Por Ana Guillot

El 26 de Noviembre de 2021 pasado se realizó el relanzamiento del Café Literario y de Arte “Antonio Aliberti”. Luego de dos años del último encuentro llevado a cabo en el ya mítico Café “Montserrat”-Bar Notable-, el cual lamentablemente cerró sus puertas debido a esta pandemia, los organizadores de este ciclo que ya tiene 32 años de vida, se vieron en la obligación de buscar otro espacio cultural y lo encontraron en otro emblemático café, en este caso “El Gato Negro”-Bar Notable– ubicado en la Av. Corrientes 1669.

En un clima de mucha emoción -por el reencuentro presencial con much@s amig@s de la poesía, del arte, de educación, después de tanto tiempo-, dentro de la programación, se presentó el libro “Salvar el olvido” (Ed.”Generación Abierta”), en edición bilingüe español- italiano, de Nora Patricia Nardo, Jefa de Redacción y a cargo de la Sección Educación de la Revista “Generación Abierta”.

Un numeroso público acompañó esta presentación, la cual se llevó a cabo respetándose las medidas sanitarias vigentes, debido al coronavirus.

Se refirieron a la obra los poetas Daniel Arias y Ana Guillot, la autora leyó poemas en español y Duilio Natale, hizo la versión en italiano. El músico Oscar Laiguera y la joven cantante Selena Jancovich, acompañaron la presentación interpretando bellos temas musicales.

A continuación, les compartimos algunos conceptos de los presentadores de “Salvar el olvido”, de Nora Patricia Nardo.

“… Nora Nardo nos pone de frente a la angustia del siglo con su mirada inocente y clara cuando vislumbra un camino nuevo que conduce al conocimiento íntimo, esa iluminación repentina, ese deslumbramiento, esa visión inagotable que no pretende más que dibujar un sueño, concretar los dones recibidos, regresar con su palabra y repartirla, por eso la poeta, como síntesis, le da forma a lo indecible y lo sacraliza.

Frente a la obra podemos decir a modo de introducción que su poesía es una experiencia dolorosa de soledad y extrañamiento resuelta en canto.

Esta notable obra de Nora Nardo “Salvar el Olvido” es fruto de su acción creadora, acción creadora que entrega al mundo en cuanto muestra y enseña desde una particular mirada lo real y la realidad misma. Nos pone a salvo de la desgarradora pérdida. No lo hace sola, lo comparte y pone al servicio de los demás. Es el vaso comunicante de lo inefable para que nos entreguemos al goce de la realidad antes que el tiempo nos perturbe…” (Daniel Arias).

“Salvar el olvido”, de Nora Patricia Nardo (Ed. Generación Abierta, Buenos Aires, 2021)
edición bilingüe, español-italiano

Traducción al italiano: Domenico Muratore

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Por Dra. GRACIELA MATURO

(Con Antonio Di Benedetto mantuve una larga y entrañable amistad desde mis veinte años. Compartíamos esa amistad con Alfonso Sola González, quien lo invitó a su cátedradeLiteraturaArgentina,interesado enel jovenescritor –apenas algo más joven que él mismo– que empezaba a singularizarse en el ámbito literario de Mendoza. Tiempo después, al regreso de su exilio en España en 1985, y como cerrando un ciclo, lo invité a la cátedra de Teoría Literaria a mi cargo en la Universidad de Buenos Aires. Así les dijo Antonio a mis alumnos: “Fui invitado a la Universidad de Cuyo en 1950, por Alfonso Sola González, y ahora, de regreso a la patria, es Graciela quien vuelve a invitarme a una cátedra de Letras”. No creo exagerado afirmar que el tiempo y los sufrimientos decada uno nos fueron acercando en más deun aspecto. Antesdevolver, él me pidió desde Madrid que prologara sus “páginas seleccionadas por el autor” para la editorial Celtia; alcanzó a leer eseprólogo y meexpresó su alegría, pero el libro debió consignar su muerte, que se produjo el 10 de octubre de 1986. Lo visité varias veces en el Hospital Italiano, donde permaneció un mes y medio en estado de coma. Iba a verlo a las 3 de la tarde, nunca me crucé a nadie, pero supe que Francisco Aldecua estaba a su lado por la mañana, y que Graciela Lucero iba por las tardes. Hasta aquí mi recuerdo y homenaje de amiga, con la expresión de un deseo profundo: que sea investigado el proceso de su prisión y tortura. Hubo entregadores, hubo cómplices: él me lo dijo).

Di Benedetto,

un grande de las letras hispanoamericanas

“Escribo para confesarme y salvarme.”

Antonio Di Benedetto

Antonio Di Benedetto (1922- 1986) se ha convertido en una figura emblemática de las letras argentinas. Su probidad intelectual, su cualidad de escritor eximio y al mismo tiempo su condición de víctima de la dictadura militar hacen de él un ejemplo singular del destino del escritor, que asume la palabra como indagación del mundo y de sí mismo sin eludir en ningún momento la responsabilidad de asediar la verdad. Sus ficciones son vías de esa tarea de autocomprensión, que abre a sus lectores el conocimiento del mundo y de sí como sólo el arte genuino sabe hacerlo.

