El viernes 8 de Mayo pasado se inauguró en ESPACIO Y- Lugar Cultural una nueva muestra individual de la Artista Visual  Adriana Gaspar, Subdirectora de la Revista “Generación Abierta”.
En un marco  de suma calidez propiciado por la directora de dicha institución, la Lic. Cristina Oliver y por el público que acompañó una vez más la creación personal y original de esta destacada artista, la muestra fue presentada por Leonor Calvera, cuyas  palabras presentamos a continuación:

VELOS Y MANDATOS
EN LA OBRA DE ADRIANA GASPAR

En las obras que Adriana Gaspar expone en Espacio Y la línea de tiempo ocupa un lugar destacado. Es una flecha que va rastreando las huellas que permitan comprender cómo se va configurando la identidad femenina. Es ese retroceso, en ese remontar los años ocupa un lugar central el momento en que tradicionalmente se iniciaba una nueva familia: el casamiento.
El atuendo de los novios los ubica a mediados del siglo pasado cuando todavía conservaba amplia vigencia la división clásica por roles. Gaspar elige para visualizarlos una paleta de colores que remite a la nostalgia y quizá también a cierta densidad ambiental. No poco contribuye a ello la presencia de velos. Nada podía ser más acertado: el velo constituye uno de los simbolismos más fuertes a través de los siglos.
Desde la función atribuida a la Luna de tejer los destinos humanos, desde la hermana velada de la Biblia, desde la máscara que los invasores helénicos arrancaron hace 3.200 años del rostro de las sacerdotisas, el velo ha cumplido siempre una misión doble: impide ver lo que hay detrás  y clausura a quien lo porta. A partir del ascenso de los dioses solares, las mujeres, como víctimas de toda clase de ocultamientos, han tenido que soportar toda clase de velos, que significaban otras tantas formas de vigilancia.
Históricamente fue el indicio de estado marginal, de no pertenencia a sí mismas. Esta negación implícita de la identidad personal se agudiza en los estados de transición, cuyo exponente máximo ha sido desde siempre las nupcias, cuando se consolida el paso de manos de la autoridad paterna a la autoridad del marido, garantes del funcionamiento del sistema patriarcal.
Remitida siempre a un otro masculino -padre, marido, hijo- que le transmite su significación ontológica, la mujer obedece a poderes que no ha construido y que la marginan. Traspasada del sentido que le acerca el varón, compensada a ratos subjetivamente, codifica en términos afectivos las propuestas de ese mundo cuyas series se desarrollan, precisamente, merced a su labor invisible, silenciada, necesaria. Los velos, entonces, se pueden decodificar también como los mandatos, normativas y regulaciones que todavía mantienen al género femenino en un plano subordinado. 
Adriana Gaspar toma el matrimonio como un eje donde se explicita  la pospoción femenina. En un gesto muy audaz, coloca vendas en los ojos de las novias  y vestidos que recuerdan los sayos que les obligaban a llevar a los condenados en los autos de fe del Medioevo.
Enceguecidas con su ilusión, se lanzan a un territorio cuyos límites han conspirado siempre contra su autonomía. Ese gesto se completa, en una máxima tensión, con la mujer casada cuya cabeza rueda a los pies de la pareja, cumpliéndose así las palabras admonitorias de san Pablo: “Cristo es la cabeza de todo varón y el varón es la cabeza de la mujer,”
Y el varón ha sabido mantener en un lugar subalterno al sexo opuesto. No solamente confinándola a los cuidados domésticos sino incluso cuando la idealizó. Ser la dama del corazón y de la mente masculina, la flor más o menos inalcanzable, son modos sutiles de apartarla del juego real. Es convertirla en reflejo, en ser para quien la ve, no para su propio interior. Por ello, la persona de carne y hueso suele abrasarse en sus contradicciones entre lo que se le impone y lo que busca ser.
No cabe duda de que en las obras de Adriana Gaspar están presentes elementos de su biografía. Sin embargo, esos datos son el primer hilo de una urdimbre que se desarrolla en varios planos, siendo su conceptualización el segundo hilo. El proceso creador continúa con una compleja trama donde lo particular se ensambla con lo general, retroalimentándose ambos en una fuente crítica.
La memoria procura recrear el tiempo pasado para que no sea un tiempo perdido sino la raíz que permita comprender las evoluciones posteriores. La mirada es aguda, sin concesiones. De cuando en vez aparecen zonas quemadas como un símbolo de múltiples reverberaciones. Son los olvidos voluntarios y las omisiones sufridas, son los daños inferidos al espíritu y las lesiones que produce la violencia de todo tipo. Zonas quemadas que adquieren nueva vida al ser reabsorbidas en el contexto presente. Áreas ardidas y ardientes como las que pertenecen a la inserción en la arena pública.
En la distribución del trabajo por género, a la mujer le quedó reservado el ámbito de lo interno, lo doméstico, lo privado. El varón, en cambio, gozó siempre de lo abierto, del exterior. No hubo para el varón fronteras de género: todo podía y debía estar a su alcance.
Tuvo que transcurrir largo tiempo antes que las mujeres comenzaran a luchar por sus derechos. Fueron necesarias largas campañas y bregas infatigables para que se las considerara ciudadanas, para que pudieran manejar sus bienes, que pudieran estudiar y trabajar libremente, que pudieran crear sin condicionamientos, para que pudieran ejercer cargos jerárquicos. Fue un camino lleno de asperezas y retrocesos que todavía tiene que ser desbrozado. Aún ahora el pasaje de lo privado a lo público no se realiza sin múltiples dificultades.
Salir del encierro de los mandatos y roles tradiciones a la intemperie general es como lanzarse a un horizonte donde nada es seguro, donde cada paso tiene que ser justificado. Esa orfandad pública es la que capta con certeza Adriana Gaspar en las superficies negras que acompañan a las mujeres destacadas. La oscuridad las rodea, se hallan en un medio hostil donde ni siquiera tienen la aprobación supuesta de otras mujeres. El sexismo ha sido eficiente: reservó para el varón la solidaridad de género y sembró entre las mujeres la planta tóxica de la rivalidad tácita.
En Vidas cruzadas Adriana apela a dos figuras icónicas para ilustrar cómo la lealtad femenina hace suyos los proyectos masculinos  antes que reconocer el mismo ideal en otras mujeres.
Eva Perón, pura energía puesta a disposición de la causa del pueblo; Victoria Ocampo, fina sensibilidad alerta al fenómeno del arte, aun cuando rebeldes ante la marginación soportada por la mujer, tipifican con sus actitudes dos aspectos de los velos marginales de la colonización masculina. Una, al desvalorizar a su género cuando estima que la gloria sólo puede llegar por la renuncia a sí en pos de ideales políticos prestados. La otra, cuando enjuicia la validez de la conquista del voto femenino -por el que tanto había luchado- debido a que provenía de enemistades de clase. Una y otra se cruzan sin encontrarse, sin reconocerse, enajenando su lealtad de género en la hoguera de las antinomias sociales generadas inicialmente por el varón-guerrero, el señor conquistador, el gran aspirante a dueño del mundo.
Durante largo tiempo, la experiencia creativa le estuvo vedada a las mujeres, si bien aquí y allá surgen ejemplos de artistas de corte excepcional.  El área privada que se le reservó a su género, la falta de aceptación como personas integrales hicieron que sus emociones no les pertenecieran. Antes bien, fueron el alimento de la imaginación viril que las encerró en celdas ideales que todavía conservan no poca vigencia. Todo ello hizo que, cuando las mujeres lograron expresarse públicamente, lo hicieran con cierta timidez, al punto de usar seudónimos de varón al presentar los frutos de su capacidad creadora por temor a la ridiculización o el rechazo.
Adriana Gaspar, en un hallazgo extraordinario, emplea  tanto el collage como el formato pequeño de las obras para visibilizar  la salida al mundo de la mujer. Así como el  collage es el ensamblaje de elementos diversos, el género mujer ha tenido que irse construyendo con los elementos, los retazos que el varón no reclamó para sí. Del mismo modo, el tamaño reducido expresa la fuerte cautela que siempre ha existido en la auto-afirmación exterior de la mujer, lo cual se proyecta en atreverse sin molestar, en avanzar con recelo por el terreno minado de sospechas de la cultura patriarcal.
Si bien la función del arte no es ser didáctico, en el caso de la muestra de Adriana es un agregado que se combina en armonía con una obra densa, altamente crítica, valiente, original, que la señala como una artista destinada a perdurar. Para los griegos, quitar los velos era sinónimo de expresar la verdad. La pregunta que se impone es: ¿se halla nuestra sociedad en un estadio de madurez suficiente como para apreciar y distinguir la verdad tras los velos que descorre Adriana Gaspar?  Esperemos que así sea.

