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A continuación, les presentamos las palabras de la Señora Embajadora Manuela Breazu:
“Esta es una noche especial en la Embajada de Rumania, porque no cualquier día se organiza una velada dedicada a la poesía, especialmente a poesía traducida al idioma rumano. Creo que es la primera vez que se organiza un evento así en la embajada, y estoy muy agradecida a ustedes que se tomaron el tiempo para acudir a la cita y escuchar la poesía de dos autores muy conocidos nacional e internacionalmente, traducidos por una poeta también muy conocida, rumana-canadiense. Agradezco asimismo la presencia de representantes de la Embajada de Canadá. De las actividades que organiza una representación diplomática en el exterior, las más gratificantes son las veladas culturales; me parece que es una de las actividades que mayores beneficios trae para el mejor entendimiento y conocimiento entre los pueblos y las personas. Voy a presentar a los principales protagonistas de esta noche, comenzando con Flavia Cosma: esta fue su iniciativa desde hace largo tiempo y hoy pudimos materializarla. Agradezco su presencia, su interés y su talento, así como su tarea de contacto con las expresiones artísticas nacionales e internacionales. Es una gran promotora de la sensibilidad y el talento rumanos, y como ella misma me dijo, es “cien por ciento rumana y cien por ciento canadiense”. Ella es la traductora de los dos libros que vamos a presentar hoy. Voy a presentar también a Luis Raúl Calvo, gran poeta argentino y además ensayista, periodista y compositor, cantautor y Licenciado en Psicología. Dirige la Revista “Generación Abierta”, el Café Literario “Antonio Aliberti”, produce programas de radio.

Ha recibido diversas distinciones por su obra literaria. El es el autor del poemario “Nimic Pentru Aici, Nimic Pentru Dincolo”(“Nada por aquí nada por allá”), que vamos a presentar hoy, publicado por la Editorial Rumana Editura Gens Latina, de la ciudad rumana Alba Lulia, con patrocinio del Concejo Provincial de Alba. El segundo poeta que vamos a presentar es Luis Benítez, narrador, ensayista, dramaturgo, autor de más de 30 libros publicados en Argentina, Chile, España, Estados Unidos, Italia, México, Rumania, Suecia, Venezuela y Uruguay, reconocidos con numerosos premios nacionales e internacionales, como reconocimiento a su inquietante obra artística. El es el autor de “Manhattan Song. Cinco Poemas Occidentales”, publicado en 2013 por la editorial rumana Ars Longa, con el patrocinio del Ministerio de Relaciones Exteriores de la República Argentina, a través de su Programa Sur. Mi presentación es muy breve porque creo que su talento lo va a decir todo hoy, que será un momento muy placentero y reconfortante, porque yo también voy a recitar las traducciones de estos libros” (APLAUSOS).Luego de las palabras de la embajadora, habló la poeta  Flavia Cosma, quien expresó:“Aprovecho esta posibilidad para agradecer a Su Excelencia la Ing. Manuela Breazu, Embajadora de Rumania en la Argentina, por esta noche de lectura de poesía. Tengo una profunda convicción: la poesía debe ser compartida, la traducción de poesía es necesaria en grado sumo para que nosotros podamos acceder a la poesía universal. Me siento muy afortunada de haber conocido y haber podido trasladar a mi idioma la obra de los dos poetas argentinos cuyos libros presentamos en esta velada. Luis Raúl Calvo y Luis Benítez son dos representantes destacados de la poesía contemporánea argentina; poetas de honda sensibilidad y fuerte expresión, en verdad muy diferentes el uno del otro, ya que son muy personales en sus registros poéticos. Obras que se inscriben en el patrimonio cultural con una poesía de alta calidad, caracterizada por una perpetua búsqueda de la verdad en la vida y en el arte. Espero que mi trabajo de traducción cumpla con la misión de trasladar esta bella poesía al idioma rumano”. (APLAUSOS).

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El Sábado 3 de agosto las artistas visuales Adriana Gaspar –subdirectora de la Revista Generación Abierta- y Renée Lagos inauguraron una muestra en la Galería Forma, Thames 1620, CABA. La presentación que contó con una gran cantidad de público presente, estuvo a cargo del Lic. Luis Raúl Calvo –poeta y director de la Revista Generación Abierta- y de la Lic. Irene M. Aguirre-historiadora, especialista en producción de textos críticos y difusión mediática de las artes-.
En dicha oportunidad también inauguró una muestra la Artista Visual María Cristina Carám Salím.
Las directoras de la galería, Mónica Cassini  y Ana María Hirleman tuvieron como siempre una cálida recepción tanto para las artistas como para el público presente.
Durante el transcurso de la exposición que duró un mes, se realizó un encuentro coordinado por la Lic. Ofelia Funes, quien dialogó con Adriana Gaspar y con Renée Lagos. Fue muy interesante esta reunión ya que ambas expositoras pudieron comentar aspectos relacionados con su proceso creador y como se fueron  gestando sus propias obras, lo cual resultó de sumo interés para el público presente, quien también participó del diálogo, enriqueciendo el evento.
A continuación transcribimos ambas presentaciones.

