Por Luis Raúl Calvo

Quinquela Martín fue mucho más que un buen ser humano. Esto va dirigido a aquellos que aún hoy, bajo una sonrisa irónica sostienen estas palabras como intentando desvalorizar al Quinquela pintor.
Siendo un profano en dicha materia, siempre me llamó la atención el menoscabo de la mayoría de quienes están vinculados a la plástica en nuestro país (desde los estudiantes de Bellas Artes hasta los profesores y críticos de dicha especialidad) sobre uno de nuestros grandes mitos.
Reconocido admirado en nuestro país por las grandes masas populares, valorado por críticos del exterior, entre ellos James B. Mason quien en 1930 escribió para el diario “La Nación” lo siguiente: “El único pintor moderno susceptible de comparación con Quinquela Martín es Vincent Van Gogh. Hay entre ellos un parentesco espiritual. Van Gogh, torturado por una conciencia demasiado intensa de la calidad de su vida, encontró alivio en la expresión de su emoción en el lienzo. Pero la obra de Van Gogh es más general y menos especializada, nunca probablemente, experimentó una emoción tan profunda por un aspecto aislado de la vida -a menos quizás en sus primeros años de incertidumbre entre los mineros del Borinage- como la que abriga Quinquela por sus amados docks de Buenos Aires… Aún cuando tales motivos deben haber sido grabados a fuego en la estructura de su naturaleza íntima y debieron evocar en el artista, sin duda, asociaciones de sufrimiento y de trabajo, no constituyen para él sujetos de terror sino fuerzas maravillosas de creación… Su dibujo es poderoso e inevitable” (del artículo publicado por Rafael Squirru en el diario “La Nación” el 3/6/90, QUINQUELA MARTIN: ARTE PARA UNA NUEVA CONCIENCIA), Quinquela Martín “es el pintor argentino con más obra en museos y colecciones oficiales y privadas del mundo entero…” (del libro “Meditación en torno de la vida y obra de un argentino” de Enrique Gené).
Las grandes mayorías no siempre tienen la razón -la historia ha dado pruebas de ello-, los críticos, en muchas ocasiones se han equivocado, pero si la obra de un artista permanece expuesta durante tantos años en los museos y galerías de arte de todo el mundo es porque algún valor ha de tener.
Es cierto, Quinquela fue diferente a los demás. Él no se dejó seducir por las corrientes renovadoras que venían de Europa. Pero, ¿por qué tendría que haberlo hecho?, ¿O es que acaso el artista debe seguir inexorablemente el rumbo de la moda de turno?
La rigidez conceptual de estos seudo intelectuales carentes de toda personalidad no representó un obstáculo para que Quinquela Martín desarrollase una de las obras más personales de nuestra historia del arte.
Creo que Enrique Gené y Rafael Squirru -a través de sus análisis- son el punto de partida para el necesario reconocimiento de este pintor de quien tuvimos la suerte o la “desdicha” que fuera argentino: BENITO QUINQUELA MARTIN.

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Por Daniel Liev

“Si bien mi obra toca aspectos de la memoria y lo ancestral,  para mí la estética, el contenido y el contexto es muy importante en el Performance”