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“La obra de teatro plantea un último e imposible encuentro en la vida de Fernando Pessoa con sus heterónimos”

G.A.: ¿Por qué elegiste a Fernando Pessoa para tu último trabajo de dirección?
A.M.: Se trata de un trabajo de dramaturgia y de dirección, que se hallan estrechamente unidos, en realidad. Considero que la figura de Fernando Pessoa encarna un lugar original y poco frecuente desde el punto de vista intelectual y filosófico. Por un lado este poeta, escritor, ensayista y periodista construye una imagen muy potente respecto de lo ficcional, aquello que materialmente no está presente, pero cuyos efectos se perciben en el universo de forma metafísica. Esta “ficción verdadera”, según sus propias palabras, sitúa lo onírico y lo imaginario en el mismo plano que la realidad más cotidiana. Por otro lado, su perfil de hombre desapercibido y gris, empleado de una empresa de importación y exportación, con un destino rutinario y, que a la vez escribe (casi compulsivamente) por las noches, en su cuarto de pensión, va construyendo una obra que le surge, como si fuese dictada durante el insomnio, a la manera de un intérprete que no puede sino doblegarse ante tamaña tarea. De esta forma, logra un lenguaje artístico magnífico y depurado, en medio de un orden biográfico simple y cotidiano.
Las repetidas estrofas de uno de sus más logrados poemas, Tabaquería, atribuido al heterónimo Álvaro de Campos: “No soy nada, nunca he sido nada, no puedo querer ser nada, aparte de eso tengo en mí todos los sueños del mundo (…)” plantea conceptos tan inusuales en estos tiempos modernos que vivimos, donde los mandatos culturales y sociales parecieran reducir la vida a una presencia deslumbrante y acabada, donde el éxito y la realización personal no admiten tibiezas, dudas, ni tampoco contradicciones.
Por último, la creación tan contundente como arrasadora de esas “entidades”, alter egos, llamados más tardíamente heterónimos. Son auténticas personalidades, en las cuales se desdobla su yo, para trabajar articuladamente entre ellas, produciendo no solo una obra o varias obras, sino una compleja trama de material literario de una intensidad y un estilo por momentos inclasificable. Esto pone de manifiesto una cabeza con videncias psíquicas, donde el yo no permanece único ni indivisible, como quisiéramos los seres presuntamente normales y civilizados. Fernando Pessoa, a la manera de Arthur Rimbaud, alcanza lo desconocido aun pasando por el desarreglo de todos los sentidos, hasta poder experimentar ese concepto vertido por el escritor francés: “Yo es otro”, que en este caso sería no solo diferente, sino múltiple y también plural.   
G.A.: ¿Qué aspectos de este notable poeta te interesaron resaltar en la obra?
A.M.: La obra de teatro plantea un último e imposible encuentro en la vida de Fernando Pessoa con sus heterónimos. El escritor portugués, con su enfermedad y su padecimiento a cuestas, intenta ordenar su inmensa y heterogénea obra, preservada en un viejo baúl.  Esta puesta parte de su “drama en gente”, como él lo llamaba y permite que los personajes de su invención, estos otros yo, tomen la palabra y lo desafíen. En este espacio surrealista discutirán sobre el amor y sobre la muerte, poniendo en juego sus diferentes perspectivas, y  distintos estilos de escritura, pero más que nada reflexionarán sobre el sentido de la vida.
La idea de una convivencia, un universo de pensamientos imaginarios, contenidos oníricos y reminiscencias, sensaciones, trazos de una vida no vivida, y las experiencias reales que se suceden e intercambian generando un espacio con una poética con caracteres propios, tan peculiar como universal, de manera que hoy podemos hablar de lo pessoneano, tal como designamos a lo borgeano o lo kafkiano.
La confrontación entre una obra colosal por su contenido, talento e ideología y al mismo tiempo una biografía donde se consolida un estado de renuncia a las adquisiciones materiales, un afecto por la contemplación de la vida, como si esta fuera un escenario. 
La inclusión en medio del debate de ideas, y la proximidad de la muerte, de una historia de amor inconcluso, como lo fue su relación con Ofelia Queiroz. Esta mujer irrumpe en la escena sin estar invitada, desea comprobar si aquel hombre a quien amó y quien la terminó dejando, para consagrase a un destino que el entendía como superior: la literatura, efectivamente consiguió realizar su cometido.   
 G.A.: Pichón Riviere refiriéndose a Van Gogh y a Artaud señala que en estos dos grandes artistas considerados como “locos” hubo momentos de lucidez significativa que les permitió a pesar de sus problemáticas de personalidad dejar  una  gran obra artística. ¿Pensás que el caso de Pessoa guarda algún grado de similitud con los otros dos?
 A.M.: Podemos hablar del “caso Pessoa” por un lado, ya que el escritor fue tratado como un loco, y exponía ciertas conductas excéntricas.  Además estuvo internado un tiempo en una clínica por una patología psiquiátrica. Y el mismo se auto diagnosticaba rotulándose como histérico neurasténico, ya que leía a Sigmund Freud y de hecho, publicó un tratado extenso e interesantísimo sobre Genio y Locura, donde aborda  ambos temas. Pero la complejidad de la invención pessoneana es tal, y tan atractiva como irrebatible su lógica, así como amplio el dominio que ejerce sobre ella, que se inscribe en el ámbito elevado de los actos sublimatorios, llegando a la genialidad. Y no todos los pacientes pueden lidiar con  su padecimiento y realizar con eso, tamaña obra de arte, un atributo de pocos que llegan a la hazaña.
 G.A.: ¿Hasta cuándo estará en cartel “Pessoa escrito en su nombre”?
 A.M.: En principio estaremos en cartel durante tres meses y si el público nos acompaña podremos continuar haciendo funciones. Estamos muy entusiasmados con la obra y con el hecho de que, si bien presenta la vida y obra de Fernando Pessoa, no es necesario conocerlo para disfrutar de ella, ya que es un acontecimiento eminentemente teatral. Hay una dramaturgia que opera con un conflicto muy claro, y escenas de situaciones dramáticas y peripecias donde el espectador se va a identificar sin dudas.
G.A.: ¿Algún proyecto para el futuro cercano?
 A.M.: Continuar con “Frankenstein, la criatura sin nombre” junto al grupo de jóvenes Los Gascones, que va los domingos a las 19 hs también en Andamio 90.
 También se repone por cuatro funciones “Como si fuera un Crimen”, la obra sobre el universo de Roberto Arlt, con la que estuvimos haciendo temporada el año pasado. Ahora en una sala del Banco Credicoop en La Plata 1435 CABA el 4, 11, 18 y 25 de abril a las 21hs.
Y estoy empezando a investigar algo sobre el mundo del escritor Horacio Quiroga y su literatura plantada en medio de la selva. Esa idea que manejaba de que la libertad del hombre se juega luchando contra la naturaleza con una férrea voluntad, pero es un proyecto que aún está muy en pañales.

*Alfredo Martin: Dramaturgo, director,  actor y docente; Psicoanalista y Psiquiatra. En su rol de dramaturgo y director, presentó una multiplicidad de propuestas, siendo las últimas: “Díptico Kafkiano”, sobre el cuento “La Metamorfosis” y la novela “El Proceso”, de Franz Kafka (Teatro Del Borde, Año 2014);  ”Frankenstein”, “La Criatura sin Nombre”, sobre la famosa novela de Mary Shelley (Teatro Andamio 90, Año 2014); “Como si fuera un crimen”, sobre diferentes relatos de Roberto Arlt (Teatro Pan & Teatro – Andamio 90, Años 2013 y 2014);  ”Todo Disfraz Repugna a Quien lo Lleva”, sobre cuentos de Silvina Ocampo (Teatro del Borde, Año 2013) -pieza nominada en “Mejor Dirección” para los Premios Luisa Vehil-; “Niños de Madera”, inspirada en Pinocho de Carlo Collodi, interpretada por el grupo de actores adolescentes Los Gascones (Teatro Andamio, Año 2013) -pieza premiada en el marco del Festival “Vamos que venimos” y Nominada en “Mejor Dirección” para los Premios Florencio Sánchez-; “Dirán que fue la Noche”, sobre poemas de autoras Rioplatenses (Teatro La Scala de San Telmo, Año 2013); “Lo que llevo de ausencia”, sobre el cuento “A la diestra” de Haroldo Conti (Teatro del Borde, Años 2012 y 2013) -espectáculo nominado para los premios “Mundo T” en dramaturgia y dirección  y para el “Teatro del Mundo/ UBA” en dramaturgia; Declarado de Interés Cultural de la Municipalidad de la Ciudad de Chacabuco.
Participó entre otros del Festival Escena 2011 y del Festival Internacional Gombrowicz, Radom, Polonia.

(Entrevista realizada en Abril de 2015)

“Pessoa, escrito en su nombre”

Ficha Técnica: Dramaturgia: Alfredo Martín, basado en diferentes textos y en la vida de Fernando Pessoa. Intérpretes: Marcelo Bucossi (Fernando Pessoa), Dolores Pérez Demaría (Isabel), Leonel Dolara (Álvaro de Campos), Mariano Scovenna (Alberto Caeiro), Daniel Begino (Ricardo Reis), Lorena Szekely (Ofelia Queiróz); Escenografía e Iluminación: Gonzalo Córdova; Asistente de Escenografía: Isabel Gual; Diseño de Sonidos: Mariano Schreier; Vestuario: Jessica Menéndez; Fotografía: Sol Atta; Producción: Graciela Gallo; Diseño Gráfico: Gustavo Reverdito; Make up: Eugenia Marana; Asistente de Dirección: Cinthia Demarco; Dirección: Alfredo Martín; Duración del espectáculo: 75 minutos.