Sobre Adriana Gaspar, Luis Raúl Calvo dijo lo siguiente: “El tema del tiempo, el pasado, el presente y el futuro confluyen en la obra de Adriana Gaspar como algo que alude a su propia identidad, a sus propias raíces.
Siguiendo una concepción estructuralista, esto ya lo veníamos advirtiendo algunos años atrás en los comienzos de su etapa de cajas-objetos que ella comenzó a transitar, en una línea de profunda introspección, de marcada interioridad con su propio yo.
Si en aquel momento el acento estaba puesto en mostrarnos esos imaginarios de la infancia que cada uno tal vez comenzó a transitar como en un breve itinerario personal- al ser partícipes de su obra y recrearlas con nuestra propia subjetividad- la actualidad de nuestra artista la encuentra como sumergida en capas todavía de mayor profundidad que la anterior. 
Esto nos recuerda a algunos de los conceptos señalados por Dider Anzieu- psicoanalista francés (1923-1999)-  en su libro “Psicoanálisis del genio creador”, cuando nos dice entre otras cosas que ser creador es ser capaz de una regresión rápida y profunda que da lugar al cumplimiento de un movimiento regresivo ligado a una crisis interior y que a su vez moviliza representaciones arcaicas.
Sus actuales collages y técnicas mixtas conmueven y conllevan una gran carga emocional, por lo que transmiten.
Por eso, si bien estamos en presencia de una obra conceptual, donde priman muchos contenidos simbólicos, la composición general  es de una gran fuerza expresiva.
La mirada de Gaspar en general es una mirada intimista sobre los temas esenciales  como la vida y la muerte, hay elementos incorporados que aluden simbólicamente al nacimiento a través del cordón umbilical, otros están enraizados en una concepción que apunta al agujero negro, como aquellas zonas del espíritu que han quedado como dañadas, quemadas, en ese contacto diario del ser humano con su propia historia personal y con su entorno.
Sin embargo también observamos una mirada social. En uno de los trabajos presentados alude a Eva Perón y a Victoria Ocampo en posiciones inversas, lo cual sorprende al espectador, tal vez  por esa visión estereotipada y prejuiciosa con la cual a veces suelen verse los hechos de la historia.
Lo que siempre permanece vigente en la obra de Adriana Gaspar  y la distingue es la persistencia de un  lenguaje -que más allá de la formas que vaya adoptando su decir- es acentuadamente poético, lo cual le da belleza, sentido y unidad al entramado de sus series.
Esta muestra nos confirma una vez más que estamos en presencia de una verdadera artista, de alguien que con hondura, autenticidad y compromiso nos revela esos complejos mundos interiores que habitan en cada uno de nosotros”.
Posteriormente Irene Mercedes Aguirre se refirió a Renée Lagos: “Renée Lagos nos propone desafíos múltiples con sus singulares creaciones inscritas dentro del Arte Conceptual. Cables que se expanden a través de curvas, rectas, bifurcaciones y diagonales y nos conducen a vías libres de comunicación y a la superación de nudos –obstáculos interpretativos múltiples, dentro del “territorio” ampliado de la comunicación actual, y lo consigue a través de un mensaje personal y abierto a la respuesta interior del espectador. Cada cual se enfrenta a la propuesta de la artista no solamente desde el arte sino además desde su propia idea del mundo, de la sociedad en que vive y del concepto de humanidad que porta. Se puede visualizar el juego de lenguajes que representa el pensamiento complejo globalizado, por el amontonamiento en determinados haces donde se concentran emisores, mensajes y receptores en permanente tensión mientras que se pueden visualizar otros espacios más serenos, menos congestionados junto a zonas con novedosas articulaciones que traen la expectativa de otros modos de vinculación en curso. “El marco es el sostén de mis entretejidos que a su vez, proyectan sombras sobre la pared” dice Renée propiciando lo lúdico en sus obras y convocando el niño que llevamos dentro. Los cables y nudos se evaden de lo geométrico riguroso y aparecen impregnados de sensibilidad hondamente humana, de algún modo semejante a las neuronas, sinapsis y enganches de fase del cerebro, hacia nuevas ideas, nudos coyunturales que hay que sortear para penetrar hacia la comprensión y el entendimiento con el Otro, adjetivo buscado en forma permanente por la artista”.

