Entrevista a cargo de PATRICIA CAMPAGNE

G.A.: ¿Cómo fue compatibilizar en la década del 70’ su militancia, su producción     artística multidisciplinaria y además conceptualizar en su obra, su activismo como feminista latinoamericana?

M.M.: Para mí, el arte, la militancia y la pedagogía siempre han estado unidos. Todo se dio de manera natural.  Estando en la carrera una compañera habló de mujeres artistas, cosa que ningún profesor de historia del arte jamás había hecho. Al terminar los varones del salón nos dijeron que las artistas éramos menos creativas porque la creatividad se nos iba en la maternidad.  Ahí me di cuenta que de nada serviría ser buena artista porque por el hecho de ser mujer mi trabajo no sería aceptado.  Entendí que era mi responsabilidad tratar de cambiar esta situación. En ese sentido, concibo la militancia feminista como una lucha desde muchas trincheras y en muchos planos.  Es el cuestionamiento constante que me hago de lo que pienso y lo que siento para entender hasta dónde está condicionado por mi educación como mujer y también el replantear a partir del feminismo mis ideas sobre el arte.  Es analizar las problemáticas que enfrentamos por ser mujeres y llevar acciones para cambiar situaciones como la invisibilidad que enfrentamos y también el unirme a movimientos sociales como la lucha en contra del feminicidio y otras formas de violencia de género como artista y como persona. 

G.A.: ¿Cómo fue la reacción en la sociedad de su época y que injerencia tuvo su labor en ella?

M.M.: Hubo todo tipo de reacciones tanto al feminismo como al arte feminista. Algunas favorables y otras no tanto.

El feminismo fue expandiéndose como una avalancha.  En un principio éramos pocas, pero se fueron uniendo más mujeres, organizaciones e instituciones.  Hoy hay políticas y leyes que yo no hubiera imaginado en ese momento.  El problema es que el cambio que se requiere es muy profundo, al interior de cada persona -en lo que pensamos y en lo que sentimos, en todas nuestras acciones- por lo que a veces parece que poco ha cambiado.  En alguna encuesta oficial sobre discriminación me llamaba la atención que casi el 90% de la población decía que aceptaba que hombres y mujeres éramos iguales.  En la siguiente pregunta, que era cuánto invertían en la educación de sus hijas y cuánto en la de sus hijos, la diferencia era abismal.  De dientes para afuera la gran mayoría de la población ha cambiado.  Ahora falta que la transformación no sólo sea amplia, sino profunda. 

Las propuestas feministas estuvieron presentes en museos, galerías y espacios comunitarios desde el principio.  Artistas como Carla Rippey, Maris Bustamante, Lourdes Grobet, Yolanda Andrade, Rowena Morales, Magali Lara y muchas otras siempre hemos tenido una presencia fuerte. El descuido quizá fue más desde las narrativas que se escribieron aunque los medios de comunicación siempre nos apoyaron. En muchas ocasiones incluso usamos los medios como plataforma para nuestros performances. En 1987, Maris Bustamante y yo como grupo de arte feminista Polvo de Gallina Negra fuimos a Nuestro Mundo, el taquillero programa de televisión de Guillermo Ochoa y realizamos Madre por un día, una acción en la que le colocamos una panza de embarazado y hablamos de distintas problemáticas de la maternidad.

G.A.: Por qué no nos cuenta acerca de sus primeras performances. ¿Cómo las sociabilizó con sus múltiples actividades y cuál fue la reacción de sus pares, en los distintos campos en los que usted interactuaba?

M.M.: Aunque ya había tomado algún curso de performance en México a mediados de los setentas, empecé a dedicarme al performance y a los proyectos visuales a finales de los años setenta en el contexto de mi participación en el Woman’s Building, la escuela de arte feminista en Los Ángeles.  Participé como aprendiz en los proyectos de Suzanne Lacy y Leslie Labowitz cuyo colectivo Ariadne: A Social Art Network estaba realizando performances para manifestaciones como Take Back the Night  (1978) y eso que denomino “proyectos visuales”, hoy llamarían “práctica social” y Suzanne llamaba “non audience oriented performance” y que se trata de piezas que pretenden transformar aspectos sociales a partir de prácticas artísticas.  Uno de esos proyectos fue Making it Safe (1979), en el que contrataron a Lacy para desarrollar un proyecto en la comunidad de Ocean Park que redujera la violencia hacia las mujeres a partir del arte.  El proyecto tuvo muchos componentes, desde lecturas de poesía y exposiciones, hasta talleres de defensa personal e intervenciones en los medios para visibilizar la problemática. Gracias a Lacy me quedó claro que, más que seguir una serie de reglas y cánones en el arte, éste tiene que ser lo que nosotras necesitamos que sea.  Entre mis primeras piezas están El Tendedero (1978) que se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México y en el cuál le preguntaba a mujeres qué detestaban más de la ciudad y Traducciones: un diálogo internacional de mujeres artistas (1980), proyecto visual en el que invité a 3 artistas feministas de EU a ir a México a compartir conferencias y talleres de arte feminista estadounidense y conocer a artistas mexicanas para después dar conferencias en México con información sobre éstas. 

G.A.: En 1989 junto con Víctor Lerma creó Pinto Mi Raya, realizando acciones performáticas, en relación al matrimonio como una institución. Pensando el tiempo transcurrido ¿qué análisis podría hacer hoy, de esta acción en particular?

M.M.: De hecho la pieza de largo aliento que hoy llamamos “Las Bodas” empezó en 1980 cuando nos casamos.  En esa época todavía se acostumbraba que las mujeres tomáramos el nombre del esposo y eso a mí se me hacía muy extraño por lo que decidí hacer un performance. Así nació el personaje de La Sra. Lerma que está presente en momentos de mi vida cotidiana en circunstancias en las que el trato hacia las mujeres generalmente es difícil porque se asume que somos ignorantes, como yendo con el mecánico.  Después se fueron dando más performances.  Cuando cumplimos 10 años de casados nos invitaron a hacer una acción y nos dimos cuenta que no había fotos de nuestra boda, así es que hicimos una boda falsa para tener documentación. Como nos habían sobrado invitaciones de la boda porque nosotros las imprimimos y las cajas eran de un millar, intervenimos algunas y las usamos para este performance.  Así, a lo largo de 40 años hemos hecho varios performances en los que nuestra vida personal y el arte se entretejen.  Como siempre digo, yo me creí dos cosas en los años setenta: que lo personal es político y que no hay fronteras entre arte/vida.  Piezas como “Las Bodas” son resultado de ello. Yo creo que mientras nos queden algunas invitaciones de la boda original, seguiremos haciendo performances. 

A lo largo de las diferentes bodas se reflexiona sobre diversos aspectos de las relaciones de pareja y los aspectos sociales del matrimonio, pero lo que a mí me parece más interesante de la pieza es este jugar con la vida y el arte.

G.A.: El Tendedero, es una obra que tiene la particularidad de renovarse en forma permanente. ¿Qué coincidencias y disidencias encuentra usted, entre los distintos momentos del montaje y el campo geográfico donde se realizó?

M.M.: Cada Tendedero es diferente.  Hay los que yo hago, los que asesoro y los que otras personas realizan de manera autónoma, a veces avisándome, a veces no.  Las preguntas varían de acuerdo a cada comunidad. Lo presenté por primera vez hace 40 años en la Ciudad de México y en ese momento había muy poca conciencia sobre lo que es el acoso sexual callejero.  Aquí la situación aquí ha cambiado ya que el acoso sexual sigue muy presente, pero es un problema visible. Es un tema que se discute y sobre el que se trabaja de distintos frentes.  También he presentado El Tendedero en otras ciudades y poblaciones en México y ahí apenas empieza a hablarse del tema.  Algo que me gusta mucho de la pieza es que tiene muchas versiones, desde las más estructuradas para museo hasta la cuerda sencilla con papelitos que puede hacerse con recursos mínimos.  La pieza también me ha dado la posibilidad de generar diálogos con artistas feministas de distintas comunidades: hacemos un taller, implementamos El Tendedero y desarrollamos trabajo colectivo. Lo que me sigue sorprendiendo y me encanta es que muchas personas se han apropiado de la pieza para usarlo con fines activistas y pedagógicos.

En ese sentido, cada Tendedero es distinto, pero lo que no cambia es que las historias siempre son terribles.  La violencia es constante.  Espero que algún día ya no haya necesidad de Tendederos y que cuando vean la documentación en algún museo, el público se horrorice de lo violento y primitivo de nuestra época, pero sólo sea un eco del pasado. 

G.A.: Junto a Maris Bustamante fundó el primer grupo feminista de México: Polvo de Gallina Negra, siendo Madres, uno de los primeros proyectos colectivos. ¿Cómo surgió ese nombre y como fue su proceso durante el tiempo que se llevó a cabo? Por ejemplo  ¿qué incidencia tuvo en aquel momento tratar de instalar la idea que más allá del género cualquiera puede ser madre? ¿Por qué no nos cuenta algún hecho o situación particular que haya marcado este proyecto? 

M.M.: El Polvo de Gallina Negra es un remedio popular contra el mal de ojo.  Pensábamos que era difícil ser artista, más complejo aún ser mujer artista y asumirnos como artistas feministas resultaba una misión casi imposible para la cual requeríamos un nombre que nos protegiera.  El humor fue una de nuestras principales estrategias, necesaria para resquebrajar al sexismo imperante. Además nos divertíamos mucho trabajando juntas.   

El proyecto ¡MADRES! surgió con una profunda investigación de campo en la que contamos con el apoyo incondicional de nuestros esposos, Rubén Valencia (de Maris) y Víctor Lerma (el mío) durante la cual nos embarazamos.  Como somos feministas, pues naturalmente tuvimos hijas y, al ser tan científicas, nacieron con tan sólo 3 meses de diferencia.  El proyecto constó de distintos elementos a través de los cuales enfrentábamos una variedad de aspectos de la maternidad. 

Convocamos al Concurso carta a mi madre para que las personas les escribieran a sus madres todo lo que nunca se habían atrevido a decirles e hicimos una serie de envíos de arte correo a lo largo de 7 meses. También realizamos performances para televisión como Madre por un día. En esta pieza nombramos a varios hombres valiosos madre por un día porque para nosotras la maternidad había sido maravillosa y nos daba tristeza que ellos jamás la vivirían, por lo que, como éramos muy generosas, la compartíamos con ellos.  El programa fue tan exitoso que nueve meses después alguien del público llamó a preguntar si Ochoa había tenido niño o niña.  Si a mí se me hubiera ocurrido, le hubiera dado continuidad al performance de esta manera, pero fue alguien que no conocíamos. Para mí la pieza fue un éxito porque alguien se tomó la molestia de apuntar la fecha y llamar al programa.  También me he encontrado con personas que me dicen que vieron el programa de chicos y que les causó tanto impacto que lo recuerdan.