La presentación de cualquier muestra plástica resulta de por sí un hecho emotivo y vivificante; pero es mucho más en este caso en particular en que tengo la oportunidad de referirme a la obra de Adriana Gaspar. Porque su trabajo alegóricamente titulado “LOS SIMBOLOS DEL PODER”, representa la síntesis misma del proceso de vida, entendido como el antagonismo ancestral de Eros (vida) contra Tanatos (muerte), pero sin olvidar por ello el contexto.
Su obra trasunta un expresionismo simbólico, lindante con el surrealismo, pletórico de colores saturados, de espacios relegados hacia un estado de aparente calma; para estallar luego en caóticos encadenamientos que nos revelan la agresión a través de los vértices, las torres y triángulos, esos grafismos que supuran imágenes oníricas haciendo eclosión sobre la tela en un estado de caos letal.
En cada una de las 18 obras expuestas hallamos elementos vitales que se van concatenando hasta hilvanar un concepto claro y circular Desde la simbología del útero
y del feto como punto germinal; hacia un divagar por paisajes de incierta configuración prepaleolítica como antecedente a la vida misma. Los sueños que fluyen en una estética con perspectivas de eje vital anclada en un paisaje urbano; porque; el SER ES EN SU MEDIO, y el medio de esa protagonista, porque su pintura, su mensaje parte de una visión netamente femenina, es la ciudad, desde una óptica de ensoñación y pesadilla, de temor y curiosidad por desentrañar el contexto en los espacios de amplias dimensiones o en los resquicios más diminutos, es una búsqueda constante por desenmascarar el entorno que subyuga, que atrapa, pero también hiere.
Por eso hallamos aquí, en cada uno de sus cuadros entes individuales que nos remiten a un perfecto círculo concéntrico, donde cada uno de ellos nos ofrece una etapa definida, pero de aspecto difuso de interesante concepción. Más allá de las proyecciones personales, de la profundización en el manejo de la técnica mixta de acuarelas y tintas diversas, de la aparente descomposición de formas, del aire violento que respiran algunas de sus obras, esa sensación de asfixia, de confusión y de ahogo nos sorprenderá, nos seducirá y nos conducirá por fin a una reflexión y posterior interpretación personal. Podríamos intentar como paralelismo a la obra de Adriana esbozar un referente musical y sólo encuentro en la Gimnopedie de Erik Satie todos los elementos salvajes en una llamativa organicidad dentro de un caos de tranquilidad como un remanso de colores saturados al revelarnos el alma en su pureza originaria.
Si analizamos fríamente los resultados evidenciados en su muestra anterior llevada a cabo en Setiembre en la Galería ENFLORES, denotamos una marcada evolución en el manejo temporo-espacial, en el dominio de un cromatismo que exaspera los contornos y recrea una visión cósmica peculiar, con un dejo de porteñidad implícita dentro de los márgenes flexibles de formas estilizadas que aspiran la abstracción.
Para cerrar este breve comentario, quisiera añadir que “LOS SIMBOLOS DEL PODER”, juegan con los elementos más irracionales, con nuestras pasiones arrebatadas, con nuestros sueños desenfrenados, pero transmiten una sensación de extraña beatitud: y como la imagen es movimiento, Uds. podrán encontrar seguramente el ritmo interno de cada tela, el latir profundo de un ser que desnuda sus emociones próxima a estallar en un devenir hacia la abstracción, con una marcada estilización en el trazo y las formas que le otorgan su impronta personal.

Por todo lo antedicho, los invito a observar, a solazarse con la mirada atónita y contemplar hasta hallar su propia interpretación; porque el arte de Adriana Gaspar es abierto y esotérico, vibrante e inquisidor, cautivante y desprejuiciado y les permitirá abrirse ante su propio asombro al espejo que identificará sus conciencias.

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 Norma Horowicz realiza desde hace tiempo un profundo estudio de la energía, la cual queda representada en su obra mediante sutiles dibujos que van desde simples máquinas hasta sofisticados aparatos electrónicos.
Si hacemos una lectura de su obra nos encontramos con un lenguaje simbólico y expresionista a la vez.
Para la artista no existen materiales prohibidos, por el contrario, aglutinaciones de restos de diferentes objetos y elementos de deshecho forman parte del plano visual sin perder la unidad en la obra, la que aparece permanentemente como una constante: líneas quebradas, flechas, espirales, jeroglíficos integran la realidad de un lenguaje atrapante donde el signo y su valor como tal dan lugar a diferentes interpretaciones.
La transparencia de la materia cromática se desliza informalmente por toda la obra, mientras que los chorreados enriquecen distintos ángulos del soporte.
La contraposición también aparece en forma continua. Lo figurativo y lo abstracto, lo orgánico y lo inorgánico. El hombre antiguo y moderno dejan de ser antagónicos y pasan a integrar un lenguaje simbólico y personal.
Un proyecto interesante está preparando la pintora para su próxima exposición, en el cual el uso    los espejos le permitirá el espectador abandonar su actitud pasiva para pasar a ser un integrante más de los diferentes climas que aparecen en la obra.