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Todos percibimos un mismo objeto. Pero cada uno lo filtra en las estructuras de su propia mente.
La configuración de la mente que observa es quien decodifica su sentido.
El objeto es algo desnudo, desolado y sin brillo, irreductible e inasible. Solo puedo ver las consecuencias de ese objeto. La cuestión del valor es otra cosa. No veremos ese tema en este momento.
A los objetos los juzgo en función de las consecuencias que originan y las intenciones que implican. Es inevitable concluir que todo juicio es utópico e interesado. Pero se puede establecer por lo menos, la naturaleza del juicio, no del objeto, en este caso, de lo poético.
Estableceremos los elementos materiales que integran la textura del pensamiento. La disposición del observador es la trama que configura su identidad. Está en un proceso de asimilación, de conservación tal vez, hacia la nada, porque ignora que acumula esa energía. El hombre inevitablemente lo hace y sus actos están minados por todas las circunstancias. Explícito e implícito son parámetros que debemos acotar previos a cada juicio.
En tanto a lo explícito del objeto, el juicio está limitado por su materialidad convencional y a ella nos limitaremos sin ningún tipo de adjetivación, teniendo en cuenta, que el sustantivo es el verbo estabilizado; el verbo es el sujeto en acción y la cualidad es la momentánea imagen de una secuencia infinita, como el rostro de la belleza transitado por el tiempo.
Cualquier objeto sometido deliberadamente al observador es tan inútil como la realidad misma. La esperanza que pone el artista en su elección no es más que su narcisismo en acción. Como la seducción tiene una poderosa transferencia el efecto desencadenante permanece agazapado, por así decirlo, por detrás del objeto y hasta el mismo gestor ignora totalmente su naturaleza, su eficacia o su absoluta nulidad. En la realidad yace una corrosiva fuerza capaz de germinar, de mutar, pero esto no desanima a los entusiastas que se lanzan animadamente a la creatividad. Diremos que la poesía se ha desarrollado en un periodo arcaico, junto con la danza. Ambos nacimientos son de carácter rítmico. La medida pertenece al ámbito del espacio y la métrica al del tiempo. ¿Cómo separamos de una y de otra lo explícito de lo implícito? ¿y qué ha hecho la poesía con esos componentes?.
Haciendo correr las páginas de un libro que contenga este material verificamos una constante formal: cada elemento va por su lado, como profundos autistas: el músico ejecuta por su cuenta la intervención del sonido o el silencio, y el bailarín la inmovilidad o el desplazamiento.
¿Cómo se verifica esta afirmación si un texto, o mejor una textura, o mejor un tejido, como aparecen en una página, no tiene sonido y menos aún movimiento propio? ¿Puede haber un producto ajeno a su gestación?. Pero primero ¿Qué es lo que he visto en esas producciones de poesía controversial? Veo fundamentalmente letras – todo tipo de letras- componiendo imágenes o acompañándolas, trátese de fotos fijas o en movimiento, dibujos, objetos o dramatizaciones documentadas en cada caso, con claros elementos para que el observador las decodifique y participe de su semántica. Es decir, la gramática está oculta y la polisemia es ambigua ya que es incorporada desde otros ángulos: es multisensorial. Tomemos el caso de la ópera o del video. Pero limitémonos a la ópera. Me interesa de tal modo lo musical, por ejemplo, que descuido lo visual y lo dramático. Entonces vuelvo a tener música pura porque descarto el argumento, la trama, el conflicto, que son elementos paralelos y simultáneos. El elemento sonoro, abstracto de la música no está decodificado como la palabra o mejor, como ya lo están los idiomas y una palabra es incorporada una vez que logró su legitimidad social.
Dejamos aquí este tema para entender de alguna manera ese pasaje sobre las obras y descifrarlas. No me agrada el término pero me encanta lo que esconde en el sentido de qué significa interpretar y describir lo que está cifrado es decir, puesto en números, en cantidad, en cifras, en una palabra en medida y métrica. (¿Y no era eso lo que la poesía arcaica intentaba por medio del canto y la danza? ¿Por qué discutir lo que la etimología parece con tanta claridad demostrar?)
La radicalidad no es una ideología, es la raíz, la cosa. El sujeto se esconde detrás del objeto. O mejor el sujeto es directamente el objeto. No hay otra posibilidad de lectura
en cualquier tipo de textura. El sentido nunca permanece oculto porque la acción que produce el objeto, que es lo explícito, es la fuerza implícita con el gesto, la energía que logró configurarlo y que generalmente aparece detrás del objeto; lo sigue de manera inexorable aún en su negatividad, aún en su reversión, en su transparencia o inversión; aún en el revés de su trama en una palabra, otra vez, en su tejido metafórico. Diremos como principio que el área de la creatividad está en el ambiguo fenómeno de la percepción, de la sensibilidad afectiva y emotiva y que las afinidades y rechazos, cuando se efectúan desde el campo de la razón y de la moral, constituyen verdaderos desatinos solo perdonables cuando estamos seguros de que fueron emitidos con buena voluntad pero con evidente escasa reflexión. Danza, canto, poemas, música, imágenes, acciones, cuando no percibo su rítmica, que siempre está explícita, me niego a su sentido implícito que afecta la sensibilidad, toca la intuición, induce a la concentración o la dispersión. Los objetos terminan siempre siendo documentos para la historia. Verdaderos e irrefutables anales de una época. Expresan mucho más de lo que pretenden. Volviendo a una rápida visión de un período, por ejemplo, que abarcase desde William Blake hasta nuestros días nos resulta fácil observar el paulatino deterioro del sentido como consecuencia de la evolución de los medios. Los individuos son devorados por dos fuerzas incontrolables: por la naturaleza que protagonizan y por la sociedad que evoluciona. Ambas testimonian su intervención como agente que la padece. Al presentar los objetos como antecedentes racionales derivados de acumulaciones internas del ente las poéticas expresan lo que nunca se propusieron y dicen lo que no pretenden decir, dicen la verdad de lo que es en sí, y el observador no escapará al mismo proceso y no decodificará el objeto sino expresará las acumulaciones a las que lo sometió su impredecible devenir, reorganizando su percepción.
La pericia o la ineptitud aparecerán inexorablemente en lo explícito o lo implícito con una nitidez que no veremos en otras aéreas donde las dificultades del medio técnico impiden el acceso o la improvisación, por ejemplo, el manejo de un idioma extranjero sin conocimiento previo.
La intensidad de lo inconsciente – al estar liberadas de estructuras formales – aparecerá en toda su crudeza, al natural, despojada de afeites, lozana o cubierta de laceraciones, al fin desnuda, a la intemperie.
Se entiende entonces la absoluta relatividad de lo explícito de este texto.
Dentro de 5000 años alguien podría recoger un trozo de un objeto visual o sonoro o un olor encapsulado y podría decir que por su sedimentación de capas u ondas estuvo sometido a cuales o tales electrones o acumulaciones de presiones o emanaciones que determinaron su forma: los objetos quedan reducidos, en su significación, a una demostración expresiva y objetiva de las causas que lo produjeron. Pretender entenderlos es tautológico. Realizar un objeto inútil (el artístico) es por definición una enajenación, una crisis canalizada. Interpretar el objeto (inútil) es estrictamente íntimo y secreto. Absolutamente individual y anárquico. No explica nada, desnuda la naturaleza del que explica y saca afuera, expresa, su propio yo. Algo queda en claro: la belleza fue desterrada, es decir, aún existía la esperanza de incorporarla a la vida. Pero aquí y ahora pregonamos que la belleza necesita ser aniquilada. “Como la guerrilla”. Ya nadie, un día, sienta a la belleza en sus rodillas y la encuentra amarga, y la injuria. ¿Por qué? Porque en realidad hablamos de otra cosa, no de la belleza sino de lo poético, que significa hacer, obrar, construir. Pero los actos, las acciones, tienen sus consecuencias. E ahí un motivo de reflexión, de ver de nuevo el asunto y preguntarnos si en todo esto del arte no existe la oculta intención de ponernos de espaldas a la realidad y no traducirla. Pero así como nosotros no podemos evadirnos de la realidad, esa realidad, el universo, no puede evadirse ni un ápice de nuestra presencia. ¿Cómo podría transferir energía fuera de su sistema y a qué región del infinito tendría acceso?. Revelar no significa poner en claro lo que está oscuro sino que significa volver a ocultar, velar dos veces la misma cosa. La trascendencia que otorgamos al sentido, a los significados, no modifica su autonomía. Estamos condenados a padecer su evolución, su decadencia, su transmigración irremediable e implícita fatalmente, consecuencia de su identidad pasada y futura. El promisorio ámbito del arte lleva en sí su propia destrucción pero eso no es una debilidad, todo lo contrario. Es factor imprescindible en su accionar, es el tánatos de donde extrae su fortaleza. El prestigio de la mímesis Aristotélica se viene abajo desde hace tiempo y la reproducción mecánica de la realidad produce dos fenómenos: 1) la falsificación de los documentos y su desvalorización como copias de segundo y tercer grado y 2) la descalificación del objeto por su banalidad reproductiva. Las utopías multisensoriales de lo experimental son los coletazos de la mímesis Aristotélica. Porque la rareza de un objeto era lo que agregaba valor a su posesión y la reproducción digital vulgariza hasta la náusea, la información o la desinformación ya que la misma está en poder de organizaciones financieras, periodísticas, culturales, militares, políticas que son hegemónicamente racistas, de clase, alimentadas siempre por concepciones gregarias de individuos. El origen de todo conflicto es la existencia del sentido de pertenencia a una agrupación como fundamento de segregación. Las asociaciones responden a un sentimiento de inseguridad individual, al miedo y a la garantía de protección que se ocultan bajo esas formas que llamamos patria, religión, raza, arte, sociedad, ideología, club. Todas formas respetables de la angustia, del vacío, desencadenantes de la violencia, del odio, del anonimato sostenidos bajo la máscara de la tradición, la beneficencia y la solidaridad, pero cuya energía subyace en otros estamentos.
Lo explícito y lo implícito aparecen en cualquier textura y cualquier textura es poesía. Una pluma, una piedra, un ojo; la nada. El vacío es un poema, aunque son texturas de granos tan finos que exigen una lectura esforzada y transparente. Una textura en remolino puede ser una rosa, un zapato gastado, una demolición, un suspiro; la piel es una textura, el aire, la veta de una madera, la sarna, la explotación. Todo el universo es una textura (¿Indescifrable?), concreta, presente. Los puntos suspensivos, las comas; una línea sinuosa es una textura; el mar y la gota, un ruido, los olores; el color del alba, la sangre. Cada partícula embrionaria deriva de una textura diferente de acuerdo a una función necesaria que la explica. Eso es lo explícito. Su interpretación es lo implícito. Su explicación conlleva la subjetividad, su lectura es la expresión de los deseos del que lee, del que intenta descubrir la trama del tejido. El que decodifica es lo implícito, el que proyecta su lenguaje sobre un absurdo, sobre un abismo que se devora así mismo sabiendo que lo que permite la vida es esa materia, esa textura que contiene todo, hasta lo que no es materia, y sin lo cual no sería lo que es, lo que llamamos materia. El deseo –que es la acumulación de pensamientos del ente- es el pensamiento puro, es el contenido manifiesto que se traduce en los actos, en las acciones, y en la expresión, que es su última instancia. El pensamiento es auténtico, es legítimo, y no puede ser sometido a ningún juicio. La crítica apunta en cualquier dirección interesada que desvaloriza –aunque llegue a elogiar- al objeto presentado, y el arte aprovecha esa zona liberada, tal vez única, para que fluya lo que es.