G.A.: ¿En qué otros países de Latinoamérica piensa que pudo haber llevado a cabo un proyecto como este, por aquella época?

M.M.: Se está dando diversas investigaciones sobre el arte feminista latinoamericano que nos van a descubrir varios proyectos interesantes.  Libros como Legados de libertad. El arte feminista en la efervescencia democrática de María Laura Rosa (Editorial Biblos, 2014), Entre lo sagrado y lo profano se tejen rebeldías. Arte feminista latinoamericano de Julia Antivilo Peña (Ediciones desde abajo, 2015) y Feminismo y arte latinoamericano. Historias de artistas que emanciparon el cuerpo de Andrea Giunta (Siglo XXI, 2018) dan cuenta de toda esta producción. Les recomiendo que los lean para encontrar la respuesta a tu pregunta.

G.A.:  A su criterio, ¿qué cambios se fueron produciendo en los últimos 50 años, acerca de la lucha Feminista en nuestro continente?

M.M.: Te puedo hablar de lo que conozco en la Ciudad de México en donde, por ejemplo, el aborto es libre y gratuito desde hace poco más de una década.  Pero hay cambios en muchos niveles: políticas públicas con una visión de género, espacios académicos para estudiar el tema, en la presencia de las mujeres en el arte, etc.  Sin embargo falta mucho que hacer porque esto no ha logrado disminuir la violencia hacia las mujeres, ni ha roto con los roles de género tradicionales, pero tampoco se puede esperar que un cambio tan profundo como el que plantea el feminismo se de en unas cuantas décadas.  Hace falta paciencia y mucho empeño para reconstruirnos a nosotras mismas y para transformar la sociedad.

G.A.: Usted estuvo hace muy poquito tiempo en mi país, con su experiencia en la militancia. ¿Cómo observa nuestra lucha, en relación a otros países de América Latina? Sobre todo en estos tiempos en el que las mujeres estamos tomando las calles en pos de nuestros derechos.

M.M.: Admiro mucho la enorme capacidad de convocatoria que ha tenido su movimiento en cuanto a temas como el feminicidio y el aborto. Son un gran aliento para el feminismo latinoamericano que creo que a todas nos obliga a redoblar el paso.

Ojalá sigan en pie de lucha aunque no haya sido aprobada la ley que permita el aborto libre y gratuito porque lo están haciendo muy bien. Han logrado que se dé una gran discusión y eso es fundamental porque sin un apoyo social verdadero, las leyes de aborto pueden ser aceptadas un día y derogadas al siguiente.  No importa que tome un poco más de tiempo, cuando sea aceptada tendrá un amplísimo sector de la población que la defenderá.

G.A.: Sus acciones fueron pioneras al ser de carácter participativas, en ellas establece un diálogo con la comunidad, con quienes integran el día a día. ¿Encuentra similitudes en el accionar de los jóvenes artistas latinoamericanos de nuestro tiempo?, ¿qué grado de compromiso adquieren, sobre todo en países con gobiernos neoliberales?

M.M.: En México hay muchas artistas y activistas jóvenes que están haciendo arte feminista o utilizando el arte como herramienta política desde el feminismo.  A muchas ni siquiera les interesa participar en el sistema artístico. Hay proyectos de todo tipo como Producciones y milagros, agrupación feminista, la revista Hysteria, organizaciones como Habitajes A.C., el Museo de Mujeres Artistas Mexicanas, que están fortaleciendo el trabajo de las artistas y las ideas feministas desde distintas posturas y con diversas estrategias. Estamos en un momento intenso e interesante, con gran variedad de propuestas.

La entrada Mónica Mayer: Artista y crítica de arte mexicana feminista se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

 “La mirada desde género (lugar en el mundo) restituye identidad, visibilizando a esos otros excluidos del sistema central”       

 G.A.: Profesora de filosofía, escritora, investigadora en temas de género. ¿Cuál de ellas  surge primero; en qué contexto de tu vida se dan y cómo van apareciendo las otras vocaciones?

C.E.: Bueno, siempre se puede hablar de cronologías, pero no son exactamente sucesivas. Siempre me gustó escribir, te diría que fue y es un don. A los seis años, ya redactaba con guiones, diálogos. Mis compañeros de clase iban por las vocales y yo redactaba tres y cuatro páginas. Lo gracioso es que me pedían explicaciones, la directora, la vice, la secretaria y yo no sabía que decir. ¿Qué iba a decir? Mi mamá era maestra pero nunca me había enseñado antes del colegio. Fue la más sensata en ese conciliábulo de mujeres acerca de si yo era normal, superdotada o vaya a saber. Mi madre que era muy práctica dijo: Y déjenla, si le gusta escribir que escriba, eso sí, no la adelanten de grado, les hace mal a los chicos. Y así fue, y yo contentísima me dejaban escribir todo tipo de historias. Algunas eran muy tristes como una de una mamá gorrión que murió encerrada en el nido con los pichones porque el papá gorrión les clausuró la puerta con barro. Luego recuerdo que escribí mi versión sobre el cuento de Pinocho convenciendo a Geppetto de que lo hiciera ñato para siempre. Recuerdo que causó mucha gracia. Y lo leían en la dirección de la escuela, la maestra, la vice, la secretaria y el director. Causaba gracia la discusión del muñeco con el padre. Porque el padre le decía: No, en el cuento dice otra cosa. Y Pinocho se enojaba: Yo quiero ser ñato y no quiero ser un chico de un cuento, y quiero ser de carne y hueso ya.

Claro yo defendía una existencia auténtica desde el vamos. Tenía sólo seis años, pero se ve que ya era existencialista y además no me resultaba convincente que alguien naciera de madera y nariz delatora de mentiras.

 Fui actriz a los quince años y el escenario fue una experiencia que me marcó. Luego la Filosofía fue como un llamado. Yo estudiaba otra carrera, pero una vez pasé por el aula donde un profesor hablaba de  Heráclito con tal elocuencia que me atravesó. Aquello de que nadie se baña dos veces en el mismo río, me sonó que era para mí. Me cambié de carrera y me  recibí de “profesor” de filosofía. Así dice mi título. Pero no sé si fue por eso exactamente que me hice feminista. Más bien fue porque ya amaba a Simone de Beauvoir como escritora. Todos los hombres son mortales, Los mandarines y La sangre de los otros, me marcaron a fuego. Creo que nunca dejé de ser existencialista. El ser y la nada de Sartre, Crítica de la razón dialéctica, El existencialismo es un humanismo, eran mis libros de cabecera, junto con La fenomenología de Hegel,  pero El Segundo Sexo de Simone de Beauvoir me cambió la sangre. Era una mujer. Era filósofa y hablaba de la existencia de ese otro excluído del que las mujeres formábamos parte.

Caramba ahora me doy cuenta contestándote por qué mi Pinocho no quería ser  el otro excluido, quería existir desde el vamos. 

Volviendo al tema de la filosofía, con Simone de Beauvoir, redescubrí otro parámetro de pensamiento. A mi modo crucial y fundante de un nuevo paradigma. Había exclusiones en la filosofía que mentían sobre la  existencia. O sea, las mujeres no habíamos formado, por siglos, parte de las teorías del ser. Y el feminismo, o los feminismos (porque hoy el abanico es inmenso) nos ponían de pie, de  las que las mujeres no formábamos parte. Sí, desde el Segundo sexo no paré. Y no paro.

A mí  me expulsaron de la Universidad de La Plata, donde enseñaba Historia de la Filosofía Moderna en tiempos poco gratos que no quiero recordar porque sería darle centralidad en mi vida al dolor, y lo más importante que me sucedió es haberlo atravesado. Prefiero decir que Heráclito me había marcado tanto, que me refugié en otro río en que ya había nadado: el teatro. Primero retomé mi actriz y luego me di cuenta que me gustaba más estar de otro modo en la escena.

Ahí fue Chacho Dragún mi gran impulsor. Yo estaba haciendo una obra de él, y durante ese proceso, le había dado para que escribiera la introducción a mi novela Primera Piel. Estaba muy conmovido por lo que contaba en esa novela, prometida a mi mejor amiga Liliana Galletti (desaparecida junto a los 30.000)  y me acuerdo que café de por medio, me pidió que escribiera teatro. Y así empecé. Con el teatro, y ya corrían los 80 y pico.

 Contextos, me preguntás. Yo creo que todo en el gran contexto de la vida, y de sentir que no importan las circunstancias, es verdad que nadamos en un río que no siempre es el mismo. La Argentina, forma parte de un continente a contrapelo.  Y me río, resulta que más allá de Heráclito, soy muy buena nadadora de río. El río implica desafío y cautela. Ser Latinoamericana implica lo mismo. No soy una valiente arquetípica. Soy más bien, una buena resistente.

Es lo único que te puedo decir con coherencia. Me hiciste pensar en esa versión del cuento. Nunca lo había contado. Un muñeco que no quiere ser de madera. Que quiere ser de verdad, con una nariz bonita sin la incomodidad de andar controlando lo que dice por miedo a que le crezca y lo señales como mentiroso. Que quiere no perderse el descubrimiento de hacerse a sí mismo y decir lo que le da la gana y no lo que debería. Y eso es género. Una construcción de la propia subjetividad más allá de una mirada dominante.

No sé si te contesté con claridad.

G.A.: Sí, muy claramente. Yendo a otro tema has escrito novela, cuento, guiones de televisión, pero desde tu óptica “…el teatro es el que me ha posibilitado hallar mi voz, desde lo individual y lo colectivo…”. ¿Por qué considerás que se ha dado este fenómeno?

C.E.: En mi libro Arquetipos, modelos para desarmar (palabras desde el género) un libro de ensayo, explico que  el teatro  es la apropiación simbólica de la acción. Una suerte de recupero de escenario propio, en el sentido del cuarto propio de Virginia Woolf . Una suerte de recuperación de un lugar, ese lugar que la realidad nos ha negado. Esa acción que puede aparecer sujetada en la realidad, en el teatro recupera simbólicamente su lugar. Yo siento que el escenario fue mi cuarto propio. Conformando personajes (mayoritariamente femeninos) que se metían en el claroscuro de su existencia. Y allí lo no dicho, lo prohibido, lo oprimido, lo silenciado, se iban tejiendo y destejiendo en una dialéctica que me permitía descender y ascender. Personajes de carne y hueso, contradictorios, con lenguajes explícitos, implícitos, con proyecciones oníricas.