 Sinopsis: Fernando Pessoa al final de su vida, se reúne en una casa de salud con los personajes de su invención, su “Drama en gente”. Mientras el escritor intenta dejar organizada su colosal obra literaria, lo visitan, el mundano Álvaro de Campos; Bernardo Soares, ese empleado de comercio taciturno; el maestro fallecido Alberto Caeiro; el médico exiliado Ricardo Reis, con sus ideas monárquicas y el filósofo loco Antonio Moura, entre otros. Un encuentro metafísico y espiritual al que se agrega la mujer a quien amó: Ofelia Queiróz, ella irrumpe sin ser invitada para despedirse de su compañero y amante.  A un paso de lo desconocido, se van ajustando algunas cuentas pendientes. Un debate poético sobre el amor y la filosofía pero, más que ninguna otra cosa, sobre el sentido de la vida.

La entrada Alfredo Martín*, “Pessoa escrito en su nombre”, en Andamio´90 se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

G.A. ¿Cómo surge “Tal  para Cual”?
B.B. Este disco es un homenaje a mis viejos, la particularidad es que toco muy poco el saxo y básicamente toco el piano y canto. Son todas composiciones mías, tangos, milongas y algunas canciones.
G.A. Cuando escuchamos este disco  realmente aparece esta capacidad de asombro por este nuevo estilo de cantar y componer.  También es importante porque vos tenés  toda una trayectoria que has logrado a través de los años sólo o con grupos y esto de tomar desafíos, nuevos riesgos, qué importante  es para el artista…
B.B. Sin duda,  creo que  es una instancia que uno no debe abandonar,  porque sino entra en la repetición de clisés y de cosas que ya  están hechas y ahí se produce a mi juicio como un estancamiento. Coincido con lo que ustedes dicen. Esta circunstancia de cantar mis propias composiciones, músicas y letras y de tocar el piano, fue todo un proceso interno que tuve que hacer, hasta  llegar a la decisión de hacer los arreglos, llamar a los músicos y entrar al estudio a grabarlos. Grabé todas las bases y después grabé las voces, y ese proceso de grabar las voces fue también como un periodo de aprendizaje porque era una experiencia muy nueva. Junto con eso empezar a mentalizarme que estoy grabando un disco donde canto y toco el piano y luego  pensar que tengo que salir a escena y  que alguien me tiene que presentar-
Lo estamos presentando  desde diciembre pasado en un lugar muy bonito, que se llama “Pista Urbana” ubicado en Chacabuco  874,   íntimo, pequeño donde hay un piano de cuarto de cola hermosísimo, y hay un espacio importante para los músicos porque no me presento sólo sino con un quinteto  Juan Barrueco en guitarra, que es mi amigo de toda la vida, Fernando Galimany en contrabajo, un chico jovencito que toca el  bandoneón Nico Maceratesi que es muy bueno y mi hijo Marcelo Baraj en batería.
El contacto es muy próximo con la gente, y donde tocamos de manera muy acústica y eso me gusta mucho, los dueños son amorosos, hay una onda muy humana y muy particular.
G.A. ¿La interpretación vocal era una deuda pendiente?
B.B. Eso sí es algo nuevo, tampoco me lo planteaba como una deuda pendiente porque no era algo que yo pensara que  iba a hacer alguna vez, en realidad estaba totalmente fuera de mis cálculos. Pasó que hace ya  unos  años atrás hicimos un dúo con Mirta Braylan. Era  hora de ponernos a  trabajar en este proyecto y ella  lógicamente iba a cantar porque es una gran cantante y guitarrista.
G.A. Si, la hemos tenido en nuestro programa radial…
B.B. Le digo obviamente vos vas a cantar y tocar la guitarra,   yo voy a tocar los saxos y la flauta y te puedo acompañar con el piano un par de  canciones como para darle un matiz, tener otros colores, entonces ella  me dice pero vas a cantar  y yo le digo ni loco voy a cantar,  si nunca canté y pero  tenés un lindo timbre de voz y  tenés que cantar, bueno me convenció rápidamente, debo ser franco. Inmediatamente me puse a vocalizar y a estudiar canto. En ese momento  fue que surgió  esta posibilidad de canto y se lo agradezco  a ella, sino a mí no se me hubiera ocurrido.
G.A.  Vos pensás que ella tuvo incidencia…
B.B. Sin duda, absolutamente,  medio que me obligó, porque la primera reacción mía fue decirle no.
G.A. Cóntanos un poco,  este público que está  acostumbrado a un Bernardo Baraj desde otro lugar ¿cómo te recibe en esta nueva faceta?…
B.B.Bien, yo me siento muy feliz y  me siento muy cómodo en esta nueva circunstancia.
G.A. Trasmitís felicidad.
B.B. Si me siento muy feliz. Por  supuesto que este proyecto donde canto y toco el piano no deja de lado mis instrumentos que siempre he tocado toda mi vida.   De hecho tengo un cuarteto de jazz con el que toco con frecuencia, y  hay algunos proyectos para este año para hacer cosas con el saxo que ya  les contaré.
Pero esta posibilidad de sentarme en el piano y cantar mis canciones, siento que estoy en un lugar en el piano sentado donde tengo como un vínculo con el público más distendido y me puedo comunicar de otra manera, el show es muy ameno. Siempre  agradezco a la gente que viene a  escuchar, el hecho de que tengan esta disposición a  escuchar un repertorio totalmente nuevo porque una cosa es ir a ver a un cantante que ya le conocen los temas y están esperando que cante el que le gusta a él o  piensan ahora va a cantar este tema o tal otro…
G.A. En este caso es una experiencia diferente…
B.B. Es una experiencia diferente salvo alguno que escuche algún  programa de radio como en el caso de esta noche y diga yo ya este lo escuché en este programa, entonces  es una situación un poco más árida desde el punto de vista de la dificultad que tiene la gente como para captar.
Pero más allá de eso se da un  vínculo muy particular con  la gente que permite digamos  como limar un poco esa aspereza por llamarlo de alguna manera.
G.A. Posibilita como decís vos un clima muy particular y de mucha relación con el público.
B.B.Absolutamente
G.A. Hay un homenaje a tus padres en tu CD…
B.B. Sí, todo el trabajo está dedicado a ellos, pero puntualmente el tema que da nombre al disco se llama “Tal para cual” y ese es el tema que yo  le dedico a ellos, es una milonga, milonga rápida medio candombe, y en el estribillo  hace referencia a mis viejos y dice: cuando mis viejos bailaban la milonga primordial yo en el cordón  los miraba tal para cual y hoy  que ellos ya se marcharon a bailar a otro lugar  yo los revivo en milonga tal para cual.
Lo curioso de esto es que es una metáfora porque ellos no bailaban tango ni bailaban  milonga, pero  yo que sí bailo tango -porque  ya hace muchos años que  bailo y me gusta ir a bailar  y creo hacerlo bastante bien-, sé perfectamente que para transitar una pista de baile con una compañera hace falta un acuerdo tácito y hace falta una armonía que si esto no está implícito en el baile, esto no sucede.
G.A. La mujer se tiene que entregar, hay una fusión…
B.B.La mujer se tiene que entregar, el hombre tiene que saber llevarla, tiene que haber una armonía, y  en esa situación cuando esto sucede, algo pasa en el sentido de  que uno es tal para cual  con el otro, y está es la metáfora. El recuerdo que yo tengo de mis viejos -pese a que mi papá murió cuando yo era muy chico no había cumplido nueve años-, en este sentido era tal para cual y esta metáfora los homenajea y los menciona.
G.A. En general cuando uno recuerda el paso del tiempo, añora aquella época, y siente nostalgia y melancolía, en cambio en vos se te siente muy  entusiasmado por los nuevos proyectos y no aparece ese sentimiento nostálgico por aquellos grupos que han hecho historia como “Alma y Vida” y los diferentes tríos importantes que has transitado…
B.B.Si estoy muy entusiasmado, no tengo esa melancolía, tengo otra melancolía que me es propia pero que por supuesto no me parece que sea el espacio adecuado para manifestarla. Tengo una melancolía reconocida, y además este disco tiene algunos aspectos melancólicos, aquel que lo escuche  integralmente podrá reconocerlo,  pero no en este sentido, no esta cosa de estar pendiente del pasado y de añorar situaciones, para nada, siempre me gustó vivir el presente y disfrutarlo y  lo que hablábamos antes de esta posibilidad de nuevos desafíos siempre a uno lo pone en acción y con una adrenalina y con una  posibilidad creativa nueva, eso es muy bueno.
G.A. Cómo decía el flaco Spinetta, aunque me fuercen nunca  voy a decir que todo tiempo por  pasado fue  mejor”, en ese disco de Artaud.
B.B. Con el flaco tuve la fortuna de tocar un año con él,  con la banda Spinetta, en el año 78, cuando grabó ese disco muy jazzero “a 18 minutos del sol”, que era un disco con músicos de jazz, esencialmente, yo entré a  esa formación cuando el disco  ya estaba grabado, así que me la perdí, pero  tuve la fortuna  de compartir con él un año maravilloso de música,  de amistad y de anécdotas.
G.A.   Siempre nos pareció una persona muy sensible y muy coherente…
B.B.Sí, sí,  muy consecuente con su manera de pensar y con  su actitud frente a su arte. Coherente y consecuente con su propio  deseo y  con su sensibilidad.
G.A. Eso nos pareció muy valioso. Leyendo un libro de Miguel Grinberg, “Como viene la mano” te nombran a vos porque tiene que ver con el comienzo de “La Cueva”, de todo el grupo de rock y  contaba Miguel que vos estabas haciendo jazz.
B.B.Si, había un cuarteto y tocábamos jazz y tocábamos una mezcla de cosas, pero para la gente que iba que era  esencialmente rockera tocábamos jazz, pero también hacíamos algunos covers de los Rolling Stone, de los Beatles.
G.A.  De aquella  década del 70,  en el cual estaba Alma y Vida, y varios grupos importantes, se nos hace  que fue una década dorada del rock argentino…
B.B.Si, había muchos grupos, muy  diferentes, con una marcada personalidad cada uno y además eran épocas donde todavía  la industria del disco no intervenía en la producción creativa, lo que sucedía creativamente era lo que los músicos teníamos ganas de hacer y lo que nos pasaba por dentro, por eso había grupos como Los Gatos, Vox Dei, Manal, Arco Iris, Alma Vida y tantos otros.
G.A. Grupos muy fuertes en esa década, Pescado, Invisible…
B.B. Los grupos del Flaco siempre fueron extraordinarios
G.A. Ese famoso tema “Hoy te queremos cantar”: siempre quedó la duda a quién se lo habían dedicado, se creó como una leyenda…
B.B.Sí, todo el mundo decía que estaba dedicado al Che Guevara, algunos decían a Cristo, otros a Perón, ocurrencias muy diversas. El autor de esa letra es Gustavo Moretto, el que era trompetista de la banda, además  gran músico, un tipo muy talentoso que ahora vive en Estados Unidos. En realidad esas eran épocas donde era muy frecuente  encontrar personajes paradigmáticos que tenían que ver con el deseo de la revolución, la creación de una sociedad más justa, de un mundo mejor, era un poco la inquietud de la época.
G.A. Después del  Mayo Francés del 68…
B.B.Claro después del Mayo Francés estaba en la juventud esa idea, entonces cuando Gustavo hizo esta letra, en realidad  esta pensada desde un personaje paradigmático de esa época,  pero que no tenía  nombre y apellido propio, siempre hubo una identificación con el Che Guevara , pero hay una parte de la letra que lo desmiente porque dice “te dejaron sangrando en la ciudad” y esa parte no coincidía, fue uno de los temas más importante de Alma y Vida.
G.A.  Pero es interesante como a veces se va creando esta idea popular, leyendo sobre el tema “Te recuerdo Amanda” de Victor Jara, también se creó  toda una idea acerca del sitio de la letra y resulta que Victor Jara lo había hecho en un lugar muy alejado y nada que ver con lo que se había creado a nivel popular.
B.B. Eso pasa,  cuando un tema se populariza, una canción, la gente la hace propia, hace su interpretación,  es la riqueza del hecho artístico, como la interpretación del que escucha,  del que mira, es como que le aporta y le  da un sentido y eso está muy bueno y no siempre  el sentido es el mismo.