“La palabra es el último nivel de la experiencia, su consecuencia”.

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Por LUIS RAÚL CALVO y
NORA PATRICIA NARDO

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Por NORA PATRICIA NARDO

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Siete Poetas Sicilianos

Algunas palabras

Dentro del panorama de la poesía italiana, contemporáneamente hablando, la poesía siciliana siempre fue un capítulo aparte si se quiere y que viene de lejos y halla sus latidos, algunos de ellos ancestrales, en la práctica tanto diaria como literaria del dialecto, además de las circunstancias particulares de la vida de una isla que muchas veces se reconoció lejana u olvidada. A veces la poesía de Sicilia sabe observar una dureza, tanto expresiva como conceptual, de la que el ejemplo de Salvatore Quasimodo (1901-1968) exime de más argumentos y de citar otros nombres. ¿Identidad?, ¿desilusión?, ¿modo existencial?, son preguntas para abrirse más que para cerrarse y que se confirman en numerosas obras.
Pero “los tiempos han cambiado”, según afirma en su escrito el poeta Schembari, donde intenta definir los diversos pasajes de las poéticas de la sicilianidad, para referirse a estos años poéticos ya “alejados de los inconformismos”, para adentrarse –según seguimos leyendo– “en una homogeneidad” del acontecer, “menos idealista y menos visionario”. Aquí una pequeña muestra, un umbral a una poesía de intensa geografía, precedida de las palabras recientes de uno de sus poetas.

Eduardo Dalter

La poesía en Sicilia…

La poesía en Sicilia ha seguido, durante siglos, una línea clásica y una línea popular, que se ha ocupado, sobre todo, de las tradiciones locales. A fines de los años ’40 surgieron algunas problemáticas sociales, ya sea en poetas vinculados a la tradición, con características de tipo hermético  –ejemplo, Salvatore Quasimodo–, sea en poetas dialectales como Ignazio Buttitta (1899-1997) y en aquellos de la línea clásico-lírica como Mario Gori (1926-1970). En las décadas del  ’60 y ’70 surge un importante movimiento, denominado “el anti-grupo”, que reúne a más o menos 20 autores –entre los más importantes, Santo Calì (1918-1972) y Nat Scammacca (1924-2005) –, todos anticonformistas, algunos seguidores de los beatniks, otros marxistas, y algunos otros ligados a las nuevas vanguardias. Pero en los años ’80 se produce un cambio de tendencia, y en las generaciones nacidas hacia fines de los años ’30 y ’40 se crea una suerte de homogeneidad y disminuyen las diferencias: la poesía ya no aborda problemas contingentes, privilegia el análisis de la vida y adopta cada vez más una mirada universal, mientras en los años precedentes se advertía “la sicilitudine”, con su carga de lamento y deseos de rescate. Los aspectos existenciales se acentúan así entre los nacidos en los años ’80 y ’90. La instancia metafísica estará siempre presente, sea con criterio laico o religioso, y el artista siciliano se va apartando de sus localismos a la vez que se  transforma en una persona representativa del devenir contemporáneo, menos idealista, menos profético y menos visionario. Los poetas sicilianos más interesantes de las últimas décadas no tienen nada de distinto respecto a los del resto de Italia y de Europa. Los versos largos, el coloquio, lo cotidiano, y, sobre todo, un detenimiento en el plano existencial, crean una  homogeneidad de tipo universal, que se advierte en numerosas obras.

Emanuele Schembari
Ragusa, junio de 2013

Mario Gori

CAFÉ DE LA PLAZA

Vidrios empañados
de aliento y de humo.

La Mora en un rincón se levanta
la falda y se ajusta las medias.

Y tú, Gianni, Arcángelo y yo,
los cuatro pobres necios,
razonando sobre Dios.

Mario Gori nació en Niscemi en 1926 y murió en Catania en 1970. Escribió poemas, artículos y relatos breves. Algunos poetas y críticos sicilianos lo consideran un poeta referencial de la isla. “Un garofano rosso e altre poesie” (1959 y 1973) y “Nella pena di vivere” (1976) son algunas de sus obras.