Acá hago un paréntesis. Mi muñeco quería ser de carne y hueso y no quería sentir vergüenza de sus zonas vulnerables. Y es lo que construí y construyo. Seres de carne y hueso, desde la visceralidad.  Seres vulnerables. La voz/voces de los personajes, con sus imperfecciones latentes o explícitas. Creo que todo conformó una columna vertebral donde la voz individual de los personajes se espejaban en mis propias voces y luego está toda la experiencia teatral que es un hecho colectivo. Y esa dialéctica comprende al público, la cuarta pared. Fijate que no deja de ser un hecho existencial siempre. Un hecho del pensamiento. Y no deja de ser un hecho filosófico. En mí, la filosofía siempre estará presente, no como tesis he dicho, sino como mirada posicionada en la diferencia.

Es posible que todo sea una excusa para generar reflexión desde la acción dramática. Pero la acción es juego. La vida es juego. Yo escribí desde el vamos como un juego. Jugaba escribiendo. Y tenía a todo el colegio detrás, a ver con que se salió esta vez. Se ve que vine a la vida con ese don. Generar escenarios de miradas múltiples. Me gusta. Nadar y escribir. Y leer desde luego.

G.A.: Alguna vez declaraste que descrees “…de los conceptos de neutralidad cultural, y de cualquier constructo desde los cuales se segrega y se excluye…” ¿Podrías ampliar estos conceptos?

C.E.: La neutralidad no existe. La escena es punto de vista. Los “se piensa”, los “se dice”, los “se crea”, como genéricos son constructos culturales para imponer un modo de conformar pensamiento, arte, ciencia… La “neutralidad” es la mejor manera de silenciar la multiplicidad, la diversidad. Porque fijate que es desde la neutralidad que se construyen parámetros tan disparatados como el de la grieta. Esto o lo otro. Como un desfiladero estrecho, donde o es blanco o es negro. Nunca jamás la historia nos va a presentar esto o lo otro, a menos que estemos direccionando un modo muy limitado de estructurarnos. Y no se trata  de reglas de tránsito, por dónde cruzar la calle.  Pero la cultura binaria, el pensamiento binario, sería algo así, como la anulación de toda pluralidad de miradas, y desde luego la anulación de las diferencias.  Y aquí el feminismo ha hecho un aporte fenomenal. La mirada desde la diferencia ha sido un gran aporte de las feministas, en las que desde luego me incluyo. Esa mirada que te coloca en la herida y en una línea de frontera. Toda mirada es subjetiva. Y todo corrimiento de la norma binaria de pensamiento un ejercicio indispensable, si es que queremos aportar sentido que nos coloque a la altura de ser contemporáneos de una subjetividad amenazada. Vivimos en un planeta que atraviesa diferentes guerras. Diferentes opresiones y exclusiones. ¿Cómo no mirar la existencia desde la diferencia, desde la  herida, o la exclusión? El patriarcado como sistema de dominación, si algo provoca es exclusión. Y si como feminista señalo la exclusión y me sitúo en ella, no es para naturalizarla, sintiéndome excluida, salvada, es para asumirla como propia. La exclusión no es algo que le pasa a otros. Soy mujer, soy latinoamericana, soy argentina, desciendo de inmigrantes pobres que huían de guerras y hambrunas. Ya no más, esto basta para decirte, imposible tener una mirada neutral. ¿Qué sería la neutralidad? ¿Creerme por ejemplo parte de la raza dominante por portar el color blanco de la dominación que acá ocultó la negritud? Fijate como todo nos va llevando a que la neutralidad es un constructo histórico, donde se determinan los lugares de dominación y opresión. Y si no, pensemos en las guerras. ¿Son acaso neutrales?

¿Qué sería la neutralidad? Que alguien me la explique.

Como ecuación, la exclusión es la norma de todo sistema desigual. Y esa desigualdad se vive pero también se resignifica desde el pensamiento. Rossi Braidotti habla de saber situado en la diferencia.

Y yo agrego situarse en la diferencia y siempre con mirada alerta, porque el patriarcado rediseña sus mapeos de inclusiones y exclusiones permanentemente, así como rediseña territorialidades geopolíticas;  y otro filósofo Paul Virilio dice que en un mundo que se divide entre colaboracionistas y resistentes, me defino como resistente. Yo opino igual. Soy una resistente.  Bueno, está claro por dónde voy. Vuelvo a citar a Braidotti, voy como un sujeto nómade en construcción. Ese sujeto que al decir de la filósofa ítalo australiana, se va construyendo, se va armando. Ser siendo, sería la mejor definición de esta subjetividad en tránsito que tan bien desarrolla Braidotti.

G.A.: Dos de tus últimas obras-sos la autora- en cartel son “Yo Encarnación Ezcurra” y “Bastarda sin nombre”. ¿Qué han representado en tu trayecto por el arte escénico?

C.E.: Las dos obras hablan de dos mujeres muy fuertes de nuestra historia, Encarnación Ezcurra fue el cerebro de Rosas, la armadora de la revolución de los restauradores que le permitió a su hombre ejercer el poder con facultades extraordinarias. Fue una mujer que ejerció liderazgo político desde la centralidad de la escena. Y estamos hablando del siglo XIX. Es increíble la osadía de esta mujer que además mostró sus disidencias con la forma de estructurar poder en la correspondencia con Rosas mientras él estaba en el desierto. Imaginate qué tamaña dimensión. Mujer. Política. Mirada propia. Y encima, figura relegada por la historia de la historiografía. Bueno, ir hacia Encarnación fue dejarme llevar por su mano hasta el centro mismo de la dialéctica del poder que deja de dialogar con sus conflictos. Lo paradójico es que ella partió de la centralidad de la escena política, y terminó sola en silencio y murió sin pronunciar palabra.  Bastarda sin nombre, es mi mirada sobre Evita.

Ella también construyó poder (Siglo XX) no desde la centralidad, sino desde la periferia, desde ese lugar de la asistencia al humilde, lo construyó, desde ese instinto genial de situarse en la herida del otro, en el deseo del  otro, la necesidad del otro. Ella fue la mirada de los excluidos. Y su figura se agigantó hasta conformar un solo corazón. El de un pueblo que aún la ama. También puso el dedo en la llaga de las falacias del Estado cuando no contempla las necesidades sociales como políticas de Estado. Vaya figura.

Pero mi obra tiene un giro y es la relectura de su famoso discurso del renunciamiento, en mi obra yo hago otra lectura, ella no renuncia a cargo alguno, ella viene a decir que nunca renunció, que fue la legítima vicepresidenta de la nación. Viene a decir que no necesitó un cargo, porque de hecho fue vicepresidenta, que no necesitó votos, que de hecho fue una conductora política.

Y aquí la paradoja es que Evita parte de la periferia de la política, y termina en un majestuoso escenario de diálogo con la marea humana que la vitoreaba. O sea llega al poder central. Primero porque en los hechos ella ejerció liderazgo de contundencia. Segundo porque esa despedida con su pueblo, fue un acto de afirmación de poder genuino.

Las dos significaron mucho en mi trabajo, en este camino de situarme en la herida, en la contradicción, en el conflicto, y un gran desafío. No soy historiadora pero sé investigar, me apasiona la historia y  me identifico con el revisionismo y las relecturas permanentes de los hechos. De todos modos los buenos historiadores, terminan siendo revisionistas.

G.A.: Importancia de la mirada desde el género.

C.E.: Bueno, es un tema muy amplio. Algo ya explicité. Situarse en parámetros no binarios de blanco negro es fundamental, yo diría que es fundacional. Mirar en varias direcciones, tener plasticidad sin perder de vista que hoy está en riesgo una existencia digna. Que la desigualdad provoca daños tremendos. Que la inequidad conforma sujetos con derechos y sujetos sin derechos. Que a las categorías de sujetos otros, no contemplados desde una mirada central que articula arquetipos básicos: Hombre, varón, heterosexual, dominante vs mujer, hembra, heterosexual, dominada, podemos situarnos en otra perspectiva. Y la mirada desde género (lugar en el mundo) restituye identidad, visibilizando a esos otros excluidos del sistema central, y dándoles la libertad de ejercer libremente sus elecciones sexuales como parte indispensable de pensarse en categorías de subjetividad plenas. Restituye identidad. Y sobre todo, pone sobre el tapete la articulación de un sistema de dominación y opresión que denuncia todo tipo de sujeciones, dominaciones, violaciones, desapariciones, crímenes, venta de niños, esclavitud y violencia sistemática sobre sujetos considerados o el otro inexistente o el otro sobrante o el otro indefenso. La mirada desde el género, es un aporte fundamental que hemos hecho las feministas, tanto como  la lectura de la sociedad en clases sociales.

*Cristina Escofet: Prof de filosofía. Dramaturga. Directora teatral e investigadora en temas de género.

La entrada Cristina Escofet* se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por LUIS RAÚL CALVO

 En Junio de 1988, en la Biblioteca “José N. Madero”, de la localidad de San Fernando presentábamos el primer número de la Revista Cultural  “Generación Abierta” *. Fue una tarde en la cual nuestro grupo participó de un encuentro artístico-cultural, donde hubo poesía y música.

Luego de la presentación de nuestra publicación, un poeta maduro, que había recitado  poesía lunfarda se acercó para felicitarnos y nos dijo: “Ojalá que no duren solo dos o tres números como la mayoría de las revistas culturales”. En aquel momento no le dimos mayor trascendencia, tal vez porque recién nos iniciábamos en este camino del arte e ignorábamos esa problemática.

Los hermanos Patricia Fayt -artista visual- y Carlos Fayt-fotógrafo-, Adriana Gaspar-artista visual- y quien esto escribe, dábamos comienzo a la aventura de un sueño, que en Junio de este año llegó a sus primeros treinta años de vida.

Luego del primer número se sumaron Susana Torralbo  y Kelly Gavinoser y un poco más tarde Adrián Gale, Daniel Liev, todos poetas  y José Luis Bianchi-artista visual-.

Comenzaron a colaborar por aquel tiempo, entre otros escritores, Roberto Romeo Di Vita y Amadeo Gravino.

A fines de Septiembre, en el auditorio de la ya desaparecida Librería “LiberArte”, de la calle Corrientes, por gentileza del artista visual Anibal Cedrón -fallecido hace un tiempo-quien trabajaba allí, presentábamos el segundo número.  Días antes había muerto mi padre, quien tuvo la posibilidad de leer el número dos de nuestra revista y alentarnos para su prosecución con esta especie de mandato: “Sigan con este proyecto, es muy valioso”.