* Entrevista realizada el martes 17 de Febrero de este año oportunidad en la cual Bernardo Baraj presentó en nuestro programa “Generación Abierta en Radio” su disco nuevo “Tal para Cual”.

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José Muchnik: En una entrevista para el periódico “Le Monde” Yves Bonnefoy afirma “La poesía es un pensamiento. No por las fórmulas que ella ofrecería en textos, sino por su reflexión, en el momento mismo en que adquiere forma. […] ¡No, ninguna escapada del campo poético! Más bien sugerir que todos los pensamientos de una sociedad deberían ocupar su lugar en el mismo, aún los consejos de la ciencia, aún el debate político”1. En este sentido ¿Sería posible / realizable que la poesía interfiera en otros dominios / actividades? Como la ciencia, la política, el comercio…? ¿Para que servirían estas relaciones “heréticas”? ¿Tienen algún ejemplo al respecto?

Luis Calvo: Puedo pensar la relación de la poesía con otras disciplinas artísticas, como con la pintura o la música por citar dos ejemplos de mucho enriquecimiento –en muchas ocasiones-cuando se han reunido para un proyecto en común.
La poesía vinculada a estas disciplinas que vos señalás la asocio al Movimiento Surrealista, allá por la segunda década del Siglo XX, que si bien fue de características multidisciplinarias, en la literatura dio grandes nombres como André Bretón, Paul Eluard y Antonin Artaud, por citar sólo algunos escritores y poetas.
Este movimiento se sintió identificado con la Psicología Profunda o Psicoanálisis fundado por Sigmund Freud- a pesar de que tenían diferencias teóricas- y por otra parte también se vinculó en política al Partido Comunista de aquel entonces, con diferencias en su propio seno -por dicha vinculación.
Lo más destacable a mi entender es el aporte que en el aspecto creativo generó para esta corriente artística –y para el arte en general- tomar aspectos del psicoanálisis como la asociación libre, el automatismo psíquico, los sueños, como fuentes inagotables para la imaginación creadora. En el caso del Surrealismo el automatismo puro fue pregonado por ellos como forma de expresión, a fin de que la mente no ejerza ningún control. La experiencia surrealista, sirvió para pensar también otro modo de concebir el mundo, indagando en lo más profundo del ser humano, a fin de intentar generar un hombre nuevo, sin ataduras, libres de represión.
Vos preguntás a que servirían las relaciones “heréticas” de la poesía con otros dominios de actividad. Hay un ejemplo muy interesante del Bar “Margot” en Buenos Aires, en el barrio de Boedo. Allí convive el mundo de la economía, en este caso gastronómica con el mundo de la poesía, a partir de un grupo de escritores que hace años desarrollan allí sus actividades culturales en beneficio del barrio. Entre otras cosas, los comensales suelen encontrarse en sus mesas con manteles de papel, escritos con poemas de poetas de diversas épocas, lo cual contribuye a difundir la poesía en un lugar poco habitual, acercándola a la gente.

Francis Combes: La poesía no puede desinteresarse de los otros dominios de la vida social. La poesía progresa, en general, en contacto con lo que no es juzgado a priori “poético”. Con la realidad prosaica del mundo… Si quedaría encerrada en su propio mundo no tardaría en secarse de pié. Por supuesto, esta confrontación con el mundo no deja de plantear cuestiones a los poetas. Por ejemplo ¿qué es la poesía de una época científica? Durante mucho tiempo los poetas han soñado con enlazar los cometas para montarlos ¡y esta semana la sonda europea Rosetta a logrado alcanzar el cometa Tchouriomov-Guerassimenko à 400 millones de km de la Tierra! Lo maravilloso (como lo horrible) nos rodea. Se trata de un desafío para la imaginación preguntarse si todavía es posible soñar… Existen sin duda en las aventuras modernas de la ciencia y la tecnología las fuentes de una maravillosa renovación.
En el otro sentido, sabemos que muchos científicos se interesan a la poesía. No sólo para cambiar sus ideas, sino también porque a veces encuentran en la poesía, intuiciones, imágenes, estimulaciones…
En lo que concierne el mundo de la economía y de la mercancía, compruebo que la publicidad utiliza diariamente las técnicas de la poesía: el slogan, la rima, la imagen, la metáfora… Ahí la cuestión es que los poetas recuperen lo que la publicidad les ha robado. Y que se sirvan para conducir a su manera la crítica del reino de la economía y del dinero…
En cuanto a la política, ella tendría gran necesidad de una nueva unión con el aliento de la poesía. Es decir con la esperanza y el ideal de progreso para salir del zanjón de la gestión diaria de los pequeños negocios del capital que nos lleva hacia la guerra y el abismo, humano, social y ecológico. Para ello es necesario que la poesía interfiera en la política.

José Muchnik: La digitalización implicó cambios fundamentales en los modos de comunicación, en la constitución de redes sociales, en la difusión de la producción literaria, cientos de asociaciones virtuales se constituyeron, miles de blogs irrumpieron en la web. La revista Generación Abierta que dirige Luis Raúl Calvo acaba de cumplir en Argentina 25 años de existencia. Francis Combes acaba de lanzar en Francia la revista “Zone Sensible”. Me gustaría preguntarles ¿En la era del Internet, porqué insistir con la difusión de la poesía impresa en papel?

Luis Raúl Calvo:Recuerdo que hasta el año 1997, 1998, a la redacción de nuestra Revista “Generación Abierta”, llegaba semanalmente mucho material impreso de poesía de diferentes partes del mundo. A menos de veinte años, esa cifra en nuestro país ha mermado ostensiblemente. ¿Qué ocurrió, los poetas ya no publican libros en papel sino que se han volcado a los libros electrónicos? Nada de eso, en Argentina, cada vez se envían menos libros por correo por un tema económico ya que se quitó hace años una especie de subsidio que favorecía dicho sistema, pero se siguen publicando muchos libros de poesía en papel.
Donde sí se siente el cambio actualmente es en la masiva difusión de poesía en revistas literarias virtuales. Por citar un ejemplo, de las aproximadamente cien revistas literarias que se publicaban hasta fines de los años 90, en Buenos Aires y Gran Buenos Aires, han sobrevivido  muy pocas.
Los sitios web o blog, que cuestan mucho menos que una publicación impresa han tomado el espacio que antes ocupaban estas, con la ventaja económica y de tiempo para los autores que pueden enviar sus textos por internet.
Si nos preguntamos por qué los poetas siguen publicando sus libros en forma impresa, concluyo por charlas que he tenido con muchos pares, la causa más gravitante es que el libro como objeto estético sigue teniendo un peso importante a la hora de tomar una decisión, sumado a que en el caso de los poetas, acostumbrados a intercambiar sus libros con otros poetas, en ese intercambio también se juega un vínculo afectivo y de pertenencia a una misma militancia cultural.