Norma Horowicz es una excelente representante de nuestra época actual y de lo problemático de la condición humana en nuestros días.

Norma Horowicz

1982 
Museo Provincial de Bellas Artes “Dr.Pedro E. Martinez”. Paraná.
Seleccionada Grupo  Promoción SAAP
Galería de Arte Mores.
Bolsa de Comercio de Buenos Aires
Teatro Abierto “Margarita Xirgu”.
Segundo Premio Pintura Salón de Arte Joven UNESCO
Primer Salón Municipal de Bellas Artes “Fernán F. de Amador”

1983
Primer Concurso Casa de Castagnino. Salón Apertura Arte de Bolsillo “Pequeño Formato”.
Segundo Premio. Salón Anual de Santa Fe. Museo Provincial de Bellas Arles.

1984
Salón Pintura Teatro San Martín.
Mención. Segundo Salón Municipal de Luján. “Fernán F. de Armador”.
Mención. Salón Municipal “Manuel Belgrano”
Alfonsina Galería de Arte. 
Salón Villa Constitución.

1985
Salón de Cultura de San Isidro
Museo Municipal de Bellas Artes de Luján.
Manzana de Las Luces (Exposición Individual).
VII Salón Artes Plásticas de Avellaneda.
Salón    Intermunicipalidades, San Martín Segundo Premio LXXIV Salón Nacional de Artes Plásticas.

1986
Salón Nacional de Villa Constitución.
Salón Municipal de Moreno.
Segundo Premio.
Salón Provincial de San Antonio de Areco.
Casa de Cultura de San Fernando (Exposición Individual).

1987
Salón Municipal “Manuel Belgrano”
Bienal en República de Bulgaria.
LXXVI Salón Nacional de Artes Plásticas.
Banco Juncal (Exposición Individual).

1988
Centro Fortabat Galería de Arte. (Exposición Individual).
Alianza Francesa.
Salón Villa Constitución
Salón de Santa Fe.
Salón “Fernán F.de Armador”
Primer Premio Adquisición.

1989
Salón CGE APS
Salón Banco de Caseros.
LXXVII Salón Nacional de Artes Plásticas.
Centro Cultural de la Ciudad de Buenos Aires (Exposición Individual). 

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Tanto nombrar la primavera,
tanto ver en ella el origen libertario
                                           de las cosas,
floreciendo a su paso las ideas,
brotando como capullos de flores silvestres
                                          por doquier,
que hizo que ella misma
lo llevara hacia sus entrañas
aquel
                                          23 de setiembre
                                          del 73

Es en su muerte, en sus pesares, en su tristeza, donde sus versos sobreviven para alimentar lo humano, y su voz renace del fondo de la tierra para hacernos recordar aquel poema: “…pero las cosas pasan y desde el fondo de la tierra la nueva primavera camina…”
Murió por la muerte de los otros.  Lo que siempre manifestó en su poesía, lo llevó a cabo con su último acto, ese acto final que no todos eligen y que él sí pudo hacerlo dejándose morir en primavera por la tristeza de su pueblo.
En este mi homenaje desangrado, quiero evocar al hombre que, arraigado en su tierra, pudo surgir con su canto hasta atravesar las fronteras y fundirse con los otros, con toda la humanidad, para cantarle al amor, a la tierra y a la injusticia, y la combatió con los disparos certeros de sus ácidas palabras.
Tal vez por ser su último libro y porque en él aparece expresamente una vez más el verdadero oficio de hombre y poeta, que es comprometerse con el mundo elegí La alabanza de la revolución chilena, escrito pocos meses antes de morir, en enero de 1973, en medio de las difíciles circunstancias que atravesaba su país.
En el prólogo del mismo muestra claramente cuál debe ser la función del poeta al afirmar: “Esta es una incitación a un acto nunca visto: un libro destinado a que los poetas antiguos y modernos, extinguidos o presentes, pongamos frente al paredón de la Historia a un  frío y delirante genocida…” “…Ha probado la Historia la capacidad demoledora de la Poesía y a ella me acojo sin más ni más…” Quizás este libro, como otros anteriores, haya servido a muchos para criticar la actitud panfletaria de sus versos, que dejan de lado la poesía metafísica o de mayor vuelo poético. Previendo esto dice en el prólogo: “… y que los exquisitos estéticos que los hay todavía, se lleven una indigestión: estos alimentos son explosivos y vinagres para el consenso de algunos… y recurro a las armas más antiguas de la poesía, al canto y al panfleto usados por clásicos y románticos y destinados a la destrucción del enemigo”.
Pero no por haber escrito sus poemas apuntando certeramente contra el enemigo a través de las palabras, Neruda se ha convertido en el incitador de la muerte; muy por el contrario, y esto queda reflejado en el poema “NUNCA”, que dice:
“Sólo el que mata es la categoría que dejo fuera de mi sentimiento. No llevemos la Patria a la agonía condenada a la sangre y al lamento. Y contra esto está mi poesía
que va por todas partes, como el viento”
Y esto es muy cierto; su poesía fue y seguirá yendo por todas partes como el viento, se infiltrará por los poros abiertos de la tierra y de los hombres para penetrarlos con su mensaje, con sus cantos, con sus pesares.
La poesía de Neruda nació de su corazón y fue llevada de su mano a recorrer el mundo.
Fue un hombre que viajó intensamente, e hizo oír su voz a millares de naciones. Sus obras se tradujeron a casi todos los idiomas y en 1971 se le otorgó el Premio Nobel de Literatura.
Pero, según sus propias palabras, el mejor premio lo había recibido mucho antes: “He llegado a través de una dura lección de estética y de búsqueda, a través de los laberintos de la palabra escrita, a ser poeta de mi pueblo. Mi premio es ése”.