Es probable que las palabras del poeta lunfardo  y posteriormente las de mi padre hayan tenido, sin saberlo un peso importante en la solidificación de nuestro grupo, que extendió sus actividades, dando comienzo en 1989 a los primeros cafés literarios de “Generación Abierta” en la Confitería de la Galería del “Pasaje de la Defensa” y luego en el Bar “Karavana”, ambos en el  barrio de San Telmo  y entre 1991 y 1992 en el Bar “Cartagena”, que estaba ubicado en Entre Ríos e Independencia.

También entre 1989 y 1990 , los días sábados de 13 a 14 hs tuvimos nuestra primera incursión en radio, llevando a cabo el programa radial “Comunicándonos”, en la FM 107.5, que funcionaba en el barrio de Villa Crespo.

El formato radial respetaba la línea de nuestra publicación escrita, abordando diferentes disciplinas: letras, artes visuales, música, cine y teatro y entrevistas a diferentes personajes de la cultura.

Como nuestro funcionamiento siempre fue de tipo cooperativo,  problemáticas personales y del país produjeron el alejamiento y una renovación  de algunos integrantes del grupo, y se comenzó una segunda etapa en la cual se incorporaron  a la cooperativa de la revista, en la Sección Letras: Héctor Freire-estuvo hasta el año 1998-,  y en la Sección Educación: Nora Patricia Nardo ; y Antonio Aliberti-fallecido en el año 2000-, Julio Bepré, Luis Benítez como colaboradores de la publicación, pero a su vez fundando conmigo en 1992 el Café Literario de “Generación Abierta”, en el Café “Montserrat”, que transita ya  por su vigésimo sexto año de vida  y que a partir del fallecimiento de Aliberti* en el año 2000, por decisión de los demás integrantes, lleva el nombre de él.

Es importante destacar que los primeros números de la Revista “Generación Abierta” fueron compuestas en una vieja máquina de escribir Remington; años que todavía no preanunciaban la aparición apabullante de la informática que irrumpiría posteriormente, a mediados y fines de los años 90.

Nuestro Proyecto Cultural “Generación Abierta (Letras-Arte-Educación), sigue con la misma pasión de siempre, editando la publicación en papel–hoy le estamos entregando el número 74- pero hemos incorporado también hace algunos años, la versión online: www.generacionabierta.com.ar  y desde 2007 llevamos a cabo nuevamente una propuesta radial: “Generación Abierta en Radio” *(Letras-Arte-Educación) por la Radio AM 1010 “Onda Latina”, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Han pasado treinta años, el mundo ha sufrido en todo sentido grandes transformaciones y cambios de paradigmas. Sin embargo y tal vez justamente por ello, el lema de la editorial del primer número continúa vigente: “Ser un medio de comunicación válido para los tiempos que nos tocan vivir”.

Para finalizar, en 1988, cuando nacía “Generación Abierta”, nos dejaban dos talentosos músicos y autores: Miguel Abuelo, fundador del mítico grupo “Los abuelos de la nada” y Federico Moura, fundador de otro mítico grupo: “Virus”. Los recordamos en dos de sus bellas letras.

El largo día de vivir

Me gusta este lugar por las mañanas

cuando el sol entra por las hendijas

y se acuesta sobre nuestra cama.

Al nosotros despertar.

encontrar tus ojos está muy bien.

El gallo canta en la cocina.

Alguien prepara leche, pan y miel.

Tu eres farol en mi guía.

Tu eres la luz de mis mares.

Tu eres color en mis sueños.

Por ti real es la vida.

El sol camina sobre el horizonte.

Ya no se detendrá, ya viene el día.

Mi amiga ya salió va pa´ la montaña.

Me gusta verla ir camino arriba.

                                (Miguel Abuelo)

Imágenes paganas

Vengo agotado de cantar en la niebla. 

Por la autopista junto al mar hay gitanos.

Van celebrando un ritual ignorando.

Mis propios dioses ya no están, espejismos.

Un remolino mezcla

Los besos y la ausencia. 

Imágenes paganas

se desnudarán en sueños.

En el espejo, reflejos viajeros.

Un apagón sentimental 

la ruta pasa.

Vuelve el deseo y la ansiedad

de este cuerpo; 

mi boca quiere pronunciar 

el silencio.

                                      (Federico Moura)

*Revista “Generación Abierta” (versiones escrita y online): Dirección Luis Raúl Calvo; Vicedirección: Adriana Gaspar; Jefa de Redacción  y a cargo de la Sección Educación: Nora Patricia Nardo.

Colaboradores Permanentes: Letras: Luis Benítez, Juliana Calvo, Amadeo Gravino, Roberto Romeo Di Vita; Educación: Alicia Neira; Medios: Noemí Cáceres.

Corresponsales en el Exterior: España: Paco Pepe Díaz Alejo; Francia: José Muchnik; Canadá-Rumanía: Flavia Cosma.

*Café Literario “Antonio Aliberti”: Actualmente  es coordinado por los poetas Luis Raúl Calvo, Julio Bepré y Amadeo Gravino, y cuenta con la colaboración de Adriana Gaspar (Artes Visuales), Nora Patricia Nardo (“Segmento “Poeta en el Recuerdo”) María Marta Donnet (Segmento Narraciones Breves “Susana Aguad”)  y Paco Rizzo (Segmento musical).

Colaboraron en años anteriores: Estela Kallay, María Elena Rocchio, Adrián Gale, Esteban Moore, Julio Viña.

Se lleva a cabo los primeros y terceros viernes de cada mes-de Marzo a Noviembre inclusive- a las 20 hs en el Café “Montserrat”-Bar Notable-, San José 524, de esta capital.

*”Generación Abierta en Radio”: Conducción: Luis Raúl Calvo y Nora Patricia Nardo; en Artes Visuales: Adriana Gaspar. Ricardo Héctor Reyes participó en la conducción de 2007 a 2012.  Martes de 19 a 20 hs, en vivo por la Radio AM 1010 “ Onda Latina”, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La entrada Proyecto Cultural “Generación Abierta” (1988-2018 se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

En el N°72 de “Generación Abierta” realizamos un homenaje a Yves Bonnefoy (fallecido el 1ero de Julio de 2016). Reprodujimos en dicha oportunidad una de sus últimas conferencias públicas, pronunciada el 7 de noviembre del año 2013 en el Instituto de Ciencias Políticas de París, que registré con su autorización. Anunciamos entonces que dicha nota sería seguida por un análisis de las reflexiones abiertas por la poesía y los ensayos de Yves Bonnefoy. Recomendamos previamente a la lectura de la presente nota, consultar en el “link” http://www.generacionabierta.com.ar  el texto completo de dicha conferencia, que fue seguida por una serie de preguntas y respuestas, algunas de las cuales retomamos a continuación.

G.A.: Muchas gracias por la emoción transmitida en su charla. Me interesó mucho vuestra afirmación “el inconsciente empuja el texto” ¿Podría profundizarla? ¿Cómo, concretamente, en vuestra escritura, el inconsciente empuja el texto?

Y.B: Es evidentemente una pregunta muy difícil, pues abarca la totalidad del trabajo que podemos intentar realizar. En primer lugar respondería que es de manera empírica que ese trabajo se lleva a cabo, no hay método ni procedimiento para estimular el encuentro con el inconsciente, que no cesa de aflorar durante las horas de sueño nocturno y también durante las horas de vigilia, de manera muy concreta y enigmática está siempre ahí, no pasa una hora de nuestra vida sin que escuchemos una palabra con cierta alteración de su significación audible. Oiremos entonces, percibiremos, grupos de palabras que se forman, que nos sorprenden, tomaremos nota de esos grupos de palabras, es así, a mi criterio, que los poemas se escriben. El poema que escribimos, en todo caso el que por mi parte escribo, no es la continuación de una idea, de un pensamiento, que trataría de expresar dándole forma. En este caso el poema no es una significación, son palabras, que están ahí, que escucho y que se aproximan las unas a las otras, proponiéndose como un enigma a meditar, y poco a poco se constituye un espacio verbal. En el poema intitulado “La hora presente” le diría simplemente que fue la palabra “regarde” (mira) que se me impuso, se diría que venía de otro que mi yo ordinario. Me dije que tendría que saber lo que me decía esa palabra, que me suscitaba percepciones, emociones, hacía aparecer situaciones. Aparecieron entonces en ese poema seres particulares, que no había previsto, que no había convocado, pero que se imponían a mí como interlocutores en ese espacio. Ofelia, Danaé, Desdémona, seres víctima, seres que de alguna manera han sido traicionados por el discurso conceptual, es el inconsciente que hizo aparecer esos nombres. ¿Qué más decir? Decir más sería formular hipótesis aleatorias, prefiero entonces responder a otras preguntas. (Nota: ver al final de esta nota una traducción parcial de dicho poema)

G.A.: Usted habló de la relación de la poesía con el mundo. Cuando usted escribe ¿tiene un sentimiento de liberación o de dolor?

YB: Tal vez sea la misma situación, vemos formarse algo vivo, como experiencias que debemos ampliar a otros. Se  ha comparado a menudo la poesía con la mística, en mi opinión se trata de un gran error. El místico es alguien que en presencia de una realidad penetra en la experiencia de esa presencia al punto de verla disolverse como tal, accede a la unidad, sin duda, pero en una soledad profunda. La poesía no es eso, cuando tiene la experiencia de un árbol o de un río, en un lugar dado, ella se recuerda que es en el lenguaje que el árbol o el río tomaron cuerpo, y que el lenguaje es lo que compartimos con los otros. Ella se recuerda entonces de la existencia del otro, esta experiencia de la presencia que ella hace, plantea la responsabilidad de ampliarla a otros. En este sentido la poesía es una especie de triángulo, constituido por el que experimenta, la presencia a la que él apunta, el objeto profundo, y el otro, el otro humano, el otro ser hablante con quien debe compartir esta experiencia, experiencia que se extinguirá si no es continuada, reflejada, por la mirada del otro, por el compartir con el otro. Ese triángulo es el amor, no podemos estar en poesía si no establecemos con el otro una relación que transgrede las representaciones abstractas del pensamiento conceptual y nos permite encontrar al otro. Hay una responsabilidad central en la escritura poética y esta responsabilidad la sentimos ciertamente de una manera cada vez más dolorosa cuando vemos la “doxa” de esta sociedad, la ortodoxia del momento, los espíritus se apartan de estas experiencias. Estoy profundamente convencido de que la experiencia poética es constante, universal, compartida por todo el mundo. Pero hay situaciones en nuestra historia cultural en que esta experiencia es intimidada por el pensamiento reinante, entonces no se atreve a acceder a ese saber o se resigna. La responsabilidad poética es tanto mayor cuanto más difícil de ejercer y más dolorosa de vivir.

G.A.: Usted hizo referencia a la « unidad », al hecho de que la poesía puede favorecer su emergencia. ¿Puede profundizar esta cuestión?