Seguramente con el correr del tiempo, en la medida que el libro electrónico tenga más presencia en el mercado editorial esta tendencia podrá revertirse, ya que avanzamos a pasos agigantados hacia una presencia virtual en casi todos los planos de la vida cotidiana, algo que parece muy natural para las nuevas generaciones que nacieron con la informática, que por tal motivo no vivirán este cambio como una pérdida de lo anterior, algo que sí sienten y experimentan muchas veces las generaciones anteriores.

Francis Combes:Internet es un reservorio enorme del cual podemos alimentarnos. Está constituyéndose en un exo-cerebro gigante de la humanidad… lo que es a la vez una amenaza y un avance.
Internet ya ha cambiado algunas cosas en la difusión de la poesía. Muchos poetas tienen blogs y millones de poemas (no siempre buenos) circulan diariamente en la web… De todos modos, en la medida en que la poesía se adapta bien a su difusión gratuita, podemos considerar que se trata de una nueva oportunidad para la poesía.
¿Suprime esto el libro o la revista? No lo creo. De la misma manera que la invención de la rueda no ha suprimido la marcha a pié (aún si caminamos sin duda menos que el hombre de Neandertal). El papel permanece indispensable. En primer lugar para seleccionar, habría que imprimir sólo lo que valga la pena… El papel permite de ponerse en modo “pausa”, de tomar distancia, de soñar, de reflexionar, de volver hacia atrás, hasta de borronear al margen (por mi parte, lo hago a menudo)… Permite también de conservar un rastro, pues como dice el adagio “las palabras se van, los escritos quedan”. Y además está el placer de tener en su mano un libro que amamos… ¡El amor virtual no puede reemplazar todo!
Para terminar, habría que precisar que la poesía en papel no se reduce a la forma del libro o de la revista. Por ejemplo, nuestra asociación, la Biennale Internationale des Poètes en Val du Marne, realiza una campaña casi permanente de difusión de la poesía a través de afiches que pegamos en las paredes de las ciudades o de postales poéticas que regalamos en los mercados… Es también un medio de popularizar la poesía de hoy en día frente a un público más amplio que el público restringido de los amateurs conocedores.

Nota: esta entrevista será publicada en francés en la revista Zone Sensible. Traducción del castellano al francés (respuestas de Luis Raúl Calvo) realizada por José Muchnik.
*Poeta argentino, director de la revista Generación Abierta
**Poeta francés, director de la Biennale Internationale des Poètes du Val de Marne y de la revista Zone Sensible.

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El viernes 20 de Marzo del corriente año, se festejó en el Café  “Montserrat”  los primeros 500 encuentros del Café Literario “Antonio Aliberti”, ciclo literario y de arte organizado por el Grupo “Generación Abierta”, fundado en Junio de 1992 en dicho lugar por Antonio Aliberti (se le puso dicho nombre al ciclo en el año 2000 a raíz de su fallecimiento), Julio Bepré, Luis Benítez (se alejó en 1993) y Luis Raúl Calvo.
Fue una noche muy emotiva y de celebración por la continuidad de dicho espacio cultural a lo largo del tiempo.
Las palabras alusivas estuvieron a cargo de los poetas Marcos Silber y de Julio Bepré, junto a Mariana Cambre, anfitriona del lugar y coordinadora de la parte de Artes Visuales.
Posteriormente hubo lectura de poesía a cargo de Héctor Miguel Ángeli, Rubén Balseiro, Norberto Barleand, Graciela Maturo, Olga Reni, Roberto Romeo Di Vita, Rafael Vásquez.
En el segmento de Poetas en el Recuerdo, Nora Nardo leyó poemas de Antonio Aliberti, y en  Microficciones participó Silvia Long-Ohni.
La parte musical estuvo a cargo de Paco Rizzo y de Luis Raúl Calvo, quien interpretó el tema de su autoría “Al Sur en Montserrat” dedicado al Café “Montserrat”/Café Literario “Antonio Aliberti”.
Es necesario hacer un poco de historia para entender como se conformó este colectivo cultural independiente y de suma trascendencia que se ha mantenido a lo largo del tiempo.
En el año 1989, paralelamente a la aparición de los primeros números de la Revista “Generación Abierta”, dicho grupo cultural  comenzó a organizar su primer Café Literario en la ”Confitería de la Galería del Pasaje de la Defensa”, en San Telmo. En 1990 el ciclo se trasladó al Café ”Karavana” en la calle Balcarce 1050, y en 1991 continuaron dicha actividad cultural en el Bar ”Cartagena” ubicado en Av. Entre Ríos e  Independencia. Los encuentros se realizaban los días sábados de 18 a 20 hs  en forma quincenal.
En los diferentes lugares la afluencia del público espectador siempre fue masiva, y de gran aceptación. El objetivo de dichos encuentros siempre fue integrar las diferentes artes a  través de lecturas de poesía con poetas invitados, inauguraciones de muestras de Artes Visuales de diferentes artistas, muestras de poemas ilustrados, música, teatro. Por aquellos años el grupo organizador estuvo integrado por Luis Raúl Calvo, Adriana Gaspar, Patricia Fayt, Carlos Fayt, Kelly Gavinoser, Susana Torralbo, Adrián Gale, Daniel Liev y Osvaldo Raznovich.
A fines de este año Luis Raúl Calvo se integró a la actividad literaria que venían desarrollando los poetas Antonio Aliberti, Amadeo Gravino, Luis Benítez, Fernando Kofman y Julio Bepré -quienes a su vez se incorporaron al Grupo Revista “Generación Abierta”–  en el Café ”The Loft”, ubicado en Córdoba y Carlos Pellegrini.

Este mismo grupo salvo  Amadeo Gravino y Fernando Kofman, en Junio de 1992 se trasladó al Café ”Montserrat”, ubicado en San José 524 y continuó allí con su actividad cultural hasta el año 1997. Luis Benítez se alejó del grupo en 1993 por motivos personales.
Por aquellos años participaron también en la organización en forma alternada los poetas Leonardo Martínez, Rubén Balseiro, Esteban Moore, Julio Viña, Estela Kallay, Jack Feldman y Luis Carrizo.

Durante 1997 y  1998 el café literario se llevó a cabo en el Café ”A los poetas” ubicado en Sarmiento y Montevideo siendo los organizadores Antonio Aliberti, Julio Bepré, Luis Raúl Calvo y Estela Kallay.

En 1999 el mismo grupo recaló circunstancialmente en dos cafés de Av. de Mayo, incorporándose en ese momento el poeta Amadeo Gravino. 
Durante todos esos años la parte de Artes Visuales estuvo a cargo de la artista visual Adriana Gaspar quien organizaba muestras de diferentes artistas comos así también muestras de poesía ilustrada, manteniendo un diálogo con los mismos.
En Abril de 2000 regresaron al Café ”Montserrat”. A partir de entonces  los encuentros que se realizaban semanalmente los días lunes comenzaron a llevarse a cabo los primeros y terceros viernes de cada mes, de 20 a 22 hs desde Marzo hasta Noviembre inclusive.
 A partir del año 2000, a raíz del fallecimiento de uno de sus fundadores, Antonio Aliberti, el ciclo, por voluntad del resto del grupo organizador lleva su nombre.

Debido al retiro de Estela Kallay en ese año,  se incorporó  la poeta María Elena Rocchio quien se alejó del grupo en el año 2011.
   Desde sus comienzos se caracterizó por ser un un espacio de encuentro, debate y reflexión de las diferentes estéticas poéticas y artísticas. La programación incluye lectura programada a cargo de poetas invitados.
El ciclo actualmente es coordinado por Luis Raúl Calvo, Julio Bepré y Amadeo Gravino.
Desde el año 2000 Paco Rizzo colabora en la parte musical y Mariana Cambre en Artes Visuales, quien organiza las muestras y mantiene un diálogo con los artistas expositores.
Desde el año 2014 colaboran las escritoras Susana Aguad en el segmento de Microficciones y Nora Patricia Nardo en el segmento Poetas en el Recuerdo, cuya finalidad es recordar a grandes poetas ya fallecidos.
Han participado hasta la fecha más de 2000 poetas y más de 800 artistas plásticos, personalidades de suma valía, de nuestro país y del exterior. Más de 22 años de permanencia ininterrumpida, sumado a la jerarquía de los poetas y artistas participantes y a la gran convocatoria de gente que concurre a cada encuentro han transformado al Café Literario “Antonio Aliberti” en uno de los referentes más importantes en cuanto a espacios de cultura independiente que se llevan a cabo en Argentina. La sede es el Café “Montserrat” (Declarado Bar Notable en 2014) ubicado en la calle San José 524 de esta capital.

