaleza y con sus semejantes si separamos las explicaciones científicas de las percepciones poéticas del mundo y de los seres que lo habitan? Mientras escribo estas líneas escucho en la radio (France info 10 de octubre 2012 ) una entrevista a Fabrice Luchini sobre su última película “La maison” , que aborda, entre otros, el tema de la creación literaria:   “un film sobre la creación, podríamos pensar en principio que se trata de un film aburrido… pero no […] la poesía, Rimbaud ou Céline  informan mucho más  lo real que el Ministro de Economía o de Industria”. 
Termina la entrevista con Luchini, me acuerdo del libro de Roberto Juarroz “Poesía  y realidad”, me acerco a la biblioteca, encuentro la versión francesa, comienzo a hojearla… “Lo que podríamos llamar el principio de realidad no puede ser captado por una sola de las capacidades, facultades o aptitudes del hombre, sino por su conjugación unitaria y unificadora que es mucho más que su suma pura y simple. Creo que sucede lo mismo en poesía. En nuestra época una de las más altas perspectivas del espíritu es la recomposición o la recuperación de la unidad del hombre a través de la poesía. Desde este punto de vista, pensar y sentir son una sola y misma cosa, como la inteligencia y el amor, la acción y la contemplación. […] El destino del poeta moderno es reunir el pensamiento, la imaginación, el amor, la creación. […] Porque la poesía es el mayor realismo posible, en su tentativa de unir al hombre dividido y fracturado, fundando los elementos dispersos en un todo”4
Tal vez no sería exagerado afirmar que para entender la crisis y resolver las urgencias sociales, económicas, medioambientales, habría que aceptar que hay también un estado de urgencia poética, los nuevos paradigmas de la sociedad, las nuevas formas de producción, de intercambio, de gestión de los recursos naturales, de urbanización, de… no saldrán repentina y únicamente de la investigación científica como del muslo de Júpiter. Sin duda que necesitamos nuevos saberes, pero sobre todo necesitamos un nuevo saber, un saber de una nueva calidad, un saber basado sobre un principio de unificación de las diversas formas de conocimiento, de las diversas experiencias del mundo,  la experiencia poética es un componente esencial de este proceso, que vuelvan Poesía y  poetas a la ciudad real, la ciudad ideal no existe.

*Mesa redonda: “Lenguaje poético en contexto de crisis”
Presidida por su excelencia, el Señor Embajador Aldo Ferrer
En ocasión de la presentación del libro “Travesías Poéticas:Poetas Argentinos de Hoy”5
Embajada de la República Argentina en Francia.

1 Las agencias de notación financieras tuvieron la delicadeza de denominar PIGS (Portugal, Italia, Grecia, España / Spain) a los países europeos más endeudados.
2 Hace ya unos 33 años, en ocasión de una conferencia sobre tecnología y desarrollo en Sofía Antipolis en Francia, entablé  un diá logo con la asistencia en forma de silogismo: ¿Francia es un país? pregunté, frente  al silencio o estupor tuve que insistir hasta obtener un sí a coro. ¿Francia se desarrolla? obtuve otro sí  a coro. Ergo “Francia es un país en vías de desarrollo” y como podemos aplicar este razonamiento a cualquier país del planeta, la expresión “países en vías de desarrollo”  no posee ninguna especificidad.
3 Extraído de “Proposición poética para anular la deuda externa”, José Muchnik, L’Harmattan 1993.
4 Roberto Juarroz, 1987, “Poésie et réalité”, pp 19, 20,  ed. Lettres Vives, France.
5 Poetas participantes en el libro : María Teresa Andruetto, Silvia Barei, Luis Benitez, Héctor Berenguer, Marion Berguenfeld, César Bisso, Luis Raúl Calvo, Leopoldo Castilla, Rubén Derlis, Ramón Fanelli, Juan García Gayo, Alicia Noemí Grinbank, Irene Gruss, Gabriel Impaglione, José Muchnik, Michou Pourtalé, José Emilio Tallarico, Hé
ctor Urruspuru.