Y.B: Nosotros vivimos en la unidad, es el pensamiento conceptual que fragmenta, es el pensamiento conceptual que tomando aspectos parciales del objeto, otorga a esos aspectos un nombre que devendrá el concepto, y encadena esos conceptos entre ellos a través de analogías, que facilitarán la emergencia de leyes. Existe una fragmentación original debido al pensamiento conceptual, no estamos más en la situación de unidad. El animal en la naturaleza está de una manera como inmanente, sin distancia, salvo tal vez en los momentos en que tiene miedo. Tiene una experiencia de la totalidad que remonta desde lo profundo. La experiencia discursiva, el discurso del concepto es como poner diques a esa oleada profunda. La poesía tiene que realizar simplemente el trabajo del negativo, desanudar los conceptos. Como saben hay una teología negativa ¿En qué consiste? En designar Dios, la experiencia de Dios, diciendo que no es, Dios no es grande, Dios no es bueno, Dios no es esto ni aquello. Cuando se borran todas las determinaciones que se conceptualizan, la presencia debe remontar, debe hacerse escuchar. Así entiendo la experiencia de unidad en nuestra palabra, no es algo de lejano que hay que descubrir, es nuestra presencia inmediata que hay que tratar de abrir.

Retomemos ahora algunas de las principales líneas de reflexión abiertas por Yves Bonnefoy sobre la poesía y la creación poética. (Nota: Las citaciones fueron tomadas de “L’inachevable” volumen que recopila entrevistas realizadas entre 1990 y 2010. Traducción de las citaciones J.M)

“No soy de aquellos que consideran que la poesía está presente únicamente en los textos de los poemas” 1Y.B establece una clara distinción entre la poesía y el poema. “La poesía está presente en nosotros desde hace mucho más tiempo que las lenguas, y está en consecuencia en mucho más cosas que los poemas”2 “La poesía no es un simple hecho de escritura, no hay razón entonces de que sus intuiciones no tengan su lugar en la pintura, la música y también en la lengua en prosa, la de una novela por ejemplo”3 “Defino la poesía por una intención, un trabajo, una búsqueda, pero de ninguna manera por un texto” “La

poesía es un objetivo inalcanzable, una tarea siempre inconclusa. Lo que llamamos poema es sólo un momento en una búsqueda, una palabra modificada por la memoria de lo poético, pero nunca liberada de formas de alienación. Compararía entonces su escritura a una caminata en la montaña. En una vuelta del camino, la cima aparece entre los árboles y, literalmente, nos ilumina. Luego el camino da vuelta, la perdemos de vista hasta otro punto donde reaparece, pero no necesariamente más cerca.4 Arthur Rimbaud expresó, con la brevedad y claridad de un relámpago, “poesía fijar vértigos”, tratando de transmitirnos la pérdida irremediable entre la intensidad de nuestra presencia en el mundo y el poema que trata de plasmar esa experiencia en un texto. Yves Bonnefoy participa de esta percepción a partir de su propia experiencia de escritura. “El poema está cargado de significaciones que lo estorban, el poema está ahí a la vez como nuestro obstáculo y nuestro progreso, hay en consecuencia que trabajar contra él, la poesía trabaja contra el texto, mucho más, en mi opinión, que lo produce” Es en este sentido que rechaza de manera terminante los “juegos de palabras” como una traición a la poesía. Poeta de una gran exigencia y lucidez con respecto a su propia obra, Yves Bonnefoy afirma “La poesía está amenazada en el poema, está ahí arriesgando volverse simple expresión personal (y reconoce): es lo que pasó con Douve (una de sus obras), tuve que reconocerlo rápidamente”5

 “El deseo profundo de la poesía no es de significar sino de devolver a las palabras de la lengua su intensidad perdida”: Para Yves Bonnefoy el poema nace de nuestra experiencia de la realidad sensible “La poesía no puede alimentarse sino de la relación directa entre una conciencia y el mundo”, precisando que no se trata de una actividad didáctica, que su objetivo no es explicar dicha experiencia. En este sentido insiste a lo largo de su obra en que el poema no nace de una idea ni de un pensamiento conceptual “El concepto sustituye un objeto a la presencia. Mientras la poesía, es recordarse de la presencia, es amar […] El concepto roba al poeta su poema, su verdad, su lucha consigo mismo”6. Tomar las palabras a su nivel conceptual, lleva a tomar de dicha palabra sólo un aspecto de su superficie. “No encontraremos plenamente la palabra, no la cuestionaremos verdaderamente, si no nos implicamos nosotros mismos gracias a palabras que hemos vivido y que devienen como nombres propios, parecidos a aquellos que llevan los seres que cuentan en nuestra vida, y que juegan un rol en el poema, aún si no los señalamos”7. “Si la palabra árbol no es más que el concepto del árbol, como lo da el diccionario o los diversos manuales de ciencias naturales, entonces será una figura del árbol que tendremos presente, pero no será el árbol que tenemos en nuestra vida, en nuestra memoria, en nuestro lugar, con todas sus ramas, con esa relación de inmediatez con el cielo y la tierra, con sus murmullos, sus olores, la realidad misma, la realidad de su existencia”. La poesía debe liberar su palabra de los lazos que el pensamiento conceptual crea entre las cosas “Desligamiento que no será una guerra contra las palabras, que pueden permanecer las mismas, sino un cambio radical, existencial, en la manera de emplearlas”8. El objetivo inalcanzable, la intención poética, es darle otro vuelo a las palabras, favorecer explosiones / encuentros inesperados, entre ellas, más allá de las relaciones establecidas en el lenguaje.

En ese proceso de revelación de la palabra, liberada de sus ataduras conceptuales, el inconsciente juega para Yves Bonnefoy un rol motor en la escritura poética. “El inconsciente, que es el lugar de la poesía, es irremediablemente personal. Podemos trabajar sobre él […] pero solamente a partir de significantes que le son propios, de la memoria que tiene de una infancia única, de las asociaciones que establece entre hechos tomados al azar y que no debemos tratar de borrar: pues el azar como tal, es lo absoluto, es la llave necesaria de toda conciencia verdadera de la vida, de los otros seres, del mundo”9 El rol que le asigna al inconsciente está relacionado con la diferenciación que establece entre estructuras de superficie y estructuras profundas de la escritura , las primeras las asocia a los movimientos de la escritura, las secuencias, las partes de una obra poética “Pero la estructura profunda es completamente otra cosa, es la de las fuerzas que están en nosotros, haya o no proyecto de escritura, la de las experiencias, a veces muy viejas, que hemos hecho y que nos guían, es el conflicto que somos, más allá de las conciliaciones y los equilibrios que la escritura busca producir”10. Como lo subrayaba Baudelaire “el poeta moderno debe ser un crítico, es decir aquel que cuestiona todos los discursos, todos los engaños, y debe entonces arriesgarse en la palabra inconsciente”11

Unidad y Finitud: La unidad, la plenitud, sentir la presencia absoluta, total, de seres, árboles, piedras, viento es otro norte en la búsqueda poética de Yves Bonnefoy. Unidad que perdimos hace mucho tiempo, pues evolucionamos hacia una fragmentación creciente, ya Rimbaud llamaba a “reinventar el amor”, sublevándose contra la separación entre el amor sensual y el amor espiritual que la ideología religiosa impuso durante siglos. Fragmentación creciente en todos los dominios (social, espacial, laboral, científico, urbanístico…), fragmentación que se agudiza por efecto de las nuevas tecnologías, la presencia misma se ve fragmentada entre lo real y lo virtual, hasta la verdad se ve triturada por construcciones artificiales. Para Yves Bonnefoy la poesía puede llevarnos a reencontrar, al menos en parte, la unidad perdida “Esta unidad merece ser guardada en el espíritu, como el horizonte del deseo, porque en ella la parte se volverá el todo, el ser hablante no estaría más separado, la muerte no sería más vivida como la negatividad y el enigma que es para nosotros. La angustia se calmaría, la existencia podría pretender a una harmonía. Y esta unidad, es lo que la poesía, como tal, puede presentir, pues en poesía prestamos atención a la parte sonora de las palabras, a su aptitud a los ritmos, a lo que produce entre dichas palabras, en el verso, una relación que altera renueva la lectura que las lenguas hacen del mundo”12

Al subrayar que el poema no nace de la idea, del pensamiento conceptual, Yves Bonnefoy relaciona la poesía con el sentimiento de finitud: sentirnos seres mortales, en un lugar dado, sometidos a los azares imprevisibles de la vida. “Las ideas generales son intemporales, no nacen ni mueren. El ser, abordado a través de la idea, es percibido entonces fuera del tiempo, fuera de la muerte, hasta ser sólo su sombra, y para reencontrarlo en su plenitud, para reconocer su vida, hay que aprender a verlo como mortal”13  La poesía “toma como objeto no los aspectos generales del mundo sino las situaciones particulares de existencia, no la intemporalidad sino el tiempo vivido, no el espacio sino el lugar donde estamos y del que tendremos que partir, no la naturaleza de las cosas sino la manera de aprehenderla: en lo absoluto, y con el azar como última realidad de nuestra relación con nosotros mismos, el cual tiene como sustancia la finitud”14 La poesía es esa experiencia de la existencia, que perdemos y recuperamos en el transcurso de los días, en el paso irremediable del tiempo, a la vez angustia y esperanza. “Toda una poesía moderna está caracterizada por un juego sobre las palabras, los vocablos, y pierde contacto con la realidad exterior, la realidad de la finitud”.

Leer a Yves Bonnefoy

A la lectura de su obra, sentimos la tensión entre el “maestro ensayista”, el que produce un pensamiento profundo sobre la poesía, el que escribió ensayos sobre Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Paul Valéry, Giacommetti…El que se apoya en ideas y conceptos para analizar dichas obras. Y el “maestro poeta”, el que trata de liberar la palabra de los conceptos y de su lugar en las estructuras del lenguaje, pero que, al mismo tiempo, tiene una mirada crítica, de una gran lucidez, sobre su propia obra, que tiende a la poesía, pero como él dice, se trata de una intención de un objetivo inalcanzable.

Para concluir esta nota los invito a recorrer dos poemas de Yves Bonnefoy, cuya magnífica obra no nos cansamos de descubrir.

La hora presente (extracto)

I

¡Mira!

Un rayo invade el cielo, esta noche todavía,

Toma la tierra en sus manos, pero duda

Casi se inmoviliza. Se lo ha creído

Una frase, una firma, no, titubea, vacila,

Vemos que cae, iluminando,

Uno en los brazos del otro,

Sueño y muerte.

El rayo una ilusión,

También el rayo.