Y ésta es la otra cara del poeta, la del hombre que vivió comprometido, que luchó por sus ideas, que postergó años de su vida para darse a los otros, la de ese ser que una vez dijo: “Tal vez no viví en mí mismo; tal vez viví la vida de los otros… mi vida es una vida hecha de todas las vidas: las vidas del poeta”

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I

aún estás, percibo tu rostro en el desvelo           
Aún evoco tu rostro en la luz de la tarde,            
es alabar la vida la pasión que me asiste,             
escucho tu palabra, tu voz, como otras veces,      
  veo en la despedida tu franca mano en alto.          
Dónde alcanzar ahora la parábola clara                
que trazabas en busca de perfección remota,      
serenamente hacías visible lo invisible,               
comprensivo, sapiente, veraz, ensimismado.      
Hoy tu voz va conmigo, es latido entrañable,      
antecede mi paso, fraterna me acompaña;          
como una mano amiga apoyada en el hombro    
en actitud que iguala, que viril se consiente.       
Aún transitamos juntos calles de Buenos Aires, 
fluye todo lo externo, el diálogo nos une.            

II

sigo al sagrado cisne que va en vuelo en la letra           
Inauguran los astros tu sino de poeta,                    
voces inmemoriales alentaron tu numen;              
alta en la Famatina la nieve resplandece                
y el valle es la morada fragante de poleo.                
El silencio yacente de la piedra que abisma             
te inclino hacia las simas del misterio vedado,        
indagaste los signos opuestos de la esfinge              
hasta acceder a planos de iniciación riesgosa.         
Tu saber unifica lo humano y lo divino,                    
ordenaste elementos al descifrar enigmas,               
viste crecer la hierba y discurrir el agua,                   
la perfección del circulo cierra tu itinerario.            
Te guió la Poesía, nayade inmarcesible                     
con las manos videntes, protectoras, de Berta.        

III

y al afirmar, mi labio guarda un sutil quién sabe        
Atrás quedó la vida, la siembra cotidiana,                  
la sucesión de días fecundos, los cuidados,                 
los frutos de la tierra, sus aromas vitales,                     
la lámpara encendida y el libro siempre abierto.        
El atuendo llevado como única rutina,                           
la pobreza aceptada casi orgullosamente;                      
salvaste el laberinto, la engañosa apariencia,                
un orden pitagórico cifraba tu camino.                           
Te encuentro en una losa y un bronce con tu nombre,
las abejas libando violetas, siemprevivas,                      
el otoño golpea con todo tu recuerdo                              
y siento que son una la eternidad, la nada.                    
Quizá seas ahora un pensamiento puro.                         
Alta la Cruz del Sur signe tu residencia.                         

y se pierden los rumbos tras las otras orillas                   

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Por  José Luis Bianchi y Luis Raúl Calvo.