Entre nosotros suele cometerse el error de aislar la literatura argentina de la que producen los demás países de América Latina, entre los cuales Argentina muestra ciertamente su singularidad pero asimismo su pertenencia. Y esto se hace más notable cuando enfocamos a los escritores que llamamos del “interior”, como Moyano, Tizón, Víttori o Di Benedetto, quienes dan cuenta, por su formación y fidelidad al entorno, de su raigal pertenencia a América Latina. No me estoy refiriendo al escritor folklórico, como es el caso de un Draghi Lucero, que asume conscientemente la búsqueda y recreación de la narrativa tradicional, sino a autores formados en ciudades de provincia, en diálogo con el mundo y dentro de un particularismo identitario que los hace universales sin plegarlos necesariamente a las modas, y que cuando se aproximan a movimientos filosóficos y artísticos epocales y mundiales, como lo han sido el existencialismo y el surrealismo, lo hacen desde la madurez de su cultura propia. Son asombrosas las similitudes culturales entre novelas como Zama (1956)¹ y El coronel no tiene quien le escriba (1961), o El silenciero (1964) y La Hojarasca (1955), o las que relacionan, manteniendo distancias de invención y estructuración, a los cuentos de Juan Rulfo y los de Antonio Di Benedetto. El sustrato cultural e histórico que los sostiene dicta, innegablemente, el parentesco de la mirada, el habla y la simbólica que les son comunes. Ellos expresan desde adentro la situación de países que fueron anacrónicos en relación con la Modernidad euro- norteamericana; la idiosincrasia de culturas periféricas o marginales al poder central que ha gobernado a buena parte del mundo en los siglos recientes. Y este contraste se manifiesta no solo en lo político sino, especialmente, en los aspectos culturales que el escritor vivencia y expone singularmente a través de su trato con lo simbólico.

Antonio Di Benedetto ha expresado como pocos ese drama cultural, y lo hizo colocando a la vez, como eje de su producción, su propia vida, no al modo simple y directo del escritor confesional sino calando profundamente en los estratos vitales a partir de una inventiva poética. Ello da plena razón a la legitimación de los lenguajes metafóricos en su relación con la verdad, como nos ha revelado Paul Ricoeur2. La invención poética no esgratuita: esuna técnica deinvestigación dela realidad histórica y más profundamente de la realidad subjetiva.

Al considerar a la ficción como un modo indirecto y revelador de presentar la verdad, Ricoeur nos ha mostrado lo más hondo del quehacer ficcional: la creación de personajes, la construcción o invención de ficciones, conforman un aparato heurístico apropiado para descubrir lo esencial de la propia vida –del autor, del lector– mostrando la verdad por una vía indirecta. Se aplica a esa labor la triple mímesis de la cual nos habla su texto magistral sobre la narración: la prefiguración, la configuración y la refiguración por el lector, que hace del proceso ficcional una expresión oblicua de la verdad. El texto dela novela remitesiempreal presente histórico del lector, así como a la vida individual, reconfigurada en la operación de la lectura. L’auteur apporte les mots et le lecteur la signification³. No se trata de la figura del lector sugerida por la retórica, e implícita en el texto, sino del lector real, que reinterpreta los signos del autor. Queda dicho pues que no adscribo a ninguna postura posmoderna negadora del sujeto real, a ninguna concepción del artefacto literario como realidad autónoma que puede ser estudiada en sí misma.

Di Benedetto transitó tempranamente ese camino realista al que tratamos de devolver su significación a través de una lectura acorde. Hizo de la escritura un espejo de su aventura vital, acompañado de una profunda indagación filosófica y expuesto a través de una construcción artística lúcida y exigente, instalada con plena conciencia del peso de la palabra y el valor de la forma estética.

Consciente como pocos del oficio de escritor, cultivó un estilo sobrio, reticente, tocado por una leve ironía o volcado al humor, siempre contenido y sutil, variantes que a mi ver constituyen modulaciones del temple y el habla del mendocino, y con mayor amplitud del hombre de provincia. El provinciano –que muestra pertenecer de fondo a la cultura hispanoamericana, es decir latino-indo- afro-americana–, es reticente por secreto orgullo, e irónico por una mezcla de autovaloración y timidez; practica cierto humor particular en que se cruzan la inteligencia y la afectividad, al servicio de cierta defensa interior largamente asumida ante el alarde de la modernidad euroatlántica. A esa esfera regional se superpone, ciertamente, la individualidad creadora de un autor excepcional.

Desde Cervantes en adelante casi no conocemos autores literarios que hayan elogiado el avance de las ciencias, las máquinas o la invención técnica en sus distintas etapas. No quisiera caer en una imagen estereotipada del escritor como anti-progresista: me refiero a que el escritor occidental europeo o latinoamericano asumió (mayoritariamente) la misión de contrapesar los excesos modernos; su lugar estuvo siempre del lado del humanismo, el amor, los valores, los sentimientos; o sea, hizo una defensa implícita o explícita de cierto equilibrio humano en la historia.

¹ DI BENEDETTO, Antonio. Zama. Buenos Aires: Alianza, 1956.

² RICOEUR, Paul. Temps et Récit. Paris: Du Seuil, I, II, III: 1983-1984-1985.