Una ilusión, la forma

Que se despliega, un sueño

Que abraza la forma, y va a caer

Con ella, quebrada,

Desposeída de sí, en sus confines,

Ahí, de nuestra noche, aquí,

La hora presente

Mira, ve.

Mira, teólogo,

¿No crees tú que Dios

Se haya cansado de ser?

Te imaginas

Que él no llega al fin, siendo infinito,

Consigo

Pero tú sabes que ningún sacrificio, en sus altares,

Ni aún el sacrificio de su hijo,

No despierta más su deseo.

Se da vuelta

Hacia aquella que dormía cerca de él,

El alma del mundo,

Tocará su brazo, su cadera desnuda,

No la despertará.

Él descenderá

En sus jardines, de terraza en terraza,

Deteniéndose, a veces,

Como esas bestias

Que se inmovilizan de golpe

Por un ruido, una sombra,

Él no escuchará

El murmullo del cielo. Menos aún

El grito de desesperación. Ni siquiera

El alarido de la bestia degollada,

Ni siquiera

Las notas indecisas de la flauta

De un pastor retrasado bajo la última haya.

[… ]

Vamos, vamos todavía

III

Y palabras, todo eso, palabras ya que, de verdad, mis prójimo ¿qué otra cosa tenemos? Palabras que se retuercen baja nuestra pluma, como insectos que matamos en masa, palabras con grandes astillas, que nos lastiman, palabras que prenden fuego, bruscamente, y hay que aplastar ese fuego con nuestras manos desnudas, no es fácil.

Palabras cuyos enredos, disimulan agujeros, donde no hacemos pié, y resbalamos, lanzando gritos, pero poco importa, nuestra vida, es tan poco pensamiento ¿¡no lo creen!? Rápido, retomamos, volvemos a hablar.

Y yo les decía, mis escasos compañeros ¿les decía, no es así, que amanece? Vamos, avancemos todavía, recojamos todos nuestros deseos, todos nuestros recuerdos, ustedes esos gritos, esos llamados, esos alaridos, esos llantos, y yo con ustedes esas risas, esas grandes risas tan lejanas de todas partes bajo el cielo tan bajo ¡que lo tocamos con nuestras manos tendidas! Es evidente que amanece, mis amigos, evidente que se estrella sobre nosotros, recolorea todo, se lleva y dispersa todo.

Traducción J.M

1 Las citas que no tienen referencias son extraídas de su conferencia del 7-11-2013 http://www.generacionabierta.com.ar/?p=101

2 Extraído de « L’inachevable”, entrevistas sobre la poesía (1990-2010), Ed. Albin Michel, France, 2010. Entrevista con D. Laroque “Sobre la arquitectura”, (p.15)

3 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con B. Bonhomme “Sobre la poesía en francés”(p.157)

4 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Yannick Mercoyrol y Jean-Luis Thibault (p.283)

5 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Ahmet Soysal (p.369)

6 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Pedro B. Rey (p.346)

7Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Jena Roudaut(p. 215)

8 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con B. Bonhomme “Sobre la poesía en francés”(p.162)

9 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Jania Sarno (p. 316)

10 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con John T. Naughton (p.196)

11 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Pedro B. Rey (348)

12 Extríido de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con John T. Naughton (p.191)

13 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Tom Van de Voorde (p.355)

14 Extraído de « L’inachevable” (op. Cité). Entrevista con Ahmet Soysal (p.373)

La entrada Homenaje a Yves Bonnefoy (2da Parte) se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Esteban Moore*

(Poemas seleccionados por el autor)

Instantáneas

La imagen del crucificado

pende vacilante de una luminaria

en la nave central

               /de un templo vacío

*

En el umbral de una casa —castigada

                                /por los elementos

Allí, en los márgenes

de una ciudad que devora

                           /nuestros sueños

una niña cepilla paciente

                            /su larga cabellera 

La canción construye sus imágenes  

En la habitaciaón desordenadala radio repite una canción de otra época

Es la música o la letra

la que te devuelve el cuerpo de esa mujer 

     – sus ojos encendidos en la  media luz

      la boca y  las manos

                                     /dispuestas-

Y  las palabras

el ir y venir de su creciente -inflamada marea 

 Aquellas palabras del momento

y aquellas otras que no supieron salir de tus labios 

Han transcurrido los días

                    y en su multiplicada noche 

comprenderás que siempre ha sido demasiado tarde

Esa mujer…

Esa mujer es un infierno el purgatorio y el paraíso terrenal

      Amazona altiva irreverente doncella que soberbia pasea

      con  gracia y calculada displicencia el don de su belleza

      por las calles de la ciudad        

Esa mujer es un infierno el purgatorio y el paraíso terrenal

       La elegida de Afrodita su inspirada discípula Custodia

       fiel de sus divinos atributos en los templos secretos del

       amor 

Esa mujer es un infierno el purgatorio y el paraíso terrenal

       Despiadada sacerdotisa pagana El jardín de las delicias

       en el que ángeles demoníacos y satánicos serafines 

       ensayan los juegos las trampas en las que habrán de caer

       seducidos de sus encantos los objetos de su deseo  

Otoño

Al ras de la circunstancial quietud del agua

——el viento  (de antiguo­­­–

ensaya sus  sonidos

esa música

vedada a la voz humana

Arrastrados lamentos

que estremecen hojas y  follaje

Notas alzadas

en el crujir de las ramas muertas

en el rolido de las hojas secas

Rumor creciente que atraviesa

la interminable llanura pampeana

*Esteban Moore (Buenos Aires, 1952). Poeta, traductor y ensayista. Su obra fue reunida en: Poemas 1982-2007 (2015, Alción, Córdoba, Argentina).  En 2017,  La porteña ediciones, dio a conocer su ensayo Jorge Luis Borges, el escritor poeta y en 2018, Alción Editora publicó su traducción de Lawrence Ferlinghetti, La poesía como un arte insurgente.

Entre otras distinciones la  Universidad de Carabobo, Valencia, Venezuela; le otorgó por su labor poética la Orden Alejo Zuloaga.

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Por Lic.NORA PATRICIA NARDO

“El artista creador, el poeta y el santo deben luchar contra los dioses reales de nuestra sociedad: los dioses del conformismo, así como los dioses de la apatía, del éxito material y del poder explotador” Rollo May  (1977)

Hoy es otro viernes gélido en la ciudad de Buenos Aires, pero para cada uno de nosotros  el clima es un dato menor, venimos concurriendo a este Café Montserrat -hace más de veintiséis años-, acompañando este encuentro con el arte y la poesía, celebrando la amistad, la palabra, compartiendo con el “otro” nuestras inquietudes, nuestras angustias, nuestras ausencias, nuestras alegrías: el ciclo literario “Antonio Aliberti” es un refugio para el  alma.

Un espacio urbano privilegiado donde  los sueños no son reemplazados,  no son abandonados, un  escenario de supervivencia  de nuestra identidad, un lugar cuidado, comprometido con su tiempo, un lugar de disfrute, donde cada uno deja bellas marcas y arroja luz a nuestros pensamientos.

Un momento nuevo de sensibilidad, una visión única, un acto creativo.

Hoy  es otro viernes especial para Generación Abierta, hoy, viernes 6 de Julio de 2018, celebra sus treinta años de vida, la continuación de un proyecto que creció y  que maduró a través de todo este tiempo.

Generación Abierta nació cuando no existían ni las computadoras, ni los teléfonos celulares ni internet, fue surfeando dificultades socioeconómicas  que  fueron sucediendo en nuestro querido país, de una democracia incipiente con sueños libertarios y de colectivos de intelectuales a un individualismo atroz del sálvese quien pueda. Pese a estos vaivenes se mantuvo en pie, fiel a sus convicciones mostrando las contradicciones que se daban en los diferentes ámbitos artísticos, literarios, educacionales.

El cambio de paradigma tecnológico y la propia crisis supuso  una oportunidad excepcional para repensar el futuro de la revista y la manera de poder continuar con nuestros modos de producir cultura y rápidamente nos acomodamos, no  sólo proseguimos editando  en forma papel sino también sumamos el formato virtual, llegando a lugares inimaginables, con nuevos lectores y nuevas colaboradores de distintas partes del mundo.

Nos pareció  muy importante tener  un canal en YouTube  con la finalidad de que queden registradas todas las actividades artístico- culturales que se realizan y no se diluyan en el tiempo, que sea como un archivo de lo acontecido, como un espejo de lo vivido, de todo lo que  hemos experimentado, de todo lo que hemos construido, reconociéndonos en  diferentes  escenarios históricos, con nuestra propia identidad, con una mística que nos trasciende, que perdura y hace inteligible el paso del tiempo y potencia el futuro.Hay páginas gloriosas de la construcción colectiva de nuestra historia cultural, que nos abren distintas posibilidades de análisis arrojando una mirada crítica, compartida o no, pero construida entre todos los protagonistas, que  invitan a pensar nuevas significaciones a nuestra realidad. Algunos de los aspectos que definen su perfil desde los comienzos son, la posibilidad de dar a difusión a nóveles valores en las distintas disciplinas que la integran; recordar a aquellas personalidades importantes y hechos trascendentes que contribuyeron a la grandeza cultural de nuestro país; por otra parte, ser un puente de comunicación entre el país y el exterior ya que se cuenta con corresponsales en diferentes lugares del mundo.

Todo este trabajo que se realiza con seriedad, rigurosidad, compromiso es independiente y voluntario por lo que   nos da un placer previo y un placer mayor luego de su aparición, los desafíos son muchos y las políticas culturales no ayudan a las producciones independientes, no hay subsidios, sólo  la pasión  por lo que representa el proyecto Generación Abierta y una  fuerte convicción del trabajo realizado y de los objetivos propuestos.

Quizás lo más certero de ensalzar es la voluntad y la perseverancia de su Director “Luis Raúl Calvo” pues es el motor que hace posible la aparición de un nuevo reto, como dijo nuestra querida amiga poeta  Nina Thurler  “un ferviente luchador que no bajó los brazos e instaló en nuestra ciudad un lugar de resistencia inclaudicable en momentos difíciles de nuestro país”. 

Quienes hacemos Generación Abierta privilegiamos, el encuentro de la palabra y el acto, la recuperación de  la memoria y vinculada con   la realidad y con el verdadero valor del respeto por el otro.

En estos tiempos vencidos por el desaliento y la resignación desobedecemos  el destino de la derrota, de la economía de mercado, de la fluidez.

Intentamos tejer un segura red de interacciones humanas sin fecha de vencimiento, invertir en proyectos y sentimientos profundos, duraderos y confiables, una  alternativa riesgosa  en esta época de lo efímero, de lo  breve.