Un reportaje a Litto Nebbia se parece más a una charla en un bar con amigos que a un reportaje en sí. Nos habló de su último disco, de su trabajo con el director de cine Eduardo Mignogna (“Flop”), de sus proyectos, y esencialmente de su sello “Melopea” (el más activo del medio).

HACE UNOS DIAS SALTO TU NUEVO DISCO “NOSTALGIAS DEL HARLEM ESPAÑOL Y LA LUNA CENTINELA”: EN EL HAY VARIOS TEMAS ESCRITOS EN COAUTORIA, COSA QUE NO HACIAS DESDE HACE TIEMPO.
Son tres canciones compuestas con el poeta Jorge Boccanera. Hicimos juntos doce canciones en los últimos tres años, canciones que tienen que ver con una obra de teatro que él escribió. También hay un tema con letra de Eduardo Mignogna; los restantes son temas míos.

VOLVIENDO A MIGNOGNA; HACE POCO COMPUSISTE LA MUSICA DE “FLOP”, SU ÚLTIMO FILM.
Sí, yo me siento muy bien trabajando con él, es muy interesante la manera en que trabaja la música; es muy musical y muy literario, y los resultados son buenos. Este tipo de trabajo los comenzamos con “Evita” (1983).

LITTO, POR QUE PENSAS QUE HAY MÚSICOS QUE SE REITERAN Y QUE ACTÚAN COMO SI TUVIERAN MENOS AÑOS? CUÁLES CREES QUE SON SUS RAZONES?
Las razones son varias. Alguien quiere hacer un clásico de lo que tocó a los veinte años y seguir desarrollando eso. Después está la otra gente que ha hecho un estudio del mercado y sabe que la franja de poder adquisitivo es la pendejada, y se hace el pendejo. Y después está el tipo que no quiere envejecer nunca. Yo creo que todo esto tiene que ver con el punto de partida de cada uno. Yo, por una cuestión de formación, cuando a los dieciocho años tuvimos el éxito con “LOS GATOS”, jamás me lo creí. Me faltaba vivir, equivocarme, estudiar, evolucionar, viajar, fracasar. Para mí no tiene tiempo lo que yo hago. Yo no siento ni que tengo 41 años, ni 27 ni 70. Pienso que así deben sentir algunos músicos que me gustan. Siempre pongo el ejemplo de Miles Davis: sigue estando en la vanguardia, tiene 64 años y toca cosas que te quedás desmayado.

ESTE TIPO DE ACTITUD ES LA QUE TE LLEVÓ HACE CASI DOS AÑOS A TENER TU SELLO PROPIO, Y A NADAR CONTRA VIENTO Y MAREA, SOBRE TODO CUANDO LA MAYORÍA DE LOS MÚSICOS QUE EDITAS NO SON CONOCIDOS.
Yo tengo una mentalidad distinta, inclusive en el negocio. Parto de tres o cuatro cosas que tienen que ver con el sentido común. La mayoría de la gente del interior se quiere venir a Buenos Aires, pero tienen el inconveniente de que aquí nadie les abre una puerta. Esto es erróneo porque el noventa por ciento de los artistas argentinos más famosos somos del interior. El problema comienza ya en el lugar de origen donde nadie da cinco mangos por ellos. Entonces a mí se me ha ocurrido que el tipo del interior tiene que tener un disco tan bien grabado como el que vive en la capital, y el primer lugar donde lo tiene que pelear y difundir es en su lugar de origen. Yo he inventado una manera de producir a la gente que más me gusta mediante un sistema de coproducción. Como tenemos estudio, sello, distribución, puedo tirar los costos muy abajo.
Acá, lo que hay que preguntarse es por qué no se le ocurre hacer esto a gente que tiene cien veces más que yo, poder o dinero. Los sellos grandes no quieren grabar nada más que aquello que a los diez minutos de producido, se venda, y los haga llenarse de oro. A nivel gubernamental, no hay un departamento que tenga partidas de dinero para apoyar esto. Nosotros lo estamos haciendo; además, esto crea fuentes de trabajo para mucha gente. Hasta ahora hemos editado 82 álbumes; de aquí a un año, 15 de esos discos se van a editar en Europa.