CAFÉ  MONTSERRAT

a Luis Calvo, Amadeo Gravino y Julio Bepré

Tus paredes se asombran con cuadros diferentes
y el color te interroga su pregunta más nueva.
Debajo está el ladrillo.
Y en un rincón los adoquines grises.
Las mesas guardan ecos de palabras y trazos
con que nos dedicamos historias y recuerdos
mientras nos anochece con el café y el vino.
Pero todo está vivo.
Como el tango que dice la guitarra de Pako
mientras su canto entona los versos que sabemos.
La costumbre del aire que se respira sabe
despertar otros versos, los que enciende el poema.
¿Dónde quedan los ecos que atesora la vida
para volver con ganas? ¿Dónde guardás las sombras?
Marcos te dio una noche su bendición agnóstica
cuando te impuso cátedra del café que nos guarda.
Y los amigos saben dónde está cada silla,
cada libro despierto, cada encuentro sin cita.

Tus paredes se ensanchan cada vez que nos vemos.

                                               Rafael  Vásquez

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Introducción
           
Desde el nombre de varias escuelas secundarias y centros culturales hasta las lecturas sugeridas en los diseños curriculares, la obra de Federico García Lorca tiene una gran presencia en la educación argentina actual.
El sitio web “educ.ar”, un portal educativo del Ministerio de Educación Argentino, ofrece una serie de actividades sugeridas a partir del Romancero gitano, bajo el título “Los Romances de García Lorca”. Asimismo, en este sitio puede descargarse un video explicativo sobre la obra del autor. En esta misma línea, los Diseños Curriculares oficiales para las materias Prácticas del Lenguaje y Literatura, de Nivel Secundario, presentan como lecturas sugeridas: Romancero gitano, poemas varios, La zapatera prodigiosa y Doña Rosita la soltera.
¿Cuál sería la particularidad de contar con la obra de García Lorca entre las lecturas escolares en la Argentina?
Desde la recuperación de la democracia en 1983, se ha emprendido un camino de reconstrucción educativa, con sus vaivenes, sus conflictos, sus aciertos. Con mayor claridad, desde el año 2003, la reivindicación de los valores democráticos relacionados a la memoria, la verdad y la justicia ha pasado a ocupar un lugar preponderante en el desarrollo curricular nacional. La desaparición de Federico García Lorca en 1936 por cuestiones políticas es la desaparición de los 30.000 en la Argentina entre 1976 y 1983. Lorca es un nosotros inmenso que nos abraza en la tristeza compartida, en la necesidad de construir un mundo más justo; nos abraza con la bandera de los perseguidos, con el furor de la memoria como espada.
Desde mi particular análisis como docente de la Escuela Secundaria en la provincia de Buenos Aires, habiendo trabajado con la obra de Lorca durante varios años en diferentes grupos escolares, puedo afirmar que el abordaje de la obra poética lorquiana en el aula constituye una experiencia que trasciende lo anecdótico para generar un verdadero espacio de reflexión. Una reflexión que pone en cuestión tanto la tarea del educador como la construcción del conocimiento escolar, la selección de “herramientas” en el sentido dado por Lev Vigotsky, y la visión del sujeto-alumno contemporáneo.
En este ensayo, se pensarán cada uno de estos puntos y sus múltiples aperturas. Para ello, cada idea se expondrá de manera breve, ordenada por títulos numerados, con la intención de fragmentar los puntos críticos en espacios de libertad para el lector que puedan funcionar como generadores de nuevas ideas. 

1. Lorca y la lengua española

“Sal tú, bebiendo campos y ciudades”
RAFAEL ALBERTI, “A FEDERICO GARCÍA LORCA”

Lorca es la poesía enseñada en su música más intensa, más visible. El octosílabo de los Romances no deja que la atención/tensión se escape. Hay un juego de seducción irresistible donde lo palpable compite como imagen con las nuevas tecnologías sin desventajas. La poesía de Lorca tiene cuerpo. La edad de Lorca es la edad del cuerpo.
La tradición renovada. Lírica “neopopularista” han señalado algunos críticos. Elementos folklóricos que renacen, demostrando su posibilidad de pensarse como actualidades significantes. El corte no es con la tradición, es con sus superficies. El pasado histórico cobra importancia como contenido escolar, embellecido por los símbolos de la poesía. Lo antiguo no es viejo, es también parte del hoy. Un hoy vacío sin tradición, vaciado por las políticas materialistas del neoliberalismo (décadas del ’70 y ’90); lo anglosajón como modelo, el spanglish como fenómeno lingüístico creciente.
Lorca es renovación.

Tradición.
Construcción posible de una conciencia de pertenencia desde la lengua.

2. Espacios del afuera, Vida y Cultura

“Federico García Lorca! Era popular como una guitarra, alegre, melancólico, profundo y claro como un niño, como el pueblo”
PABLO NERUDA
 
El conflicto, el jinete, la bella mujer y la muerte. Las higueras, los ángeles, el río, la boca de limón, el duende, la luna. Las imágenes de Lorca: espacios de magia, afueras del aula:

“La noche llama temblando
al cristal de los balcones,
perseguida por los mil
perros que no la conocen,
y un olor de vino y ámbar
viene de los corredores”

(“Muerto de amor”, Romancero gitano)

La cruda realidad social, la calle violenta, el hogar desarmado, son afueras oscuros, despreciados, generadores de interferencia. Y las conductas no son más que síntomas. En este marco, el afuera de la lectura es un afuera del afuera, un sitio al margen y no marginado; un espacio especial en el aula, no una escapatoria sino un tránsito luminoso. Las imágenes del romance contrastan con lo conocido, lo habitual inhabitable.
Se produce un asombro. Una mirada pura en éxtasis ante lo revelado. No hay indiferencia. ¿Negaciones? ¿Reticencias a la apertura? Tensiones que la clase presupone y que se juegan en las formas: Lorca suena, seduce, agita el aire, pasa y nos convoca personalmente. Nos habita.
También la cultura debe habitarnos, debe apropiarse ella del sujeto –siguiendo el enfoque de Vygotski-y no al revés. De ello se trata el proceso de internalización, posibilitado por lo que el pedagogo ruso denominó como “ley de doble formación”: lo social y lo individual en interacción para un aprendizaje verdadero, significativo. En nuestro caso, el diálogo entre lo social y lo individual está mediado (“instrumentos de mediación”) por la poesía de Federico García Lorca: hay un mundo exterior, comunitario, que llega resignificado en los versos y que funciona como un cristal para observar de una manera nueva a la realidad. La realidad circundante del alumno y a su vez la realidad co-temporal del poeta (la historia). Cruces simultáneos, diálogos entre la cultura gitana, el sociolecto bonaerense juvenil, la ideología lorquiana y la invasión de mensajes que la actual cultura de la información nos depara a cada instante; ¿Qué leemos al leer a Lorca? ¿Quiénes somos al leer a estos poemas? Somos otros tras esa experiencia, sin ninguna duda.

3. Movimiento y rebeldía

“A Federico se le ha comparado con un niño, se le puede comparar con un ángel, con un agua («mi corazón es un poco de agua pura», decía él en una carta), con una roca; en sus más tremendos momentos era impetuoso, clamoroso, mágico como una selva”
VICENTE ALEIXANDRE, “EVOCACIÓN DE FEDERICO GARCÍA LORCA”

“García Lorca es ante todo movilidad” ha señalado Mauro Armiño1; movilidad liberadora, subversión de los sentidos, inquietud perpetua, danza. Contrariando la lógica corriente del quietismo escolar, el reglamentarismo, la represión de los cuerpos. Lorca es liberación. Duende que hiere.

A Lorca se lo puede leer en movimiento, yendo hacia o desde, acercándose, bailando. No hace falta que la palabra se disponga ordenada, prolija en una estructura, en una sintaxis contracturada. El vuelo es permitido. La poesía se hace en el aula. Entre todos, con Lorca, con los que no han llegado.
Ha señalado Henry Giroux sobre el rol del profesor en la educación actual: “Un componente central de la categoría de intelectual transformativo es la necesidad de conseguir que lo pedagógico sea más político y lo político más pedagógico. Hacer lo pedagógico más político significa insertar la instrucción escolar directamente en la esfera política, al demostrarse que dicha instrucción representa una lucha para determinar el significado y al mismo tiempo una lucha en torno a las relaciones de poder”2. Mediante la poesía de Federico García Lorca como herramienta de mediación, el docente puede “transformar” las asperezas de la pedagogía tradicional en acciones políticas que habiliten un cambio real en las condiciones sociales de los alumnos. No hablamos de un lapsus recreativo, sino de una transformación profunda, verdadera, palpable; hablamos de lucha y de significado, significar las relaciones de poder, torcerlas, torcer la palabra opresora: 

¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem! ¡Ay, Harlem! No hay angustia comparable a tus rojos oprimidos, a tu sangre estremecida dentro del eclipse oscuro, a tu violencia granate sordomuda en la penumbra, a tu gran rey prisionero, con un traje de conserje.”