Emanuele Schembari

EL POLÍGONO CIRCUNSCRIPTO

Ahora que se acerca el tiempo del balance
y declinan las pasiones y las perspectivas
todos los recuerdos se transforman en fantasmas
y aletean como sábanas tendidas al sol
agitando las alas mostrando los rostros
que se confunden en el tiempo y el espacio
la vida sigue ensuciándose afinando
la cinta para una registradora sin sonido
y queda el miedo a una realidad cuestionable
a un pedazo de existencia con indicios lábiles
una mancha en el cuaderno de las cuentas
el soplo de un sueño olvidado
y es fácil hablar de actividad colectiva
si la tarántula de la memoria se agarra
a una pared blanca esperando respuestas
se acorta la brecha entre la espera y la llegada
en un juego repetido que se terminará
cuando las formas no tengan forma
y la esperanza sea un polígono circunscripto.

Emanuele Schembari nació en Ragusa  en 1936. Poeta, periodista, ensayista y docente. Fue fundador del premio de poesía joven Mario Gori. Es director del Centro Servicios Culturales de Ragusa y coordinador en Sicilia del Sindicato Nacional de Escritores. Además de poemarios, publicó libros de ensayo y novelas. De su obra poética se cuentan “Il poker della vita” (1994) y “Le ombre delle illusioni” (2009), entre otras obras.

María Teresa Verdirame

de SINFONÍAS DE LAS ESTACIONES
Cinco haikus

debajo de las hojas
el fruto se esconde
para dar semillas

              *

después de las estrellas
desconocidos universos
nos esperan

              *

viento de arena
se infiltra en el corazón
desierto amarillo

              *

tierra árida
que lleva en lo profundo
agua avara

               *

huellas de los zapatos
en la grava congelada
a lo largo de la avenida

María Teresa Verdirame nació en Trípoli, Libia, en 1938 y vive en Ragusa desde 1961. Es diplomada en Pedagogía especializada en Psicología. Ha publicado en prosa “Se qualcuno busserà” y los poemarios “L’albumm dei percorsi” (1993), “Memorie d’ombre” (1997), “La luce e la memoria” (2001) y “Sinfonie di stagioni” (2012).

Dario Pepe

SIN DOLOR

Sin dolor ¿para qué sirve la vida?
Ninguna herida es eterna,
recuérdalo y huye lejos.
Yo me quedo a contar las migas caídas
en la agitación de la memoria
a plasmarlo otra vez como un simulacro
de ti, de ella, de la otra,
mezclando todo,
redefiniendo los contornos.

Dario Pepe nació en Lentini en 1980, y vive en Sciacca desde 1992. Se dedica a la docencia en la ciudad de Ragusa. En 2012 publicó su poemario “Non plus ultra”.

Giovanni Occhipinti

UNA SOMBRA DE DIÁLOGO

Todo está cambiado acá abajo
desde que apoyé los labios
en el trozo de hielo de tu cuerpo.
Me has dejado un frío en el corazón
con la última caricia,
y cómo me hería el vidrio opaco
de tus ojos,
esa fijación indiferente y lejana.
¿Vivías ya en el misterio de lo lejano?
¿dónde podré verte otra vez?
Revelame ese lugar,
iniciame en el misterio de la muerte
y en la suerte del después,
porque es insensato acá abajo
el día que me vive.

Giovanni Occhipinti nació en Santa Croce Camerina, Ragusa, en 1936 y vive en la ciudad de Ragusa desde hace muchos años. Es poeta, narrador, crítico de arte y de literatura y autor de ensayos de filosofía. Lleva publicados  más de medio centenar de libros; entre éstos: L’acqua e il sogno” (2000), “Rime nel museo delle cere” (1999) , “La veggezza del verso” (2006) y “Elegia del fammento” (2013).

Letizia Di Martino

ÚLTIMA ESTACIÓN

La cortina se abre hacia la calle,
espero el vacío de un nuevo día.

Tengo un gato, un árbol después
      del vidrio.
El por qué de este silencio
lo busco con las manos en los cabellos
y de mi vestido nuevo doblo la solapa.
No me visto no salgo
–ojos lejos del cuerpo–
De nada vale la palabra,
el sonido del teléfono, la noche
quema suavemente.

¿Quién pudiera bailar conmigo?
¿a quién rodearle la cintura?

Sin un abrazo duermo.

A la cama igual
la reconozco,
es tu lugar. Detrás de la puerta
escucho un respiro.

Estoy sola y tú lo sabes.

Letizia Di Martino nació en Messina en 1953 y vive en Regusa, donde ha ejercido la docencia. Ha ganado premios literarios a nivel nacional y participado en antologías, entre otras “Lo specchio” , publicada por el editorial Mondadori. Entre sus libros de poesía se cuentan: “Verso un mare oscuro”  (2001), “Differenze” (2003), “Oltre” (2007) y “Ultima stagione” (2013).

Pippo Di Noto

CUANDO UNA MANO APRETADA

Cuando una mano apretada
te enciende un fuego intenso
que ilumina la noche

y aumenta tu latido
como si el corazón quisiera romperse
con su sangre enloquecida

en aquel instante
tú vences la muerte y la vida
el tiempo y el espacio.

Y toda el agua del mar
no alcanzaría para apagar el fuego
que se aviva en ti

desde que esas manos
dos piedras de fuego
provocaron esa chispa

y amanece
si están bien apretadas
y se hace la noche.

Pippo Di Noto nació en Vittoria en el 1963. Escribe en italiano y en dialecto siciliano y participa del acontecer poético de su provincia. Ha publicado: “I trafichi ra nanna” (1990), “Rimmi pueta” (1991), “Peimo giorno di scuola” (2000), “Siti di pace” (2004), “Pace e amici” (2008).