QUÉ OCURRE CON LA DIFUSIÓN?
Tenemos una gran cantidad de seguidores, de tipos que hacen notas. No tenemos la estructura económica para poder pagar publicidad, e ideológicamente tampoco estamos de acuerdo con eso. No tenés acceso a los medios más fuertes, porque están estructurados en base a la moda y a la publicidad.

EN JUNIO SE EDITÓ EN EUROPA TU DISCO “HOMENAJE A GARDEL Y LEPERA”
Sí, está dentro del clima en que grabé “El día que me quieras” y “Canción sin puñales”’. Es un disco en el que participan Néstor Marconi, el “gordo” Fernández, Bernardo Baraj y César Franov en bajo. Además de los temas de Gardel y Lepera hay cuatro temas míos a modo de homenaje.

QUÉ PENSAS QUE QUEDÓ DE LA LLAMADA MÚSICA PROGRESIVA, TOMANDO EN CUENTA LOS INICIOS Y LA DÉCADA DEL 80?
Mirá, yo creo que a algunos músicos el escribir sin ataduras, fusionarse con todo y escribir obras largas y con cambios de tonalidad, les sirvió como músicos, hizo que al amanecer los 80′, tocaran más blandamente cualquier tipo de música. Pero el sector de músicos que usó formas majestuosas y desbordes técnicos, como por ejemplo Emerson, Lake and Palmer, hoy en día suenan a “lata”, es decir, que lo que nos gustó al comienzo, era en realidad efectismo, pero eso no tuvo profundidad. Yo, de aquella época, prefiero escuchar un disco de “TRAFFIC”; músicos con otro criterio y otra cabeza.

La mezcla de cosas clásicas con la batería dejó de ser original. Creo que el último grupo que logró pasar a la década del 80′ y desarrollar algo original es “GENESIS”. Lo más importante de todo es el concepto. Vos escuchás a Ringo Starr en “LOVE ME DO” y está bien; lo mismo pasa con los tangos viejos. Te reís de la grabación, pero el concepto está bien.

DISCOGRAFIA
-LOS GATOS SALVAJES.(1965)

CON “LOS GATOS”:
-LOS GATOS (1967)
-LOS GATOS —Vol. II (1968)
-SEREMOS AMIGOS (1968)
-BEAT N* 1 (1969)
-ROCK DE LA MUJER PERDIDA (1970)
-EN VIVO, 1970 (Editado en 1987)

DISCOGRAFIA SOLISTA:
-LITTO NEBBIA (1969)
-LITTO NEBBIA —Vol II (1970)
-NEBBIA’S BAND (1971, con el trompetista Gustavo Bergalli)
-HUINCA (1972)
-DESPERTEMOS EN AMERICA (1972, con Domingo Cura)
-MUERTE EN LA CATEDRAL (1973)
-MELOPEA (1974)
-FUERA DEL CIELO (1975)
-COSAS QUE NO QUIEREN MORIR (1975)
-BAZAR DE LOS MILAGROS (1976)
-EL VENDEDOR DE PROMESAS (1977)
-CANCIONES PARA CADA UNO —Vol. I (1978, con Cura, Juárez, Saluzzi, Alchourrón, etc.)
-TODA CANCION SERA PLEGARIA (Con Mirtha Defilpo, 1979)
-CREER (1980)
-SOLO PIANO (1980)
-TRES NOCHES EN LA TRASTIENDA (1981, con Baraj y Saluzzi)
-CANCIONES PARA CADA UNO —Vol II (1981, grabado en 1977)
-LITTO NEBBIA “1981”
-SOLO SE TRATA DE VIVIR (1981)
-LLEGAMOS DE LOS BARCOS (1982) (con Ios músicos del centro)
-CANCIONES PARA CONOCERNOS MAS (1983) (en vivo, con los músicos del centro)
-EVITA (QUIEN QUIERA OIR QUE OIGA) (1983) (Banda de sonido)
-LA GUERRA NO SABE (1983) (recopilación con temas inéditos)
-LA BANDA SINFONICA MUNICIPAL DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES INTERPRETA A LITIO NEBBIA
-“1991” (1984)
-LUNA CALIENTE (1985) (Banda de sonido)
-EN BRASIL, AQUI Y AHORA (1985)
-DEMASIADAS MANERAS DE NO SABER NADA (1986)
-THE NAKED WORD (1987) (grabado en Estados Unidos en 1979)
-MUSIQUEROS (1987) (Nebbia—Baraj-González)
-BUSCANDO EN EL BOLSILLO DEL ALMA (1988)
-LAS TRES CORAZONADAS (1989) (Nebbia—Baraj—Borda)
-NOSTALGIAS DEL HARLEM ESPAÑOL Y LA LUNA CENTINELA (1990)
-HOMENAJE A GARDEL Y LEPERA (1990)