³ RICOEUR, Paul. Temps et récit, III: Le temps racconté. París: Du Seuil, 1985. Cfr. p.247

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 “…Los versos improvisados bajo el estímulo de la emoción pueden ser un documento de vida, pero son de poco valor literario…”

Por LUIS RAÚL CALVO

G.A.: Estimado Giuliano, es un gusto tomar contacto con vos para nuestra Revista “Generación Abierta”. En principio nos gustaría que nos comentes en qué momento de tu vida surgió el interés por la literatura y en especial por la poesía.

G.L.: Mi interés por la literatura y la poesía nació conmigo, podría decir. Lo explicaré. Tan pronto como aprendí a leer y escribir, la maestra de primaria nos hizo memorizar poemas. Todavía recuerdo el texto del primer poema que aprendí en primer grado, titulado “Autunno”. Incluso mi madre, aunque sólo tenía aprobada la escuela primaria, recitaba versos aprendidos en los pupitres y los recordaba después de decenas y decenas de años. Junto con mis hermanos compramos y leímos la revista “Il Monello”: las ilustraciones estaban explicadas en octonario rimado. Estas experiencias me han inducido al gusto por el sonido de la palabra, por el ritmo, por la rima, por el verso. La pasión luego creció durante los estudios posteriores, también ampliada por los conocimientos de latín, francés y griego antiguo: Homero, Virgilio, Dante, Shakespeare, Milton, Goethe, letras griegas, teatro, literatura latina … Mi pasión estaba escrita en verso clásico. A veces traducía del italiano al latín en hexámetros. De los 10 a los 15 años asistí a la escuela en un internado y consumí literalmente una biblioteca bien surtida, dedicándome a leer novelas escritas por autores de todo el mundo. Me refiero a textos aptos para un lector joven: Salgari, Poe, Verne, Cronin, Chesterton, etc. Luego, durante los siguientes tres años de bachillerato y universidad, se me abrió un mundo inmenso: ningún gran autor estuvo ausente de mi pasión literaria y poética. Entonces la enseñanza de la literatura italiana y latina, me permitió ampliar mis conocimientos, que continúan hasta el día de hoy, especialmente después de la fundación de la revista.

G.A.: ¿Hubo influencias familiares y / o de otras personas, por ejemplo algún maestro o profesor?

G.L.: Una mirada retrospectiva me convenció de que la persona que más me influyó fue el profesor de literatura del Liceo Clásico, Don Carlo. Me valoró y me empujó a escribir poesía. Me proporcionó manuales de métrica italiana, latina y griega, lo que me impulsó a practicar en esta área. Aunque he escrito mucho, he publicado poco, porque soy consciente de que los versos improvisados bajo el estímulo de la emoción pueden ser un documento de vida, pero son de poco valor literario.

En segundo lugar, conocí a otra persona que me influyó profundamente y fue un alumno. Recuerdo que un jueves de noviembre de 1989, pregunté a mis estudiantes de la escuela secundaria científica si alguien estaba entusiasmado por escribir versos y todos respondieron: “¡Marco escribe versos y es muy bueno!”. Como el niño estaba ausente ese día, les insté a que lo contactaran. Tenía una tarea de clase programada para el sábado siguiente. Marco dejó la carpeta y me entregó un poema: lo leí y me quedé atónito. “Si una persona de 15 años escribe así – me dije – seguramente alcanzará niveles altos”. Y a partir de ese momento nació una amistad que se complementó y enriqueció con lecturas, discusiones, intercambios de ideas. En los primeros cinco años de los noventa nos reuníamos una vez al mes con otros jóvenes y personas mayores para hablar de poesía. Y luego, junto con él, en 1996 fundé la revista “Atelier”. Marco Merlin me sumergió en el mundo contemporáneo y me llevó a cambiar por completo mi forma de escribir.

*La segunda parte de esta entrevista-realizada en Marzo de 2021-
se publicará en el próximo número de “Generación Abierta”.

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Por Juliana Calvo *

En Noviembre de 2021, se realizó una nueva edición del ya emblemático y jerarquizado Festival Internacional de Poesía de Buenos Aires, dirigido por la escritora Graciela Aráoz.

Dentro de la variada programación, el sábado 20/11/21 en la Sociedad de escritoras y escritores de la República Argentina (S.E.A.), Bartolomé Mitre 2815, segundo piso, leyeros sus textos l@s poetas, Ciela Asad, Juliana Calvo, Paula Maffía, Patricia González López, Darío Oliva.

A su vez, est@s mism@s autor@s junto a la poeta Claudia Melnik, leyeron sus poemas en el tradicional Bar “Sur”, de la zona de San Telmo.

A continuación compartimos estos poemas de Juliana Calvo*, una de las participantes, e integrante de nuestra Revista “Generación Abierta”.

Poema

¿Qué es aquello que llamamos vida?

¿El vaivén de la desigualdad?

¿La búsqueda de la felicidad?

¿O es acaso la incertidumbre de los pasos?

Nacer… Morir…

Dos caminos por los que tenemos que atravesar.

¿Y entonces?

¿Cuán libres somos?

¿Quién manejará nuestros hilos? Si es así:

¿Cuál es el sentido de la vida?

¿Qué fin, tendremos que develar?

¿Qué hay, detrás del telón?

A los aparecidos que trajo la democracia

 Hay un pasado, una historia sin final ideales que corren por su sangre.

Tal vez, esa intensa libertad siempre la acompañó

pero hoy recién hoy

la está develando.