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Por LUIS RAÚL CALVO

Nuestros Comienzos (1988-1991)

    A mediados de 1988, nuestro Grupo “Generación Abierta” constituido como tal en 1987 y conformado originariamente por Luis Raúl Calvo (poeta), Adriana Gaspar (artista visual), Carlos Fayt (fotógrafo) y Patricia Fayt (artista visual) presentaba el primer número de la Revista “Generación Abierta” en la Biblioteca y Museo Popular “Juan N. Madero”, del Partido de San Fernando. El lugar elegido, a instancias de los hermanos Fayt, quienes vivían en dicha zona resultó ser un lugar muy propicio para hacer nuestra presentación en una sociedad cultural que desconocíamos. Frente a una gran concurrencia de público, reunida por una programación que incluía lectura de poetas y una muestra de artistas visuales zonales, los organizadores del evento, representantes de una filial de la S.A.D.E y de otras instituciones culturales vecinas, con mucha generosidad nos ofrecieron un amplio espacio para que presentáramos nuestro primer número, alentándonos a seguir progresando y a sostener el proyecto, porque-en palabras de uno de ellos- “las revistas literarias lamentablemente duran dos, tres números y dejan de salir”.
El editorial de aquel primer número decía: “No resulta sencillo escribir estas líneas. “Generación Abierta” es un desafío a nosotros mismos, a nuestras ideas, a nuestra particular forma de ver y de sentir el arte. Por eso, el pretender desmitificar el valor de la palabra, no significa en modo alguno minimizar el grado de importancia que ella tiene. Tan sólo encierra un deseo: poder llegar a ustedes no sólo como un canal de información sino esencialmente de reflexión. Entonces sí, podremos alcanzar nuestro principal objetivo: ofrecernos como un medio de comunicación válido para el tiempo que nos toca vivir. “Generación Abierta” es una ilusión, una nueva experiencia para compartir. Esperamos que nos acompañen, gracias”.
El espíritu del contenido de ese texto nos ha acompañado a lo largo de estos veinticinco años en forma irrefutable y define el perfil de nuestra publicación y de nuestro proyecto cultural en general, pero en aquellos años guardaba  íntima relación con lo que nos estaba pasando como sociedad.
Nuestro país venía de una larga y oscura noche tramada y ejecutada por la última dictadura militar, que dejara entre otras atrocidades 30.000 desaparecidos.
Si  bien ya transitábamos cinco años de democracia con la presidencia del Dr. Alfonsín,  la misma, por diferentes motivos se presentaba inestable y jaqueada por sectores retrógrados y con ánimos golpistas  que ansiaban con volver a instalarse en el poder.
En medio de ese clima medio incierto nosotros comenzamos a dar nuestros primeros pasos, sosteniendo firmemente la idea de abrir puentes de comunicación artística con diferentes grupos culturales. A tal fin y como un complemento de nuestra publicación pensamos que sería importante organizar encuentros culturales donde pudiéramos aunar la Literatura con las Artes Visuales.
Paulatinamente se fueron sumando al grupo  los poetas Adrián Gale, Kelly Gavonoser, Ileana Gómez Gavinoser, Daniel Liev, Alicia Pastore, Osvaldo Raznovich, Susana Torralbo, los artistas visuales José Luis Bianchi y Alberto Arjona y el fotógrafo Marcelo Juárez.
Precisamente, a raíz de una visita que Juárez había realizado a  la “Galería del Pasaje de la Defensa”, en San Telmo para sacar fotos del lugar, pudimos contactarnos con el dueño del bar que se encontraba en la planta baja de la galería y rápidamente nos pusimos de acuerdo con él para organizar quincenalmente los días sábados-un día atípico por aquellos años para este tipo de actividades- un café literario con lectura de poetas y muestras de artistas visuales. El ciclo superó ampliamente nuestras expectativas y también las del dueño del lugar quien entusiasmado por la gran cantidad de gente que desbordaba el café, quiso tratar de obtener otros réditos económicos con los artistas que exponían allí,  lo que nos obligó a trasladarnos a otros cafés, es así que recalamos primeramente en “Karavana” de la zona de San Telmo (Balcarce 1050) y posteriormente en “Cartagena” en pleno Congreso (Entre Ríos e Independencia).
Los encuentros siempre fueron acompañados por un numeroso público, en su mayoría poetas y artistas, que colmaban los cafés citados como simples espectadores. Uno de ellos y que solía concurrir siempre -según él porque le atraía la calidad de nuestro café literario- era el gran poeta argentino Francisco Madariaga quien concurría acompañado de su mujer, la poeta Élida Manselli.
Paralelamente a esto, las reuniones de trabajo del grupo “Generación Abierta” eran casi diarias, debido a que por un lado se trabajaba en la elaboración del siguiente número de la revista (loas tres primeros números fueron compuestos y diagramados en mi vieja máquina de escribir “Olivetti”) y por otro lado se programaban a los poetas que participarían de los futuros cafés literarios y a los expositores de artes visuales.
Esta posibilidad de encuentro-desde el mutuo enriquecimiento de diversos  aportes e ideas- creo que ofició como un verdadero encuentro para la mayoría de nosotros, quienes al margen de lo grupal, comenzamos a desarrollar también nuestra propia obra artística personal.
Como corolario de esta primer etapa, luego de participar como invitados a un programa radial (“Conociéndonos”) que se emitía en la FM 107.5, ubicada en Cucha Cucha y Juan B. Justo, entre los barrios de Villa Crespo y Paternal y que conducía el periodista-ya fallecido- Miguel Dalio, surgió la posibilidad entre los años 1989-1990 de tener un espacio radial semanal los días sábados de 13 a 14 hs, el cual como no podría ser de otra manera denominamos “Comunicándonos”. La audición de neto corte artístico (Literatura, Artes Visuales, Cine, Teatro, Música), incluía también entrevistas en vivo a personalidades del mundo de la cultura.
Es importante señalar que “Generación Abierta” en estos veinticinco años siempre ha funcionado como un verdadero grupo cooperativo, y especialmente en aquel momento cada uno de sus integrantes realizaba un  aporte personal para el mantenimiento del proyecto.
A partir de fines de 1991, muchos de aquellos primeros integrantes, por temas personales y por la crisis socioeconómica que azotaba al país dejaron la agrupación, integrándose en su reemplazo otros poetas y artistas.
El resto es más conocido y lo pueden leer en nuestro sitio Web www.generacionabierta.com.ar, los veintiún años del Café Literario “Antonio Aliberti”, los primeros y terceros viernes de cada mes a las 20 hs en el Café “Montserrat” (San José 524);  una segunda y vigorosa etapa radial, a través del programa “Generación Abierta en Radio” que llevamos a cabo a partir de 2007 en Radio FM Cultura (97.9 MHZ) junto a Nora Patricia Nardo, Adriana Gaspar y Ricardo Reyes (por motivos personales en 2010 debió alejarse del programa); la continuidad ininterrumpida de la revista que desde el año 1993-con nuevo formato tabloide- está presente en estaciones de subte y quioscos del país, posibilitando llegar a una gran cantidad de lectores de diversos lugares geográficos.
Como su nombre bien la define “Generación Abierta” siempre ha sido receptora de las diversas líneas estéticas vigentes y materializadas a través de sus creadores, publicando en sus páginas poemas y obras artísticas de diverso calibre, entrevistando a escritores, músicos, artistas visuales y de teatro de real valía y  que desde nuestra propia subjetividad siempre entendimos que comparten con nosotros un mismo modo de ver y de  entender las implicancias del hecho artístico cultural en una sociedad.
La incorporación de la Sección Educación en 1997, a cargo de la Lic. Nora Patricia Nardo (actual Jefa de Redacción), pedagoga y poeta, le dio otra impronta a la publicación, ya que a través de esta disciplina se comenzaron a analizar los nuevos paradigmas que comenzaban a atravesar al sistema educativo, lo cual posibilitó-por el interés suscitado- que se sumaran como lectores a muchísimos docentes interesados  en poder conocer y reflexionar sobre estas realidades aún desconocidas para ellos.
Con los años y sin buscarlo, comenzaron a llegar los premios nacionales e internacionales para “Generación Abierta”, la cual también tuvo el grato honor a través de un proyecto presentado por el Diputado Socialista Fernando Finvarb y refrendado por el resto de los legisladores de ser  “Declarada de Interés Cultural de la Ciudad de Buenos Aires” en el año 2000, por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, “Por- según palabras de ellos-, ser una publicación comprometida con su tiempo y por contribuir  a la grandeza cultural de nuestro país”.
El tiempo ha pasado casi vertiginosamente. Aún recuerdo la alegría con que mi padre el Dr. Raúl Luis Calvo-fallecido también hace veinticinco años-, un gran ser humano, un notable médico clínico y cirujano,  un padre siempre presente y un voraz lector, horas antes de morir, mientras disfrutaba con sumo placer del segundo número de la revista-a pesar del dolor que le infligía su enfermedad- me sugería casi como un mandato:
“Sigan con la revista, es muy valioso lo que ustedes hacen”.
Hoy, mi madre Sara-afortunadamente también una madre siempre presente-,  con sus jóvenes 88 años también espera ansiosa la aparición de cada número de “Generación Abierta” y  disfruta plenamente de cada una de sus notas,  como la disfrutaba mi padre, tal vez por esa comunión espiritual que los sigue uniendo y que la muerte no ha podido separar.