Uno de los desafíos de nuestra revista es continuar generando un ejercicio crítico sistemático de las producciones literarias, artísticas, educativas y promover nuevas obras estableciendo un vínculo estrecho con nuestros lectores, construyendo nuestra historia con todas las voces,  tratando de no dejar afuera ninguna, con la convicción de que todos cimentamos desde nuestro lugar, analizando las fortalezas y debilidades a fin de encontrar caminos nuevos, enriqueciéndonos con la mirada del otro.

Desde la sección de educación la problemática del hecho educativo no se puede sólo enmarcar dentro de un campo específico pedagógico, aparece también la filosofía, la antropología, la psicología, la psicopedagogía, lo social, lo histórico, lo político una trama interesante de distintas disciplinas  que nos da distintas fuentes de análisis y por lo tanto enriquece  la producción de pensamiento.

Generación Abierta fue ”Declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires”, en agosto del año 2000, por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, por decisión unánime, según sus palabras “Por contribuir a la grandeza cultural de nuestro país…”

Generación Abierta es dirigida desde sus inicios por Luis Raúl Calvo, poeta y psicólogo; Adriana Gaspar, Lic. en Arte, artista plástica, es la Vicedirectora; Nora Patricia Nardo, Lic. en Ciencias de la Educación, psicopedagoga, es la Jefa de Redacción, Carlos Baltar se encuentra a cargo de la diagramación de la publicación y Daniel Montesano se encuentra a cargo de la parte de diseño informático de www.generacionabierta.com.ar.

Pienso que hablar de treinta años de este proyecto es alcanzar lo inalcanzable: “la utopía”.

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       Doscientas sesenta obras de mujeres artistas de Iatinoamérica, otras tantas expresiones íntimas de Io que significa ser un diverso oprimido de Ios cuaIes eI Iugar mujer en una sociedad patriarcaIista ocupa un puesto importante entre Ios inmigrantes, Ios refugiados, Ios discriminados por coIor o feaIdad, deformidad, pobreza o diversidad de género. Un rescate deI amor en Ios otros apartados deI mundo, Ios enfermos mentaIes y su derecho a Ia visibiIización y aI amor, señaIamiento también de Ia soIedad y marginación en Ia prostitución y eI transgénero. EI insiIio y exiIio exterior en Ia época de Ias dictaduras, durante Ias cuaIes muchas de eIIas tuvieron que hacer un arte encriptado, metafórico. Y esto sin dejar de Iado eI tema deI deterioro ambientaI, entorno o escenografía deI mundo durante Ios años 1960 y 1985 y que perdura hoy aún con más fuerza a pesar de su mayor exposición.

        Porque Ias condiciones de fondo no han cambiado, y estas pioneras de Ia crítica sociaI a través deI arte supieron coIocar, a través de nuevos Ienguajes, su mirada crítica y su grito de recIamo Iuchando por derechos negados, denunciando vioIencias ocuItas, deveIando a veces tabúes con crudas imágenes, otras utiIizando eI humor o Ia ironía, eI secreto cuidadosamente guardado deI abuso de poder en Ia normativización de Ios roIes.

       Una profundización sobre Ia vioIencia, Ia  excIusión, Ia naturaIización de Ios papeIes asignados sociaImente, eI cuerpo tabuado, una ceIebración deI goce sexuaI, una mirada distinta sobre Ia maternidad, Ias Iabores domésticas, Ia menstruación, Ia mujer y eI transgénero.

       Ser testigo y a Ia vez partícipe en mi Iugar de investigadora, deI encuentro entre mujeres artistas, muchas de eIIas activistas feministas y otras Iuchadoras por Ios derechos de Ios excIuidos deI mundo, que sóIo se(nos) conocían(mos) por nombre u obra, que tampoco muchas de eIIas habían visto antes a Ias curadoras: CeciIia Fajardo HiII y Andrea Giunta, fue habitar un espacio de comunicación y de enIace, de afecto y festejo.

    Tuve Ia oportunidad de entrevistar a varias de eIIas y presenciar sus narraciones en púbIico. EI paseo por sus obras reIatando su modo, su significación y muchas veces Ia situación personaI que se imbrica con Ia sociaI, en tanto sus expresiones individuaIes se coIectivizan aI devenir arte comprometido, arte poIítico, enunciado de probIemáticas sociaIes comunes, en este caso no sóIo de Ias mujeres o de sí mismas, sino de un coIectivo fantasmático que se amaIgama en siIencio ante Ia injusticia, eI maItrato, Ios femicidios, Ia excIusión en cuaIquier Iugar deI mundo. Cada mujer, cada artista, cada obra como indicadora de una temática compIeja. Su Ienguaje, básicamente conceptuaI, incIuye Ia pintura, eI dibujo, eI body art, Ia instaIación, Ia performance, Ia fotografía, eI video, un Ienguaje que en ese tiempo y momento fue eIegido para diferenciarse deI excIusivamente académico, donde predominaba eI arte producido, gestionado y exhibido por hombres.

    En este proyecto Ias curadoras pusieron énfasis en Ios motivos de invisibiIización de muchas de estas artistas mujeres, que exhibían un arte radicaI aún en períodos fuertemente represivos como Ias dictaduras miIitares, cuáI era Ia contribución de eIIas, y sobre todo en aIgo de suma importancia: Ia ubicación en Ios contextos socio poIíticos y cuIturaIes en que se habían producido Ias obras entre Ios años 1960 y 1985.

    La Pinacoteca NacionaI de San PabIo, BrasiI, es eI museo de arte más antiguo de Ia ciudad, un hermoso edificio de IadriIIos deI SXIX, espacio en eI que se reaIizó esta muestra que ya  fue presentada en eI Hammer Museum de Ios ÁngeIes y en eI BrookIyn Museum de Nueva York durante 2017 y 2018, producto de una investigación de seis años en Ia que se seIeccionaron  artistas mujeres Iatinoamericanas aIrededor de Ios temas citados.

Por eso no fue sóIo un encuentro de artistas mujeres de una misma generación sino un encuentro también interior en torno a una sensibiIidad común, un tema deIicado e íntimo, una toma de posición frente aI mundo.

Narraré algunos encuentros, manifestaciones, características,fragmentos, datos, como anticipación a una serie de actividades que van a ser programadas, en Ias que se podrán ver y generar debate sobre Ias entrevistas, Ias fotografías, se podrá escuchar a Ias artistas, conectar sus obras con eI momento vitaI e histórico en que fueron creadas, significativo para definir también Ia actuaIidad que estamos viviendo, apertura necesaria en su momento sobre eI cuaI se construyeron Ias Iuchas de hoy cambiando Ios modos, mas no Ios temas.

   La forma en que contacté a Ias artistas fue deI todo azarosa: imaginen un espacio donde en cinco saIas se exhiben tantas obras, púbIico y artistas circuIando, también Ias curadoras de Ia muestra y deI museo, VaIeria PiccoIi, a quien agradezco haberme invitado.

   De repente me topé con quien me había provocado una profunda simpatía, aI estudiar su obra y trayectoria: Teresinha Soares (1926). La sonrisa y eI abrazo fueron espontáneos. Yo Ia había visto en videos y fotos, eIIa no me conocía, Ia entrevista tampoco estaba pautada. Fue una vueIta deI azar, dentro de un contexto apropiado. Cuando Ie dije quién era, y que me proponía entrevistarIa se mostró encantada, y, junto con su nieta e hijo bajamos aI Iugar que me habían faciIitado para hacer Ias entrevistas, con eI hermoso fondo deI Jardim de Luz. 

    MiIitante desde Ios 60´s, a través de Ia pintura, Ia instaIación, eI happening, hizo un arte corpóreo ceIebrando eI sexo como un acto poÍítico que se continuó durante Ia dictadura. Su instaIación “Caixa de fazer amor” se vueIve universaI aI expresar eI acto sexuaI como un acto de amor, un intercambio que puede ser progresivo o regresivo, según se Ie dé a Ia maniveIa, hacia atrás o hacia adeIante. Su necesidad de expresarse es orgánica, fisioIógica –según dice- “como un parto”. ResaIta eI goce, eI disfrute. Todo un canto a Ia vida. Su energía y eterno entusiasmo. Todavía me dura Ia sonrisa.

    Paz Errazuriz (1944) es una fotógrafa chiIena que trabaja y trabajó con situaciones marginaIes, reIacionadas con cuestiones de género, transgénero y prostitución y también con eI abandono de Ios enfermos mentaIes y su derecho a ser reconocidos. Autora junto con DiameIa EIditt deI Iibro “EI infarto deI aIma” (1990) que recoge su experiencia con Ios internos psiquiátricos de Putaendo.

   Su humiIdad y amabiIidad IIaman agradabIemente Ia atención. En sus comienzos rechazada, esta autodidacta de Ia fotografía IIegó a ser ampIiamente reconocida y ha expuesto en Iugares embIemáticos como Ia Tate GaIIery de Londres. Su obra, profundamente dramática, puede considerarse transformadora.

   No puedo dejar de incIuir en este breve resumen a Ia mexicana María Eugenia CheIIet (1948) cuyos arquetipos, prototipos y estereotipos femeninos expresan, a través deI humor y Ia ironía, toda una crítica sociaI a Ia reIigión, a Ia comerciaIización de Ia imagen, a Ios estereotipos de beIIeza impuestos por Ios medios, transfiriendo su propia identidad hacia estas figuras estereotípicas. Usando eI coIIage como expresión de Ia fragmentación yeI autorretrato. EI humor puede ser muchas veces, una forma refinada y penetrante de Ia crítica sociaI.

   Con Janet Toro, ChiIe (1963) hubo una confusión. Quiso ayudarme con eI trípode a Ia saIida deI museo, y yo creí tratar con Ia novia deI hijo de CheIIet. Agradecida, Ie pregunté su nombre, y cuando me Io dijo Ie comuniqué con sorpresa para Ias dos, que era una de Ias artistas que había seIeccionado para entrevistar y que no  había encontrado. Pautamos una cita para eI día siguiente. Así fue como nos conocimos, y de este encuentro también fortuito y de un error, nació una comunicación muy cáIida, en Ia que ir descubriendo Ia coherencia de su vida y su obra fue un camino muy grato y también sorprendente, aI ver refIejado en su hacer artístico, una vaIentía y un coraje admirabIes .Performer, accionó en espacios púbIicos en referencia a Ia vioIencia y a Ios desaparecidos en dictadura. Su acercamiento aI otro, a través de una simpIe pregunta, moviIizó a transeúntes y provocó Ia intervención de Ia poIicía con eI riesgo que eso impIicaba en ese contexto. Su serie de performances duracionaIes “Dibujar eI Iímite”, IIevó su propio cuerpo aI Iímite permaneciendo Iargas horas, creando, según sus paIabras “un espacio de resistencia y de poesía”.