¿Descubrirá en su origen, la llave que encierra este misterio?

Esa verdad oculta esa historia oficial la que no se cuenta

esa que late dentro de ella y desde hace años le grita:

¡Despertad, despertad!

*Juliana Calvo:

Nació el 30 de abril de 1989 en Bs. As., Argentina. Poeta y ensayista.

Desde hace 10 años integra el staff como colaboradora en la Sección Letras/Poesía/Educación de la Revista “Generación Abierta” (Letras, Arte, Educación), publicación fundada en el año 1988 y Declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Bs. As. por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Está a cargo del área de producción audiovisual, prensa y difusión de los programas radiales “Generación Abierta en Radio” que se emite por la Radio AM 1010 “Onda Latina” y “La Tarde está en Plenitud”, que se emite por la FM 91.1 “Amadeus”, ambos de

C.A.B.A y auspiciados por el Proyecto Cultural “Generación Abierta”.

Ha sido invitada a leer sus poemas en el Café Literario y de Arte “Antonio Aliberti”; en “Café con Letras”; en la SEA (Sociedad de escritoras y escritores de la República Argentina), evento realizado por “BUENOS AIRES POETRY”; en la Legislatura Autónoma de la Ciudad de Buenos Aires, evento organizado por la Asociación de Poetas Argentinos (APOA) “POESÍA EN LA BIBLIOTECA”. Poemas suyos han sido incluidos en diversas publicaciones literarias

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“Es horroroso pensar un futuro en donde lo digital sea el medio de comunicación entre yo y los otros”

Por LIC. NORA PATRICIA NARDO

“Generación Abierta” tuvo el gusto de conversar con uno de los pensadores más respetados de Italia: el profesor y filósofo Nuccio Ordine, que nació en Diamante, región de Calabria, Italia, en 1958.

Profesor de literatura italiana en la Universidad de Calabria, humanista, filósofo y escritor. Ha sido invitado como conferencista por diversos centros universitarios del continente europeo y americano.

Ha recibido diversas distinciones y reconocimientos de distintas casas de altos estudios. Algunos de sus libros son: “El umbral de la sombra”, “La utilidad de lo inútil”, este último ha sido traducido a más de veinte idiomas y obtuvo la consideración del mejor libro humanista del año 2017.

Generación Abierta: En estos tiempos de pandemia, ha estado circulando un video suyo, acerca de la importancia de los vínculos en el proceso de enseñanza y en el futuro, cuando se salga del aislamiento social, nos dice que ninguna plataforma podrá suplantar ese encuentro presencial, necesario, imprescindible para que ocurra el aprendizaje. Además señala que las plataformas digitales son una amenaza para los docentes y que está convencido que ninguna de ellas puede cambiar la vida de un estudiante. ¿Es así?

Nuccio Ordine: Ante todo, muchas gracias por la invitación para hablar con vosotros, es para mí un placer enorme.

Sí, estoy muy preocupado porque es claro que en tiempos de pandemia, es normal que estemos recurriendo a los instrumentos virtuales y a los cursos telemáticos. No tenemos otra posibilidad, no tenemos otra opción. ¿Cuál es mi preocupación? Mi preocupación es que hay muchos rectores y profesores que han hecho declaraciones, que consideran a la enseñanza telemática como el futuro de la didáctica en la universidad. Para mí esta es una afirmación muy peligrosa, porque nos dicen que de esta manera se puede resolver los problemas de las desigualdades. No es verdad, es una gran mentira.

G.A.: ¿Por qué usted considera que es una gran mentira?

N.O.: Porque en tiempo de pandemia por ejemplo, en el sur de Italia, la región de Calabria es una región muy pobre, hay un 40 % o 45% de familias que no tienen una buena conexión de internet y en estas familias tampoco tienen ordenadores que permitan que sus hijos participen desde su casa de una didáctica telemática. Esto es discriminación, una discriminación sobre todo económica, porque hay gente que puede permitirse el dispositivo y hay gente que no puede y que no tiene una buena conexión. Hay desigualdad, pero si en el futuro los gobiernos piensan en invertir mucho dinero para potenciar la red de internet en todas las familias y comprar ordenadores para aquellas familias que no tienen posibilidades de poder adquirirlos, hay una nueva forma de desigualdad. Leyendo muchos artículos publicados sobre el New York Times, los Estados Unidos son siempre un teatro un poquito del futuro de las cosas que después pasan en América Latina y/o en Europa. ¿Cuál es este teatro nuevo? Por ejemplo los empresarios de la Silicon Valley envían a sus hijos a escuelas muy costosas, pero no tienen dispositivos digitales, en estas escuelas hay profesores de carne y hueso, muy bien pagos, que tienen pocos estudiantes y por lo tanto se favorecen las relaciones humanas, no los dispositivos electrónicos, ¿por qué? porque hoy el verdadero bien de lujo tiene que ver con las relaciones humanas.

G.A.: ¿Cuál es la nueva forma de desigualdad?

N.O.: La gente que puede permitirse solventar una escuela de elite, tienen un profesor verdadero en una clase, en un curso, y tienen la posibilidad de hablar y dialogar con los otros estudiantes y con los profesores. Y están también los hijos de las clases medias y de clases pobres que no se pueden permitir pagar profesores y universidades que cuestan mucho, lo mejor para ellos es trabajar desde su casa, porque la familia no tiene que pagar los gastos del viaje, el alojamiento y otras cosas.