(“Oda al  rey de Harlem”, Poeta en Nueva York)

4. Lengua, poesía y misterio

“Primo de las manzanas, no podrá con tu savia la carcoma, no podrá con tu muerte la lengua del gusano”
MIGUEL HERNÁNDEZ, “ELEGÍA PRIMERA”

Lorca definió a la poesía en una conferencia brindada en Buenos Aires en 1933: “es la unión de dos palabras que uno nunca supuso que pudieran juntarse, y que forman algo así como un misterio”. Lorca es rebelión contra la lengua estándar, es la lengua del misterio, ruptura del orden, deconstrucción de la retórica.
El misterio se opone a un conocimiento único, verdadero, incuestionable. El misterio de la lengua. La lengua de lo imposible. La palabra subvertida, transformadora. La lengua contra-materialista. Apertura del poder, contra-hegemónica.
El docente tiende un puente hacia la lengua, puente de igualdades, de posibilidades; un puente para cruzar, no para separar. Desde el Poema del cante jondo al Diwán del Tamarit las texturas lorquianas funcionan como puentes. Canta el poeta en

“Tierra y Luna”: “Me quedo con el niño desnudo / que pisotean los borrachos de Brooklyn”, Lorca siempre cercano a los desposeídos, al niño y su mirada de Tierra. Lo simbólico forma parte de ese cruce entre nosotros.

5. Lo simbólico entre nosotros

“te cantaré la carne que no tienes, los ojos que te faltan”
ANTONIO MACHADO, “EL CRIMEN FUE EN GRANADA”

Atrapar jirones de la realidad en la adolescencia, o leer a Lorca. Atrapar la realidad en sus símbolos más profundos, el lenguaje de lo Otro. Ver tras lo evidente: “Bajo el agua / están las palabras” (“Burla de Don Pedro a caballo”, Romancero gitano).
Atrapar el poema, es decir, la calle, el aula, los afueras. Lorca: el Afuera.
Un Afuera hermano. Puente.
“Amor, amor, amor. Niñez del mar” (“Tu infancia en Menton”, Poeta en Nueva York), así la poesía: Amor y Niñez. Del mar. Libertad y otredad, movimiento. Guillen en el epígrafe con su “Oda a la celebración de la infancia”, Lorca y la celebración. La resignación es lo estático, lo callado. La lectura es fiesta.
Lacan distinguió entre lo real, lo imaginario y lo simbólico al hablar de los registros de “lo psíquico”. Todo pensamiento simbólico implica una base en lo real. Trabajar con los símbolos de la poesía de Lorca no significa que evadiremos al mundo material y sensible, sino que lo abordaremos desde otra perspectiva, desde un lado que nos permitirá abrir y cuestionar.
Lorca símbolo. Lorca padre.

6. El no decir, el “verde viento”

“Por esto te mataron, porque eras Verdor en nuestra tierra árida Y azul en nuestro oscuro aire”
LUIS CERNUDA, “A UN POETA MUERTO”

La imposición a “no decir”. El mal-decir, la voz adolescente. La no voz, la ilegítima. Lorca es decir lo no dicho. El verde viento. La posibilidad. Abrir las voces.
El viento que es nada. El control, la censura. No hay muerte de la palabra lorquiana, hay muerte en ella, ciclo, retoño. La muerte es fiesta. Luna. Río. Invitación.
En “El niño mudo” (Canciones) nos invita a la búsqueda de la “voz cautiva”, ese decir no escuchado, avasallado por la escuela tradicional, reproductivista, la escuela que deposita saberes estáticos. La poesía abre un espacio donde el alumno deja la pasividad, resquebraja el silencio y comparte su voz: “En su chaleco bordado / grillos ocultos palpitan” (“San Gabriel –Sevilla-”, Romancero gitano).
El docente valora ese puente, oye en un nosotros de igualdad, hace de esa voz un elemento didáctico, una herramienta. Leemos a Lorca en voz alta porque Lorca canta en voz alta. Nos canta y se canta sin diferencias. Aparece lo vedado y se ubica en primer plano. Construimos la lectura. Somos esa voz hecha de voces.

7. El espíritu de la lengua

“Y esta rabia que me grita
que no murió; le mataron”
GABRIEL CELAYA, “MEMORIA DE FEDERICO”

Algo más allá. Tras la música, y con ella. Tras el símbolo, y con él. Confín de la lengua, de lo dicho. Extremar la palabra. Tocar lo intacto. Experienciar. Esto nos permite Lorca.
La gramática sólo como llave, no como principio y fin. El otro lado planteado. La meta: alcanzar el borde. Romper la estructura, la clasificación muda, vivir la lengua. El espíritu de la lengua; ofrecer la posibilidad de comprender que hay algo más. Leer, escribir, saborear el plato antes intocable.
Para la escuela tradicional, el estudio de la lengua consistió en arrancarla de su ámbito social y en reprimir sus posibilidades creativas, en pos de estructurar un conocimiento medible y tecnificado. No hubo espacio para lo poético (o lo simbólico). El normativismo fue imperante: la única lengua posible era la del buen decir.
Entonces ¿qué nuevos planos se están abriendo hoy en día cuando incluimos a Lorca en los diseños curriculares de la Escuela Secundaria?
“Por el cielo va la luna / con un niño de la mano” (“Romance de la luna, luna”, Romancero gitano): la muerte, la muerte como paso, viaje, ¿y la muerte como muerte de la pasividad? El niño mira, el niño va. El niño pasa al decir. El tema prohibido aflora. El mundo es ahora mundo, totalidad. No hay tabúes. La lectura no se queda en superficies. La epifanía de un paraíso posible nos devuelve la capacidad de soñar.

8. Lo comunitario
 
“Lorca utiliza como medio de transmisión, como forma de enseñanza, ni más ni menos que las técnicas más antiguas y tradicionales, las técnicas más comunitarias y sociales”3.
La tesis es de Valentina Cantón Arjona y resulta sumamente interesante. En estos tiempos, en que el enfoque sociolingüístico intenta imponerse y borrar los resabios del estructuralismo y del generativismo, retomar el componente social y comunitario de la comunicación para pensar la lengua nos pone en el foco de la escena de la teoría didáctica. El poema como un bien social, como expansión de la lengua, ese objeto en uso que implica el estudio escolar. No hay enunciados aislados ni estructuras abstractas.
Hay sentido. Pensamiento. Un plus que las palabras ofrecen. Algo sumamente atractivo, que pone al alumno en una situación de participante. El aula como comunidad, la escuela, la familia, el poema que trasciende para explorar también otras zonas exteriores al pizarrón.
La sociolingüística define a la sociedad y al lenguaje como estructuras interrelacionadas basadas en las normas de la cultura. Así, la poesía y el estudio de la lengua no pueden considerarse como espacios aislados en la “celda” escolar, sino como partes del gran entramado de la cultura que re/construimos en el aula. Y esa re/construcción se realiza para reflexionar, para cuestionar, para mirar con nuevos ojos. No hay oraciones sueltas en el pizarrón, descontextualizadas, abstractas. No hay lógicas de verdadero o falso, ni estructuras con subestructuras señaladas con códigos. Hay otra cosa. Algo que nos impulsa, nos obliga, a pensar.

Hacia una lectura de la liberación

No agotamos aquí los enfoques posibles que la poesía de Federico García Lorca habilita para su trabajo en el aula de la Escuela Secundaria. Tampoco ha sido la intención establecer una propuesta didáctica cerrada. El objetivo central de este ensayo aspira a contribuir al pensamiento crítico de los contenidos curriculares (“el saber escolar”) y a ofrecer algunos aspectos de la poesía lorquiana como ejemplo de una lectura para la liberación.
La escuela actual, no sólo en Argentina sino en todo occidente, exige profundizar el cambio que comienza a transitar hacia una escuela que acompañe el desarrollo de un nuevo sujeto educativo con particularidades propias del tiempo en que vivimos. La violencia social, la marginación económica y cultural de ciertos sectores, la voracidad de la imagen en los medios de comunicación, la celeridad de la vida auspiciada por el modelo capitalista, las adicciones y otros factores fácilmente reconocibles son los obstáculos que “interfieren” entre el docente, las prácticas y el alumno. Interferencia que exige un puente para recomponer el diálogo fructífero que permita la construcción del conocimiento y la formación de valores humanos.
¿Puede la poesía contribuir a restaurar esta comunicación tan necesaria? No ha de ser la poesía en sí misma como un género milagroso, sino lo que cierta poesía puede decir para funcionar como una herramienta útil en pos de resignificar las “realidades”. En el caso de Lorca, hay suficientes motivos para considerar su poesía como un intenso punto de partida para plantear estas discusiones en torno a la didáctica de la lengua y la literatura que urgen a nuestras sociedades.