   EI espacio no me permite describir aquí Ia obra de Karen Lamassone, CoIombia, con su obra intimista, de Marcia Schwarz, de Diana Dowek, de CIaudia Andújar de Argentina, Mónica Mayer, mexicana, DiameIa EItitt, ChiIe, Ana Mendieta, Cuba, y tantas otras mujeres arriesgadas y comprometidas de Iatinoamérica, formando parte muchas de eIIas de movimientos feministas, transgénero y poIíticos, creadoras de un universo posibIe a través de un arte transformador.

Nota:  Esta información aporta a Ia investigación que vengo IIevando a cabo sobre Arte y Compromiso sociaI. En este caso eI foco está puesto en Ia Mujer como Diverso Oprimido. Otros capítuIos de Ia investigación han sido pubIicados en diversos medios.

*Susana Neuhaus: Psicoanalista, investigadora y artista visual

La entrada Habitando la muestra Mulheres Radicais en la Pinacoteca de San Pablo se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Entrevista a cargo de NORA PATRICIA NARDO

G.A.: A principios de este siglo Generación Abierta tuvo el gusto de entrevistarte, en aquella ocasión estuvimos charlando acerca de los adolescentes, sus preocupaciones, el imaginario social  que había acerca de la adolescencia, el rol de las instituciones educativas. Hoy, después de 18 años como lo pensás …

S.R. La pregunta esencialista, qué es la adolescencia, qué es la juventud podría reemplazarse, por cuál es el imaginario social que existe acerca de ellas. Creemos que en torno a la adolescencia y a la juventud se ha construido un imaginario cuyo principal eje es la homogeneización. Esto  es, la existencia de un conjunto de ideas, creencias, opiniones que puedan servir de explicación a variados aspectos de los adolescentes y jóvenes, como si fueran un todo compacto, como si todos los adolescentes y jóvenes fueran iguales, por el hecho de ser así nominados.

En las diferentes etapas históricas, la adolescencia, la juventud es portadora de determinadas características. A la manera de un signo, se le adjudica un conjunto de valores socioculturales con los que predominantemente se las reconoce. Tanto ayer como hoy, el imaginario social se relaciona con las lógicas de poder, con las expectativas que la sociedad –adulta– tiene en relación con “su” adolescencia y juventud, y que pueden ser aceptados y/o legitimados como propios por los sujetos que transitan por esa etapa vital.

Las fronteras de la juventud son culturales antes que meramente etarias, en la medida que están socialmente construidas. Por lo tanto, varían histórica, geográfica y culturalmente.

G.A.: En el libro “Entre adolescentes y adultos en la escuela”  desarrollás la cuestión de la subjetividad …

S.R. La categoría subjetividad ha permitido integrar lo idéntico y lo diferente, la estructura y el acontecimiento, lo individual y lo social, lo público y lo privado.

Si aceptamos esta premisa, la indagación de la subjetividad consistiría básicamente en la interrogación de los sentidos, las significaciones y los valores que produce una determinada cultura, su forma de apropiación por los sujetos y los efectos sobre sus acciones prácticas. La subjetividad no es otra cosa que una producción histórica de las significaciones imaginarias que instituyen formas de vivir la existencia humana.

G.A: Entonces … ¿la subjetividad remite tanto a lo social como a lo individual?

S.R. A través de lo que llamamos subjetividad el ser humano se constituye como tal, ingresando al mundo simbólico, cultural, regido por las lógicas del lenguaje. Al hablar de subjetividad nos enfrentamos con aquello que resulta irreductible a la trama que conforman la sociedad y los sujetos que la componen. No hay sujeto sin sociedad, ni sociedad sin sujeto. Los procesos de acogida al mundo humano y los recorridos ulteriores que se transitan a lo largo de la vida, van cambiando de acuerdo a las épocas, produciendo diferentes formas de vivir, de producir subjetividad.

Las instituciones sociales son quienes instituyen las formas de organizar la subjetividad. Si la familia y la escuela fueron (y en buena medida siguen siendo) las principales agencias de subjetivación, en la actualidad la comparten (o pierden terreno) frente a los discursos mass mediáticos y las tecnologías de la información y comunicación.

G.A.: ¿Cómo calificarías la subjetividad de época?

S.R. En la actualidad, la subjetividad socialmente instituida es mercantil, en tensión con la subjetividad estatal debilitada. Subjetividad que se configura como consecuencia de los poderes hegemónicos pero, también, con la existencia de un plus singular como efecto de los procesos de subjetivación. Frente a la subjetividad mercantil, socialmente instituida como hegemónica, surgen otras formas de habitar el espacio y el tiempo, un campo de cierta autonomía respecto de las formas dominantes. En este sentido, la subjetivación sería el revés de la subjetividad instituida.

En un escenario social dominado por el mercado que promueve una cultura homogeneizadora de la condición juvenil, surgen y se desarrollan diferentes experiencias de carácter contrahegemónico, distintas formas de resistencia en las que sujetos llamados adolescentes y jóvenes, construyen procesos de subjetivación alternativos, con sus propios saberes, relaciones de poder y estéticas.

G.A.: Pareciera que aún continúa este fenómeno de “moratoria social”, no tener nuestros jóvenes apuro en crecer, en ser adultos, este darse tiempo de no elegir una carrera en el momento de salir de la escuela media o ir cambiando de carrera hasta encontrarse en alguna de ellas sin que esto les produzca  demasiada angustia, como quizás nos  pasaba a nosotros en nuestra época donde  queríamos ocupar  un rol más activo y donde disputábamos cierta autonomía y responsabilidad más rápidamente… Quizás está pregunta no se generalice con los sectores más desprotegidos  que necesitan prontamente insertarse en el mundo laboral…

S.R .Una de las cualidades propias que se le atribuye a la juventud es la condición de moratoria psicosocial, categoría que se ha instalado y que requiere su elucidación crítica. En su libro Identidad, juventud y crisis, Erik Erikson (1971) sostiene que la moratoria psicosocial es un tiempo que el adolescente necesita para hacer las paces con su cuerpo, para terminar de conformarse y para sentirse conforme con él.

Durante ese tiempo el adolescente se enfrenta a una lucha entre los objetos viejos que debe abandonar y los nuevos que va a tomar. Así va construyendo su propia subjetividad, a través de pérdidas y nuevas adquisiciones.

La moratoria psicosocial corresponde a la necesidad que tiene la sociedad para organizar su producción económica, y también cultural. En las sociedades capitalistas modernas, las actividades de producción económica, cultural y social reclaman un tiempo de formación prolongado que se adquiere en instituciones educativas especializadas. Primero fueron las escuelas secundarias y hoy son los estudios superiores. Se alarga cada vez más el proceso de capacitación y adquisición de saberes y competencias para la incorporación al mercado de trabajo.

Las desigualdades sociales en la juventud estarán, por lo tanto, constituidas por las diferencias existentes en relación con el beneficio de dicha moratoria psicosocial. Es decir, no todos los jóvenes gozan de ese privilegio. Por ello, resulta importante diferenciar la moratoria vital (como aquello que permite distinguir a los jóvenes de los no jóvenes) de la moratoria social, es decir, lo que diferencia a los social y culturalmente juveniles de los no juveniles. Es posible reconocer la existencia de “jóvenes no juveniles”. Por ejemplo, jóvenes de sectores populares que no tienen el beneficio de una moratoria social, es decir, de ese privilegio que supone postergar el ingreso al mundo adulto, al mundo de las responsabilidades y al de la autonomía económica. Jóvenes que no son portadores de los signos que caracterizan hegemónicamente a la juventud actual.

G.A.: ¿Cómo pensás la relación intergeneracional en nuestra época?

S.R. Las distancias generacionales entre adolescentes-jóvenes con los adultos se resignifican y modifican en cada momento de la cultura. Ahora los jóvenes –tecnología mediante- poseen saberes que los adultos desconocen. El ritmo de difusión de los conocimientos rompe las antinomias (el que sabe versus el que se prepara) generando una mutación de los roles típicamente asignados a adultos y jóvenes. A pesar de este dato de época, la función de sostén sigue recayendo en el adulto, como función garante de desarrollo de procesos de subjetivación.

El “entre” jóvenes y adultos asume características diferentes. La modalidad  confrontativa predominó en tiempos del capitalismo industrial, mientras que la modalidad abúlica, desinteresada, apática fue propia de ciertos comportamientos juveniles en la etapa del capitalismo financiero, tiempos de deterioro de la sociedad salarial. Pasaje de modernidad sólida a la modernidad líquida, podríamos decir también anclando en distintos autores. 

La relación intergeneracional no sólo se organiza a través del enfrentamiento por los diferentes lugares que se ocupan en la producción, sino principalmente, por los gustos, las estéticas, de cada grupo. Adolescentes, jóvenes y adultos se hallan ligados por la lógica del mercado, (obviamente del mercado cultural también) más que por la lógica productiva. De todos modos, no es lo uno o lo otro. Es una tensión entre ambas.

Si algo caracteriza lo adolescente y lo joven en su interrelación con lo adulto es la búsqueda de autonomía, de un espacio propio para desarrollar la vida. Búsqueda de autonomía que supone recorridos marcados por las condiciones sociohistóricas. La búsqueda de autonomía tiene un estatuto que produce comunión con otros, búsquedas colectivas de formas de vivir la vida, culturas juveniles podríamos decir, más cercanas a las lógicas hegemónicas mercantiles, en algunos casos, más próximas a búsquedas contraculturales, en otros.

G.A.: Pasaron ya dieciocho años y Generación Abierta está cumpliendo 30 años  querés comentarnos algún cambio significativo en estos tiempos…

S.R. Tomaría 4 rasgos distintivos de la condición adolescente y joven en nuestro país en la actualidad. El aumento de los procesos de vulnerabilización en los sectores populares; la profundización de la lógica mercantil en las prácticas culturales y en las formas de vivir; el impacto de las nuevas tecnologías; y el protagonismo en la lucha por los derechos, encabezados básicamente por los colectivos de mujeres.

*Sergio Rascován: Lic. en Psicología por la Universidad de Buenos Aires y Magister en Salud Mental Comunitaria por la Universidad de Lanús, se desempeña como codirector de Punto Seguido. Espacio de Intercambio y Formación en Salud y Educación. Profesor en varias universidades nacionales y extranjeras. Coautor de Entre Adolescentes y Adultos en la Escuela- Puntuaciones de época- (2013) y autor de varios libros, entre otros: Orientación vocacional, una perspectiva crítica (2005); Los jóvenes y el futuro (2012) e Imágenes ocupacionales (2006)

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