Ahora, estos hijos de familias de clases medias y/o pobres tienen una educación estandarizada, que no es lo mismo por lo tanto acá también hay desigualdad. Por eso creo que la verdadera educación, es una educación donde hay una relación directa entre el profesor y el estudiante.

G.A.: ¿ Qué se produce según usted en una relación directa entre el profesor y el estudiante?

N.O.: Hay textos maravillosos que hablan sobre esto, por ejemplo, Platón, en “El banquete” habla de un eros, de una seducción que se da entre el profesor y los estudiantes, porque la palabra tiene que ser seductora, un profesor tiene que seducir a los estudiantes. Es suficiente pensar en un momento en nuestra vida personal y en las personas que han elegido una disciplina, no porque esa disciplina estaba en su ADN sino porque estas personas han tenido la suerte de conocer profesores apasionados que aman su disciplina y que han posibilitado a sus alumnos amar lo mismo que el profesor ama. Enseñar no es una profesión, enseñar es una vocación, esto es muy importante.

(Entrevista realizada el 25 de junio de 2020)

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POR LIC. SANDRA G. VINOCUR*

En este breve escrito esbozo una serie de reflexiones inspirada en el contenido de “Los sentimientos en la escena educativa” que es un libro colectivo desarrollado por un grupo de investigación que nos hemos propuesto comprender la cuestión de la afectación subjetiva en tiempos de profundo sufrimiento. Cada capítulo pone de relieve cómo la escuela puede funcionar como un territorio simbólico de reparación de las heridas sociales.

Siendo una de las autoras, voy a recorrer aquí algunas de las ideas contenidas en nuestra obra que posibilitan trazar un horizonte hacia la justicia afectiva. Para comenzar, es preciso adherir a un imperativo de época, y más particularmente de la experiencia inédita de pandemia que nos toca vivir, que consiste en la necesidad de educar la mirada en la sensibilidad hacia los demás. La pregunta es acerca de cómo aprender a cuidar de sí y de los otros. Entendiendo que el cuidado es una categoría relacional con historia.

Abordamos entonces, desde diferentes perspectivas disciplinarias pero bajo una mirada pedagógica, el tránsito emocional de los y las jóvenes en situación escolar, las intervenciones posibles para favorecer la permanencia en las escuelas de manera cuidada y amorosa, delimitando diferentes situaciones que resultan conflictivas en el marco de las relaciones sociales que en la escuela se producen. La construcción social de los cuerpos y las emociones en la sociodinámica escolar de exclusión escolar constituye uno de los ejes de nuestros análisis. Sosteniendo la firme convicción:

“La escuela representa un espacio simbólico de esperanza para concretar el derecho de las infancias y juventudes a ser cuidadas, amadas y protegidas”. Nuestra investigación busca aportar una lectura no ingenua, crítica y atenta sobre las prácticas que llevan a cabo las escuelas en pos de la inclusión educativa tras años de reformas educativas a lo largo de toda la región. El desafío de educar en contextos de exclusión supone librar diversas luchas.

Luchas que, por cierto, son internas y externas a lo escolar pero que suponen la búsqueda de un nuevo orden social (y escolar) con lugar para todos y todas, sin distinción. “El derecho a la educación ha sido proclamado en cientos de declaraciones que decenas de autoridades políticas se han comprometido a hacer cumplir. Sin embargo, su universalización aún no se ha concretado y queda mucho por hacer, sobre todo en lo que respecta a la educación media”

A diferencia de los discursos mediáticos y dominantes en el campo de la investigación educativa, elegimos situarnos en la perspectiva de Eva Illuoz quien argumenta que resulta fundamental “considerar a la emoción como una construcción sociohistórica”. En definitiva, afirmamos que “Lo que uno siente es finalmente un problema social y colectivo en tanto las emociones no residen ni en el sujeto ni en los objetos, sino que se construyen en las relaciones interpersonales de la intersubjetividad”. Existe un vínculo entre la estructura social de una época y la estructura psíquica y emotiva de los sujetos.

Es tarea de las y los adultos en tanto que figuras significativas brindar espacios donde las y los estudiantes se sientan escuchados y logren encontrar vías mediante las cuales tramitar el daño emocional padecido. Tomar registro de las experiencias que atraviesan las y los niños, niñas y jóvenes permite “comprender las conflictividades que se viven a diario en las escuelas para poder, a partir de allí, adentrarse en el abordaje pedagógico de las mismas”.

“La vida afectiva de las y los estudiantes precisa ser abordada a partir de los vínculos significativos donde los mismos despliegan su humanidad”.

*Lic. Sandra G. Vinocur, Psicopedagoga. Docente e investigadora
de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.

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Por  LIC. ADRIANA GASPAR

El aislamiento, en su comienzo, primero nos provocó desconcierto, desazón, pero fue quizás allí, donde empezamos a indagar nuevos mecanismos para intercambiar proyectos, talleres y todas esas experiencias que seguramente no se hubieran instalado en nuestras mentes, si la pandemia no hubiera formado parte de nuestra cotidianeidad.

La presencialidad en los espacios de arte quedó detenida por un breve tiempo.