Además, participó como músico invitado, arreglador y productor en más de ochenta discos. 

La entrada Reportaje a Litto Nebbia se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

A quienes tuvimos la oportunidad de presenciar y saborear el dulce y progresivo crecimiento de la década del ochenta, más precisamente el período que abarca los años 1982 a 1987, nos resulta angustiante el crudo dilema que nos plantea la cada vez más utópica subsistencia del cine nacional. Decimos cada vez más utópica y lejana como que es una posibilidad que se está diluyendo irremediablemente, porque el cine como manifestación cultural está sufriendo el mismo vaciamiento, falta de interés e inexistencia presupuestaria que todas las distintas manifestaciones culturales del país. Porque cuando se considera que la educación y la cultura representan gastos, y no una inversión como debiera ser, se producen estos fenómenos de crisis, estancamiento, convalecencia y posterior muerte de este enfermo, que difícilmente tendrá su resurrección.
El proceso es muy claro. Con el advenimiento de los aires democráticos, nuestro cine recupera su identidad y comienza a ofrecer muestras de una realidad tajante, cruda, dolorosa, dentro de una temática de corte testimonial. Avanza arrollador hasta obtener numerosos premios a nivel internacional, incluido el ansiado “OSCAR” de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood.
Pero también encontramos otras temáticas que afloran subrepticiamente entre la farragosa producción que reconstruye nuestro pasado con óptica de, comedia, de grotesco o simplemente el drama cotidiano que nos tocó vivir. Allí encontramos muestras como LOS PASAJEROS DEL JARDIN, que data del año 1982, excelente adaptación de un “best seller” nacional de Silvina Bullrich.
La línea se abre para A. Doria, director de DARSE CUENTA, un drama denso, de profunda humanidad, hasta llegar al grotesco logrado en ESPERANDO LA CARROZA. Todos los films están ubicados dentro de ese período de florecimiento Su última producción estrenada hace unos meses, en este doloroso 1990, llamada CIEN VECES NO DEBO, nos refleja la caída cualitativa, en cuanto al despliegue técnico, de una temática que intenta en vano reverdecer el éxito anterior repitiendo la fórmula del grotesco, con riesgosos deslices que por momentos transforman las máscaras de los protagonistas en ridículas marionetas.
En el año 1984 Sorín presenta LA PELICULA DEL REY, una renovación formal dentro de una historia con cierto aire autobiográfico que ensalza los tonos bufos junto con la autocrítica a un sistema dentro de un contexto histórico mítico.  Asoma un renovado estilista, creador sutil, que deja el espacio combativo y lo canjea por una estética distinta: Fernando Pino Solanas nos entrega ahora EL EXILIO DE GARDEL. Lejos, su mejor producción, totalmente distinta a sus predecesoras como LA HORA DE LOS HORNOS, codirigida con Octavio Getino y LOS HIJOS DE FIERRO. Parte de un tema muy caro a varias generaciones de argentinos, el exilio. Para unos, el hiriente tema del desarraigo; para otros, el auto-exilio ante la imposibilidad de manifestarse abiertamente. Planteado dentro de un contexto que rescata la mitología gardeliana, una visión tanguera de París a Buenos Aires pertrecho, en bellísimas coreografías y alguna que otra pared gris con dibujos de Hermenegildo Sabat, donde se cuelan San Martín, el barrio, el recuerdo y la hermandad en el exilio, con el siempre vigente deseo de volver.