 Luis Raúl Calvo

La entrada Generación Abierta – Nuestros comienzos se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

La cultura no consiste en recibir pasivamente conocimientos definitivamente elaborados: consiste en conseguir que los hombres sean capaces de actuar, de descubrir, de conocer por qué la condición humana es búsqueda, actuación constante, y no posesión definitiva” (Eugenio Garín)

Generación Abierta ha entrado en la Real Academia Española de la Lengua para conocer cuales han sido los acontecimientos más relevantes en los últimos veinticinco años. Nos recibe su actual presidente y director José Manuel Blecua Perdices,  quien ingresó en 2006 ocupando el sillón H. Nacido en Zaragoza en 1939 es hijo de José Manuel Blecua Teijeiro, también filólogo y gramático, y hermano de Alberto Blecua Perdices, igualmente filólogo. Pasó sus primeros años en la capital aragonesa, trasladándose con la familia a Barcelona, donde finalizada su carrera fue profesor de enseñanza media y luego catedrático de Lengua Española en la Universidad Autónoma de Barcelona. Allí iniciaba su Lección Inaugural del Curso 2010-2011 en la Facultad de Filosofía con estas palabras del Padre Walter Jackson Ong (1):
“Existen unos pueblos que desconocen la escritura y que viven dentro de una oralidad primaria; mientras que los pueblos que conocen y practican la escritura viven en la oralidad secundaria. La oralidad vive en estas sociedades de manera muy diferente, piénsese por ejemplo  en la  lengua de las noticias en la radio o en la televisión”.
José Manuel Blecua añade que la memorización de lo oral necesita de algunos elementos característicos que puedan ser recordados: el cíclope tiene un ojo en la  frente; el cancerbero tiene tres cabezas o después los enanitos son siete. Los viejos recursos de la memoria de la oralidad primaria van a revivir con mayor fuerza en la vida de la escritura y en su aprendizaje. La escritura –como apunta Ong1-  crea un discurso autónomo, separa el que sabe de lo sabido. En las sociedades de oralidad primaria sólo unas pocas personas poseen el conocimiento, conocen las disposiciones jurídicas, las genealogías; la escritura, en cambio, es democratizadora, independiza la palabra del autor y es posible, como escribía el poeta clásico,
“Retirado en la paz de estos desiertos,
con pocos,  pero doctos libros juntos,
vivo en conversación con los difuntos
y escucho con los ojos a los muertos.”
“Escuchar con los ojos a los muertos” escribe don Francisco de Quevedo; el texto puede ser leído, y releído, puede  ser criticado, modificado y a lo largo del tiempo llevar vida propia, aunque sea cargado de modificaciones. La escritura es una tecnología, tiene que vencer dificultades notables y participar en procesos de selección generales: el nacimiento del rabillo en el caso de la ç o de la tilde, de la ñ no son pequeñeces precisamente, como sucede con la pervivencia de algunos signos de la taquigrafía tironiana. Y deseo recordar aquí –continúa Blecua- la frase del padre Ong: “La escritura, la imprenta y la computadora son, todas ellas formas de tecnologías de la palabra”. Entre las aplicaciones de estas tecnologías hay que encontrar elementos fundamentales para la vida intelectual: las listas de términos, los diccionarios, los repertorios varios de información, los esquemas en los libros de textos o las concordancias.
Eugenio Garín historiador de la filosofía y de la cultura del humanismo y del renacimiento del siglo XX, señala en su obra: “La educación en Europa (1400-1600)”  el profundo cambio que se produce en la visión de los procesos educativos es que: “El objeto del saber no es el hombre ni el mundo, sino lo que está escrito en páginas sobre el hombre y el mundo”.
José Manuel Blecua decía en aquella lección inaugural del curso 2010-2011 lo siguiente: “Mi propósito es reflexionar sobre las circunstancias de un cambio muy profundo en el que estamos inmersos actualmente. Nos encontramos como ha ocurrido en otras etapas históricas, viviendo en un mundo nuevo, engarzado y sustentado en un mundo antiguo, el mundo de las grandes imprentas enseñoreado por las bellas tipografías. Efectivamente, nos encontramos viviendo en un mundo nuevo, con nuevos inventos e invenciones, al que se ha llegado desde un     mundo antiguo gracias al camino de la educación. En la educación clásica, los niños y los jóvenes conocían una rica enseñanza de la Lengua y de la formación de la Gramática, de la Retórica y de la Lógica, enseñanzas que al fin de la estructura jerárquica dependían de la Ética y de la Filosofía moral. Así se inicia en Occidente el camino hacia lo que hoy denominamos las ciencias del conocimiento en el que parecen dominar los nuevos lenguajes de la tecnología frente a las características tradicionales de la formación humanista.
Los textos impresos van a permitir la difusión de operaciones intelectuales complejas: la comparación de textos, la construcción de índices, gracias a la paginación (los manuscritos medievales no tienen número de páginas y han sido paginados con modernos lápices) y obras mucho más complejas: diccionarios secretos o Polianteas (sacras y profanas), autores clásicos con textos perfectamente comentados, de acuerdo con la tradición de los textos bíblicos ilustrados por Nicolás de Lyra, por ejemplo, que tantos problemas originan a la hora de su digitalización por su extraordinaria  complejidad  gráfica, o de las completas ediciones en las que aparecen conjuntamente en la misma página el texto del autor, la interpretación y las notas, obras que concluyen con completos vocabularios”.