Ese tiempo se fue acortando y poco a poco, fueron quedando atrás, esas prácticas que habían cobrado fuerza en nuestras propias casas, -ese accionar de puertas adentro, detrás de una pantalla, el que nos permitió buscar múltiples estrategias para que no se desvanecieran esos lazos que pudimos construir a lo largo de nuestras vidas-, aquella aventura impensada ya comenzaba a visibilizarse como parte de un pasado inmediato.

Lentamente y muy de a poco ese período se fue abreviando, quizás fue una sensación, que conformó parte de una realidad muy esperada, porque de pronto, quedamos sumergidos en dos mundos paralelos. Mundos donde se fusionó ese cruce entre lo virtual y lo presencial.

Hoy volvimos a habitar nuestros lugares, a apropiarnos de las inauguraciones, los encuentros, a accionar en espacios públicos y privados. El cuerpo volvió a ser protagonista de nuestras acciones en esos territorios que siempre habitamos.

La corporalidad cobró protagonismo en dos soportes diferentes, uno tuvo que ver con los dispositivos tecnológicos y el otro, nuestro cuerpo como soporte de obra, el cual estuvo ausente por un breve e inmenso período, hasta volver a pisar fuerte en esa tierra, en esos espacios que siempre nos legitimaron. Ambos conforman narrativas inesperadas y diferentes a la vez, pero ninguna puede reemplazar a la otra, porque las dos confluyen en prácticas paralelas, pero diferentes, por eso son autónomas.

Por eso, decidimos volver a encontrarnos en este evento multidisciplinario Latinoamericano, organizado por el Proyecto Cultural “Generación Abierta”, con la curaduría de su Sub Directora Adriana Gaspar en Argentina y Ruth Vigueras Bravo desde México, en video performance. Narrativas con diferentes soportes habitaron las salas de EspacioY Lugar Cultural: pinturas, ensambles, fotografía, fotografía digital, arte textil, poesía visual, video perfomance y performance, conformaron esta muestra, en esas bellas salas de la galería. Por otro lado, su Directora la Lic. Cristina García Oliver, nos recibió con la calidez que nos tiene acostumbrada.

La literatura también estuvo presente, desde la mesa poética, la que estuvo a cargo del poeta Luis Raúl Calvo, director de dicho proyecto.

Luego de tanto tiempo de distanciamiento social, el público concurrió con ganas de reencontrarse, lo festivo estuvo instalado ese día allí, artistas y público convergieron poéticamente después de 20 meses de desencuentros. Todo fluyó en una atmósfera entusiasta, con el cumplimiento de todos los protocolos sanitarios vigentes a la fecha. Más allá del evento artístico, hubo un punto que nos unió: volvernos a mirar a los ojos, dejando atrás esa virtualidad dual, la que por un lado, nos posibilitó la comunicación, pero por otro, fue tiñendo de opacidad ese vínculo afectivo que nos abrazaba en cada encuentro. Hoy volvimos a la presencialidad absoluta, ya nuestros cuerpos volvieron a permanecer frente a frente, a rozarse, aunque solo sea con nuetros puños. Este hecho nos marca un antes y un después de un mundo que desconocíamos, pero al que seguramente no queremos volver.

Texto Curatorial

Desde marzo de 2020, nuestros cuerpos en Latinoamérica comenzaron paulatinamente a ser atravesados por un tejido sinuoso, el que nos cargó de incertidumbres, de sospechas, de pérdidas. Una sombra que no conocíamos, empezó a seguir nuestros pasos, dejando selladas sus huellas en ese ir y venir de cada día. Recuerdo que el año pasado, una frase se apoderó de mí: “Hacer visible lo invisible”, de Paul Klee. Quizás, ella, ocultaba una inhóspita travesía que ya estaba sobrevolando nuestro continente. Allí, en ese recorrido, una Caja Negra develaba los secretos de esos cuerpos suspendidos, paralizados, pandémicos, esos que en breve conformarían una realidad inesperada, la que cambiaría nuestras vidas.

La entrada Muestras – Intersecciones: Relatos de cuerpos fragmentadxs (Noviembre 2021) se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por  LIC. ADRIANA GASPAR

Las 26 casas de Liliana, nos posibilita habitar los secretos y relatos silenciados de esa Gran Casa, la que se corporiza en imágenes, narrativas inesperadas, que algún tiempo quedaron suspendidas y hoy constituyen una pieza fundamental, en la obra de Vale Zabala.

A través de distintos soportes, la artista comienza un itinerario indagando acerca de su propia identidad. La que no solo se traduce como un proceso dinámico del alma, sino que también aparece reflejada en su cuerpo, atravesado por la incertidumbre, las vacilaciones, las cicatrices, todo aquello que forma parte de ese paraíso adulterado en el que Vale Zabala, inquiere, investiga, intentando un diálogo incisivo con cada huésped que habitó aquella Gran Casa.

¿Quiénes son esos huéspedes silenciosos, ocultos, detrás de una extensa morada de olvidos y recuerdos? Hoy las gaviotas con su aleteo, intentan restituir, esas voces calladas del pasado, para que resuenen en cada espacio, en cada rincón, intentando otorgar visibilidad a aquellas visitantes, de las que nadie se permite hablar, esto, constituye uno de los grandes interrogantes de la artista.