Luego viene SUR, donde el plano estético cede paso a un renovado interés político, definidamente sectario, que incide en el análisis conceptual del film, rebajando la calidad artística por respirar una brisa panfletaria, bordeada por el humo que se transforma en elipsis en el estilo de Solanas.
Otros directores se destacan: el siempre dúctil y sensible Juan José Jusid con su ASESINATO EN EL SENADO DE LA NACION y MADE IN ARGENTINA; Alberto Fisherman, luego de la laureada y brillante película LOS DIAS DE JUNIO, ganadora del Festival de San Sebastián, se inclina por la sátira y filma dos grandes comedias del cine nacional que aportan salud y creatividad a un género al cual, luego de PLATA DULCE, de la dupla de Aries Cinematográfica (Ayala—Olivera), nadie había intentado modificar las estructuras básicas: éstas fueron LA CLINICA DEL DR.CURETA y LAS PUERTITAS DEL SR. LOPEZ.
La vanguardia y la renovación formal estarán de parabienes con el surgimiento de un creador urticante, compulsivo, un revolucionario de la estética cinematográfica, el polémico y brillante Jorge Polaco con su inigualable DIAPASON; luego vendrá EN NOMBRE DEL HIJO, y como es sabido, su última producción de 1989, KINDERGARDEN, está frenada, censurada, término que creíamos desterrado ya, pero vivo al fin, por la insidiosa decisión de un juez.
Este fue un panorama retrospectivo en el que, lógicamente por cuestiones de espacio, se seleccionaron y omitieron nombres muy importantes en el camino, como EL ARREGLO, LA ROSALES, LOS CHICOS DE LA GUERRA, SOSTENIDO EN LA MENOR, TE AMO, ENEMIGOS, BAIROLETTO, SENTIMIENTOS, CHORROS, OTRA HISTORIA DE AMOR, QUERIDAS AMIGAS, LA HISTORIA OFICIAL.
No podemos dejar de lado el surgimiento de otro gran director nacional como Eliseo Subiela con dos joyas: HOMBRE MIRANDO AL SUDESTE y en 1989 ULTIMAS IMAGENES DEL NAUFRAGIO, y dentro de un cine comprometido, con óptica y postura feminista, María Luisa Bemberg: MOMENTOS, SEÑORA DE NADIE (a mi juicio su mejor película), CAMILA, MISS MARY, y YO LA PEOR DE TODAS.
Pero este raconto que deja de lado el análisis profundo para nombrar simplemente a Raúl de la Torre con su POBRE MARIPOSA, Adolfo Aristarain y sus insuperables policiales: LA PARTE DEL LEON, TIEMPO DE REVANCHA, ULTIMOS DIAS DE LA VICTIMA, nos hace reflexionar sobre este presente.
Cuántos títulos como LA DEUDA INTERNA, un film soberbio como pocos, se pierden en la nebulosa al encontrarnos con una industria parada, inexistente, un sindicato con trabajadores desocupados, y directores, guionistas, técnicos, sin trabajo porque ya no se otorgan créditos para filmar.
El cine abre fronteras y mercados, pero hoy sucumbe ante la indiferencia de los funcionarios que en orden de prioridades se olvidan de la cultura, de nuestra identidad nacional, del arte y de una industria que ayudó a cambiar otrora, nuestra imagen en el mundo.
Señoras y señores: sin subsidios, sin apoyo estatal, nuestro cine se muere, sólo logra coproducciones con muchas limitaciones a nivel de historias o guiones, y sólo subsiste en algunas quijotadas aisladas. Nuestros directores emigran para poder trabajar haciendo cine y para no tener que rebuscárselas con cortos comerciales, al igual que algunos de nuestros grandes actores. Ante este panorama desolador, los últimos estrenos muestran falta de interés por parte del público. Volvamos a nuestra realidad y el público regresará, porque de lo contrario, el cine nacional morirá irremediablemente.

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