Trescientos Aniversario de la  Creación de la  Real Academia Española

Del Intento y  Motivo de la Fundación de la Academia

Estatuto Único

Siendo el fin principal de la fundación de esta Academia cultivar, y fijar la pureza y elegancia de la lengua Castellana, desterrando todos los errores que en sus vocablos, en sus modos de hablar, o en su construcción ha introducido la ignorancia, la vana afectación, el descuido, y la demasiada libertad de innovar: será su empleo distinguir los vocablos, frases, o construcciones extranjeras de las propias, las anticuadas de las usadas, las bajas y rústicas de las cortesanas y levantadas, las burlescas de las serias, y finalmente las propias de las figuradas. En cuya consecuencia tiene por conveniente dar principio desde luego por la formación de un Diccionario de la lengua, el más copioso que pudiera hacerse: en el qual se anotarán aquellas voces y frases que estén recibidas debidamente por el uso cortesano, y las que están anticuadas, como también las que fueren baxas, o bárbaras, observando en todo las  reglas y preceptos que están puestos en la planta acordada por la Academia, impresa en el año de mil setecientos trece.
En estos términos se expresaba el capítulo primero de los Estatutos de una Academia que hace trescientos años, el 3 de agosto de 1713 se establecía por iniciativa de don Juan Manuel Fernández Pacheco, Marqués de Villena, una Academia cuya tarea era redactar el Diccionario de Autoridades, llamado así por los ejemplos que acompañan a los vocablos.

DICCIONARIO
DE LA LENGUA CASTELLANA
E N   Q U E  S E   E X P L I C A
 EL VERDADERO SENTIDO DE LAS VOCES,
SU NATURALEZA Y CALIDAD,
CON LAS PHRASES O MODOS DE HABLAR,
LOS PROVERBIOS O REFRANES
Y OTRAS COSAS CONVENIENTES
AL USO DE LA LENGUA
D E D I C A D O
AL REY NUESTRO SEÑOR
DON PHELIPE V.
(QUE DIOS GUARDE)
A CUYAS REALES EXPENSAS SE HACE
sta obra
C O M P U E S T O

POR LA REAL ACADEMIA ESPAÑOLA.
T O M O   P R I M E R O
QUE CONTIENE LAS LETRAS A. B.
CON PRIVILEGIO EN MADRID. EN LA IMPRENTA DE FRANCISCO DEL HIERRO, Impresor de la Real Academia Española.
 Año de 1726

El primer tomo se publicó en 1726 y el Sexto y último en 1739.

Quinientos millones de consultas anuales

En los años noventa, la Real Academia Española contaba con una IBM 386. Han pasado veinticinco años y en la actualidad la RAE tiene una plantilla de dieciséis informáticos.
La RAE en Madrid ofrece diecinueve becas para alumnos que se forman en la Escuela de Lexicografías hispánicas durante dos años. Una red informática permite trabajar conjuntamente a todas las Academias de países hispano parlantes en Microsoft mediante el PLAN AMERICA.
En Panamá, en el mes de octubre de 2013 se presentará un PORTAL que permita el acceso a todas las obras de la RAE. Esto puede resultar un arma de doble filo, nos dice José Manuel Blecua Perdices, por cuanto se perderán ventas y en consecuencia disminuirán los ingresos en un balance que ya es deficitario.
A través de Methods Tamino XML Server se consigue la plataforma ideal para la gestión eficiente de los datos estructurados y no estructurados, pudiendo tener acceso a sesenta y un millones de palabras (diccionario digitalizador).
En Twitter se contabilizan ya 364.000 personas que efectuaron consultas. De esta forma RAE se ha transformado en un servicio público que mediante 80 servidores permite quinientos millones de consultas anuales. Cuenta con una base de datos sincrónicos y diacrónicos.
En los últimos veinticinco años se ha ido modificando el concepto que existía de la Real Academia Española sin por ello contrariar los principios establecidos en el Capitulo Primero de los Estatutos redactados hace trescientos años, pero dando entrada a una mejor integración entre la oralidad primaria y la oralidad secundaria que mencionaba el padre Ong.

(1) Walter Jackson Ong  Jesuita profesor de literatura inglesa, historiador y filósofo, presidente    de la Modern Language Association of America introdujo el término “oralidad secundaria” en 1972 en  Studies in the Interaction of Expression and Culture, Ithaca: The Cornell Press University. (1912 -2003).  

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