La obra de Vale Zabala, está conformada por dos campos claves: el conceptual y el objetual, el segundo no hubiera sido posible sin el primero, en él, la artista ha realizado un profundo trabajo de inves- tigación durante largos meses. Se preguntó no solo a sí misma, sino también estableció un diálogo generacional con las mujeres que devienen del linaje materno. Lo afectivo y la búsqueda de la identidad, se corporizan en esa urdimbre, que sobrevuelan en las voces femeninas de un pasado inconcluso.

La artista nos vincula con su obra a partir de una narrativa: a lo largo de 65 años mi madre se ha mudado de vivienda 26 veces, mi abuela en 83 años se mudó 19 veces, yo en 40 años me mudé 16 veces. Algunas de ellas la compartimos, en algunas solo vivió mi abuela, en otras, solo vivió mi mamá, también yo estuve sola en varias. Muchas de ellas yo no las conocí, otras, mi madre nunca estuvo, dos de mis casas, mi abuela no sabe cómo eran. Hay un pueblo al cual nunca fui y una casa familiar que no sé dónde queda…

En el último párrafo, Vale, pone de manifiesto su gran interrogante. ¿Cómo explorar en un territorio desconocido, cómo buscar una casa cubierta por veladuras que la hace impenetrable, ante su mirada? Ella, generó un sólido entretejido, el que oscila entre lo conceptual y lo objetual, ambos procesos son medulares en su producción artística.

¿Cómo develar respuestas a tantos planteos, sin bucear en un universo antropológico?

La artista, se propuso realizar un recorrido territorial, realizando una inquietante e intimista acción poética, otorgándole a cada muro, a cada puerta desdibujada por el viento, una sublime ceremonia, en ella, se entrecruzan su presente y su pasado. Dejó su huella cargada de poesía, en cada casa que visitó, obsequiándole a cada vivienda una obra: pequeñas y bellas casitas de papel, intervenidas con sus calados, sus marcas, con esas sutiles, pero hondas incisiones, en las que pone de manifiesto su espejo interior, ese, en el que anidó su niñez, su adolescencia y que aun, de adulta le sigue perteneciendo.

En cada recorrido, un pedacito de la artista, estaba allí, algunas casas, estaban casi intactas, otras fueron atravesadas por el deterioro de los años. Vale, comenzó un largo y sinuoso camino en búsqueda de su propia identidad, la que terminará de develar cuando llegue a esa Gran Casa de 25 de Mayo, la casa de los sueños, la desconocida, la que otorga riendas sueltas a la imaginación.

Los relatos de su abuela y de su madre, tienen su génesis allí, en el sonido del pasado. Todo ello conforma ese corpus conceptual que es clave en su obra poética.

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Por “GENERACIÓN ABIERTA”

Elina Chauvet es artista visual. Nació en Casas Grandes Chihuahua, México.

La construcción de su discurso artístico, gira en torno al activismo y al feminismo.

Una artista que inquiere e investiga sobre los procesos sociales y violencia que sufren las mujeres en Latinoamérica y en su país.

G.A.: Elina, si bien vos venís de la carrera de arquitectura ¿Hubo en tu adolescencia algún hecho que te haya generado un fuerte vínculo con las artes visuales?

Elina: Desde muy pequeña sentí gran atracción por el color y la forma, muy pequeños mi padre nos llevaba a visitar museos, me enamoré de una pintura que vi, supe que quería hacer eso, estudié arquitectura ante la imposibilidad de asistir a una escuela de arte, sin embargo, disfruté mucho los años de arquitectura, especialmente diseñar espacios, con el tiempo el deseo de expresarme por medio del arte se abrió paso e hice a un lado la arquitectura para dedicarme de tiempo completo al arte.

GA ¿Cómo surge tu obra “¿Zapatos Rojos”, pensaste alguna vez que ibas a trabajar un tema tan cruel y recurrente, como es el femicidio, y la trata de mujeres, sobre todo en México y en el resto de América Latina?

Elina: El tema de los feminicidios se dio de manera natural en mi trabajo artístico debido a mi propia experiencia de vida, la violencia a las mujeres se convirtió en un tema recurrente en mi obra al igual que los feminicidios en México, Zapatos Rojos inicia en Cd. Juárez como el peor ejemplo del lugar donde se ejercía de manera sistemática la forma más violenta y el odio más atroz hacia el cuerpo femenino al ser tratado como basura, desproveyéndolo de toda humanidad , con esta obra sentí la necesidad de la participación de la sociedad para reflexionar y proponer un cambio no solo en México y Latinoamérica sino en el mundo, puesto que la violencia a las mujeres no tiene fronteras e impacta en todos los estratos económicos y sociales.

G.A.: ¿Intuiste en algún momento el impacto que tendría ésta obra en particular, a nivel mundial?

Elina: Si, la diseñé de manera que fuera universal, la idea era precisamente esa, que llegara a todos los países, sin importar idioma o cultura, que fuera transversal y llegara a todos los estratos sociales, no sabía cuál sería el impacto obviamente, pero el resultado fue el deseado.

G.A.:¿Qué te llevó a elegir los zapatos rojos y no, otro objeto-símbolo que identifique a las mujeres?