1Armiño, Mauro (1999). “Prólogo”. En: García Lorca. Antología poética. Madrid, Edaf.
2Giroux, Henry (1990). Los Profesores como Intelectuales, Hacia una Pedagogía Crítica del Aprendizaje. México, Paidós.
3Cantón Arjona, Valentina. “Federico García Lorca: Pedagogo. A cien años del nacimiento del poeta”, en: Correo del maestro, n°29, 3, 1998, pp. 41-48

Bibliografía

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La entrada La obra poética de Federico García Lorca en la Escuela Argentina actual se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

En lugar de escribir esta nota a partir de una determinada bibliografía, decidí, en cambio, tomar en cuenta mi experiencia personal, como adoptando la espontaneidad de los chicos.
En esta reflexión sobre el efecto de la lectura de historietas en la fantasía infantil, se abarca una franja etárea que va aproximadamente desde los seis hasta los trece años.
Y de este modo evoco recuerdos de mi infancia, una época lejana a la cual todavía no habían arribado la televisión, la computadora con Internet, los videojuegos y los celulares. En ese entonces los chicos leían historietas a granel. En mi caso, tuve la oportunidad de conseguir casi todas las revistas que se editaban en el país por intermedio de un amiguito que me las prestaba.  Su padre se las adquiría porque también a él  le gustaba leerlas, aunque se disculpaba diciendo que solo lo hacía para distraerse ya que trabajaba muchas horas al día. En aquel momento existía un gran prejuicio hacia el arte de las viñetas y los globos: se lo consideraba un producto menor y de pésimo gusto. Hablando de prejuicios, más adelante, cuando a partir de varios trabajos teóricos (como los de Humberto Eco y Ariel Dorfman, por ejemplo) se comenzó a pensar sobre el género, algunos críticos afirmaron que en él anidaba una fuerte represión sexual al no plantear escenas amatorias. Sin embargo, el asunto era mucho más sencillo y pedestre: si llegaran a tener algún contenido erótico, en ese período los padres no se las comprarían a sus hijos, o sea que era una cuestión comercial. Más adelante, al compás de los tiempos, abundaron en las historietas la voluptuosidad y los desnudos, actitudes que también fueron condenadas por ciertos sectores.
 A través de tales publicaciones, los chicos incursionaban en el maravilloso mundo de la aventura, y evitaban –apelando también a la ayuda del juego-el tedio provocado por el transcurrir de los días, tan parecidos unos a otros, circunstancia que abruma a los adultos.
De esta manera, acompañando a los héroes, se sumergían en civilizaciones desaparecidas que surgían en las selvas como por arte de magia. O atravesaban desfiladeros que lindaban con tremendos abismos mientras los atacaban malvados hombres alados. ¡Cuánta emoción! ¡Eso sí era vivir a pleno! ¡También estimulaban el ingenio tratando de descubrir al asesino antes de que lo lograra el nimbado detective privado!
Ese mundo fabuloso estaba desconectado del cumplimiento de horarios de la vida cotidiana.
Recuerdo con nitidez una circunstancia de la historieta Vito Nervio (1945), creada por Emilio Cortinas y Mirco Repetto y continuada por Leonardo Wadel y Alberto Breccia. El protagonista era un investigador argentino que se enamoraba de su mortal enemigo, la bella Madame de Zabatt, jefa de la terrible banda el Triángulo Verde. Y, a su vez, ella le correspondía. Aunque ambos se enfrentaban en tiroteos y persecuciones, hacían todo lo posible para que el otro se salvara. Esta pasión malsana fue un cimbronazo para la inocencia de los chicos, se trataba de un amor ajeno a los matrimonios y noviazgos que contemplaban a su alrededor. Así, la imaginación volaba no sólo con las proezas heroicas, sino también con los sentimientos de los personajes.
Hubo dos revistas anuales que conmocionaron al país. Una fue el Libro de Oro de Patoruzú, que también atraía a los adultos. Era tal el placer que se sentía con la lectura de sus historietas, notas y chistes gráficos, que al terminar de leer el último número (salió en diciembre en el período 1937-1985) se anhelaba que el año apurase aún más su marcha para así poder leer el próximo. Más allá de los cuestionamientos que suscitó la ideología retrógrada de Patoruzú, su representación de aventuras con dibujos humorísticos provocaba en los pequeños una suerte de encantamiento.
El Libro de la Historieta ya constituía un producto de culto para los fanáticos del género. Se parecía a esos roperos de los cuentos para niños que esconden en su interior un universo colmado de prodigios y ensoñaciones.
Las historietas también abrieron a los chicos las puertas feéricas del cine. De los personajes que aparecían en las revistas se realizaron varias versiones fílmicas. De manera que podían admirar a sus héroes casi como si fueran de carne y hueso. Además, muchas historietas humorísticas se trasladaron al dibujo animado, hoy llamado cine de animación porque incluye los efectos especiales. Por ejemplo, fueron tomados todos los personajes de la factoría Disney, y el mismo Superman dio origen a diecisiete cortos de los hermanos Fleischer, cuya calidad y espíritu renovador marcaron un hito en la evolución de este arte. De manera que la narración cinematográfica, con ese sortilegio que emana de sus imágenes, se introdujo en la fantasía infantil y la marcó a fuego. Además, viendo películas de aventuras, los chicos terminaron sin proponérselo admirando los notables filmes del Oeste del gran John Ford.
De la revista de historietas al folletín solo mediaba un paso, y de allí a los libros de Emilio Salgari y de Julio Verne, un simple saltito. Con Salgari los pequeños lectores se reencontraron con el mismo conflicto de pasiones que habían observado en Vito Nervio: el Corsario Negro y Honorata de Wan Guld, la hija de su peor enemigo, se enamoraron. Lo mismo sucedía con Sandokán y Mariana. Ya junto a Verne empezaron a fabular con viajes al centro de la Tierra, o de ésta a la Luna, o la posibilidad de emprender una travesía submarina de 20.000 leguas. La invención infantil voló sin freno hasta llegar a la ciencia ficción, que ya habitaba el llamado noveno arte con Buck Rogers (1929), de Dick Calkins, y Flash Gordon (1934), de Alex Raymond, por citar dos ejemplos. Aunque en la Argentina contamos –entre muchos- con otros dos trabajos ilustres: Bull Rockett (1952) y nada menos que El Eternauta (1957), ambas con guiones de Héctor Germán Oesterheld y arte de Francisco Solano López (Bull Rockett la dibujó Paul Campani hasta 1955).
No hay que olvidar que se realizaban adaptaciones a historietas de obras maestras de la literatura universal. La revista Intervalo fue célebre en ese sentido. Tal vez por razones emotivas pienso en autores como Honorato de Balzac, Enrique Ibsen, Jack London, Guy de Maupassant y la lista continúa como si formara parte de “La Biblioteca de Babel”, de Jorge Luis Borges. Estas transcripciones las leían principalmente los padres pero, por supuesto, llegaban a sus hijos.
Mención aparte merecen las versiones que nuestro José Luis Salinas (1908-1985) plasmó de grandes novelas de aventuras, como Ella y Ayesha, de Henry Rider Haggard, El capitán Tormenta y La costa de marfil, de Emilio  Salgari, Miguel Strogoff, de Julio Verne, El libro de las selvas vírgenes, de Rudyard Kipling, y La Pimpinela Escarlata, de la Baronesa Emma Orczy. La estética de Salinas privilegiaba la vertiente del estilo ilustración, y facilitaba de esta manera el goce y la apreciación de la lectura.
Desde hace un tiempo la historieta sufre una crisis mundial porque gran cantidad de lectores la han abandonado por la fascinación que ejercen sobre ellos los videojuegos, la televisión, la informática e Internet, y toda la variedad de usos que ofrecen los celulares. Sin embargo, el género aún conserva un mercado pequeño pero fiel hasta la devoción. Y ha mostrado una presencia activa en el aula como auxiliar de maestros y profesores.
En varios manuales se utilizan historietas para favorecer la interpretación de un hecho histórico o de un fenómeno científico. Pero, a la vez, se incluyen adaptaciones de obras famosas, acercándoles a los chicos clásicos a los que hoy les sería difícil acceder por los estímulos visuales que los asedian. Los dibujos distan del estilo realista que predominaba en la época de la revista Intervalo, y en cambio los realizan artistas que sintonizan con el actual gusto estético de los chicos.     
Asimismo se editan antologías de cuentos de autores consagrados, y en ellas se incluyen relatos en historietas. 
O sea que el noveno arte se ha instalado en la escuela como disparador de la cultura en todas sus manifestaciones y como catalizador de la fantasía infanti. Sigue aportando imaginación y conocimientos pero con el auxilio de las modernas técnicas didácticas.
Repito una vez más la célebre frase del genial Hugo Pratt, el creador del fascinante personaje Corto Maltés (1967): “La historieta goza de buena salud y larga vida. ¡Adelante con ella!”

*Germán Cáceres 
Nació en la localidad de Avellaneda, provincia de Buenos Aires (Argentina), el 27 de febrero de 1938. Se graduó en Ciencias Económicas, profesión de la que vive, en 1966. En literatura es autodidacta, siendo sus fuentes de aprendizaje la lectura y la tarea de escribir casi todos los días.
El nacimiento de su vocación de escritor se la debe al cine. Fue miembro de la Comisión Directiva del Cine Club “Núcleo” y colaborador de la mítica revista Tiempo de cine. Comenzó a escribir haciendo críticas cinematográficas, y de allí —por sugerencia de un cronista— pasó al cuento.
Premios y distinciones:
Mención de Honor Premio Municipal en Cuento, por Los pintores mueren del corazón. Buenos Aires, 1986. Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores en Ensayo, por Oesterheld y en Novela, por Matar una vez. Buenos Aires, 1993.  Mención de Honor en el Concurso Internacional de Ficción sobre Gardel, por el cuento “Rapsodia del Río de la Plata”.    Montevideo, Uruguay, 1996. Faja de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores en Teatro, por Vamos a Manhattan. Buenos Aires, 1999. Primer Premio Especial “Eduardo Mallea”, Período 1995-1997, por el ensayo La aventura en América. Buenos Aires, Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, 1999.

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