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José Antonio Cedrón nació en Buenos Aires, Argentina, donde comenzó a publicar en la década de los años 70, e integró la mesa directiva de la Agrupación Gremial de Escritores Argentinos.
Vivió durante una década exiliado en diversos países de Latinoamérica. En Venezuela trabajó como docente (educación básica) y en la revista “Los Libros”. En México fue coordinador de Bibliotecas de Investigación en el Archivo Histórico de Puebla. Luego trabajó cinco años en la Universidad Autónoma de Puebla.
Seleccionó y compiló los cuatro tomos del libro Sucesión rectoral y crisis en la izquierda, y es autor del capítulo sobre Haití en el libro América Latina, Herida y Rebelde, y del documento Guatemala: el proceso de diversificación del movimiento revolucionario visto por el PGT.
Posteriormente, en los años 90, en la Ciudad de México, fue coordinador de Ediciones del diario “unomásuno” y se desempeñó como editor de la revista “Este País”. Publicó los poemarios La tierra sin segundos, De este lado y del otro, Actas, Vidario. Y el reportaje novelado El Negocio de la Fe.
Parte de su obra fue traducida al francés, inglés, portugués y catalán.
Obtuvo el II Premio Concurso Cincuentenario del Periódico Alberdi, en Buenos Aires; la Primera Mención Honorífica Premio Latinoamericano de Poesía Rubén Darío, en Nicaragua; Mención Premio Carlos Pellicer para obra publicada en México, y el Premio Nacional de Poesía de México, Sinaloa.
Trabajos suyos fueron musicalizados en Argentina, México, España, Nicaragua y Costa Rica. Realizó espectáculos de café-concert con poemas y canciones y grabó discos con la participación de los músicos Carlos Díaz Caíto, Rolo Taubas, Nobilis Factum, Helio Huesca, Ofilio Picón, Nimbus Jazz, Raquel Oyola, Marianne Friederichs, Delia Caffieri, Adrián Goizueta y el Grupo Experimental, entre otros.
Es coautor de libros de texto de Español para la Secretaría de Educación Pública —secundaria a distancia para adultos.
Trabajó en el área de Educación e Investigación Artísticas del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) durante cuatro años.
Como docente, impartió en el Diplomado de Creación Literaria de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem), y tuvo a su cargo la cátedra Lengua y Comunicación para maestros que cursan Docencia en Artes en el Centro Morelense de las Artes (CMA) de la Ciudad de Cuernavaca.

POEMA

En esta casa alguien vivió antes.
Dejó clavos de punta en las paredes
la forma de sus manos en un viejo jabón
olores a tabaco, el lavadero sucio.
Huellas poco confiables.
Vivió esperando un ruido que lo llame
desde el amanecer?
Lo imaginó esperando?
Lloró también de frente, aquí,
contra estas puertas?
Qué lloró cómo qué hizo
cuando el sol se le secó en el horizonte?
Qué sintió de esta lluvia debajo del papel?
Humedeció sus miedos el cielo de este techo?
Dudó del calendario con las manos cerradas?
Del amor?
Compró pan en el barrio y fue observado?
Vio sonrisas por él y no hacia él?
Nombró con el silencio?
De qué cielo llegaba?
Escribió cartas?
En qué idioma dijo, señor no puedo más?
Era extranjero acaso?

POEMA

Antes de ya no verte
te regalo los ojos donde estaban
cuando te vi.
Las palabras salvadas que atropellarán otras
cuando llegue la muerte con su tierra,
sus labios sin nada, sus lágrimas sin nada,
su paz sin nada.
Te regalo el espacio de la sobrevivencia
que se quede de mí,
ese pueblo con árboles y ríos,
el puerto y su inmigrante
desvelado de asombro.
Y antes de otros olvidos
sin firma, ni testigos, ni notario
la belleza que pasa apresuradamente
como una mariposa por la vida del tiempo,
el Cirque du Soleil con que interrumpo
el mundo, por ejemplo
la biografía de Cesarea Evora, que canta…
Y te regalo eso de andar diciéndote lo mismo
día y noche de lunes a domingo
siempre decir lo mismo
sin decirlo
porque lo sabés todo, como el sol y la luna
para que no se pierda

PEQUEÑA COSA

Si no tuviera alas como tiene
si no hablara y cantara
si no fuera de fiesta de velorio
si no amara tus piernas como ramas de un niño
si no tuviera acaso componentes políticos
estaría diciendo que el corazón
es sólo el corazón
no esta mancha que cambia pasos bodas y viajes
no este pájaro huido que carga una maleta
pesada como pueblo
no esta sombra que emigra en mala hora
qué va.

POEMA

Fue de noche, tan frío, entre columnas anchas
después de habernos dado en la boca
en los dientes
como un temblor nos vimos,
había tanto y poco como en este presente
pasado sin saber.
Recogimos vestido para el viaje,
resistente vitualla, zapatos que duraran
la pasión del camino, días y noches semejantes.
Nos llevamos las cartas, los planos, embarcamos
y nunca imaginamos que aquellas pertenencias
fundarían ciudades, darían hijos, vientos,
estaciones de lluvia.
Aquello que era apenas una ilusión formada
a orilla de tu cama –donde pasan los ríos de un país–
crearía un delirio jamás domesticado.
Nunca pensé que fueras un espesor de sombras
que turbara los ojos,
el matiz de una ausencia que no puede escribirse.
Pasamos turbulencias, el azar intrigaba
yo tenía gitanas en mis manos
cruzaban por sus líneas
y eran como el olvido
que venía a buscarnos
y nunca supo nada de nosotros.

La entrada La Llave de la Caverna -José Antonio Cedrón se publicó primero en Fundación Generación Abierta.