Elina: Como mencioné anteriormente el proyecto fue diseñado para que pudiera replicarse y viajar conceptualmente , fueron varios los puntos a observar al seleccionar el objeto que representaría a las mujeres desaparecidas, por supuesto pensé en la estética de la obra y el impacto del color además del mensaje conceptual del mismo, rojo por la sangre derramada y un valor esperanzador ya que es una obra que parte del amor ese sentimiento que persiste en las madres y las familias que viven la tragedia de perder a sus hijas.

G.A.: ¿Cómo reaccionás cuando otra artista replica tu obra en otra parte del mundo?. ¿Te piden autorización, si la hay, existen pautas y consignas para que se mantenga el espíritu conceptual de la obra?

Elina: Muchas veces hay inspiraciones, apropiaciones y replicas no autorizadas, algunas veces desvirtúan un poco la obra al desconocer todo el trasfondo que existe, creo que todo suma pero tratándose de una obra feminista si me gustaría que quienes replican comprendieran la importancia del respeto que nos debemos unas a otras en un ejercicio de sororidad y unión, creo que los eslabones serían más fuertes, pero hay muchas instalaciones solicitadas y aprobadas y para ello envió un documento con una carta compromiso, ficha técnica y el proceso de realización, además del acompañamiento durante el proceso de las mismas, son estas instalaciones que se puede decir llevan firma de autor y son parte del proyecto y la memoria del mismo, en 13 años de existencia de la obra hay una gran cantidad de instalaciones y son las que han hecho un símbolo de Zapatos Rojos.

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Entrevista de PACO PEPE DÍAZ ALEJO
(Especial para “Generación Abierta”, desde España)

En 1812 se representó en Buenos Aires la pieza teatral “El 25 de mayo” donde se cantaba una página patriótica con letra de un tal Morante y música del catalán Blas Parera. Esa noche Vicente López y Planes decidió escribir su propio texto. La Asamblea de 1813 decretó la composición de una Marcha Patriótica con el poema escrito por Vicente López y una nueva música de Parera que era obligatorio cantar cada día en las escuelas así como en toda función teatral. Inglaterra, siempre atenta a los asuntos del país, considerando prematuro independizar a los futuros Estados Unidos de Sudamérica se quitaron referencias independentistas “una nueva y gloriosa nación” y monárquicas “coronada su sien de laureles”… “ved en trono a la noble igualdad” por consejo del embajador británico lord Strangford. Y en 1847 se publicó como Himno Nacional Argentino con la edición de la música de Parera corregida por Juan Pedro Esnaola, músico de salón de la época rosista, aunque en 1927 Luis Lareta actualizó la música. En 1900 el presidente Roca decretó algunas suaves supresiones (esos tigres sedientos de sangre … el fiero opresor de la patria) por respeto a España con la que había relaciones diplomáticas normales y un gran flujo migratorio. Y concluye haciendo mención de los apellidos: Planes y Parera (catalanes), Esnaola y Lareta (vascos) autores del varapalo que recibe España.

Es posible que la selección imprescindible a todo relato histórico haya sido resuelta por unos especialistas afectos a lo belicoso, para los cuales la masa son los soldados y los próceres sus oficiales. Lo cierto es que el siglo XIX, el de la independencia y la conformación nacional, muestra a muchos de sus próceres civiles con grados castrenses. El abogado Belgrano es conocido como general; Rosas, virgen de batallas, se hizo retratar entorchado de brigadier general; Sarmiento, ni bien se incorporó al ejército de Urquiza como boletinero de su campaña, se fotografió de uniforme; Mitre hizo un poco de todo a partir de la única instrucción formal recibida, la militar; el dandi y escritor Lucio Mansilla es el general Mansilla. Los tres principales conductores políticos del siglo XX son tres generales: Roca, Justo y Perón. El ejército, estrictamente se empieza a profesionalizar cuando en 1869 Sarmiento, educador como quiere el tópico, funda el Colegio Militar.

José de San Martín es llamado Padre de la Patria. Libertador, Santo de la Espada, Titán de los Andes. En todo caso, en el territorio de la actual Argentina sólo vivió cuatro años. Nació en tierra de las antiguas misiones jesuíticas del Paraguay, actual provincia argentina de Misiones pero con poco más de un año, sus padres, biológicos o adoptivos, lo llevaron a España. En Málaga su tez cobriza le valió el mote de indiano o simplemente de indio. Él solía llamarse a sí mismo “el indio misionero”. En 1816 se dirigió a los caciques pehuenches diciendo: “Yo también soy indio”. Lo más verosímil es que fuera hijo de Diego de Alvear, quien lo tuvo con una india misionera. Alvear lo habría confiado a la familia de Juan de San Martín y Gregoria Matorras. Diego de Alvear pagó sus estudios, en la milicia española. Resulta sugestivo que en Cádiz ya fuera amigo fraternal de Carlos María de Alvear, hijo de Diego. Con él y con Matías Zapiola participaron en la logia de los Caballeros Racionales. Los tres viajaron a Buenos Aires en 1812 y pagados por Diego de Alvear quien además dejó a José una suma importante en el banco inglés Mackinnon de la ciudad. Don Diego había sido gobernador de Cádiz nombrado por el Consejo de Regencia durante el asedio de Napoleón, custodiada la ciudad desde el mar por la flota inglesa Los tres jóvenes marcharon a Londres y se integraron en la logia La Gran Reunión Americana de Andrés Bello, Francisco de Miranda y Servando Teresa de Mier. La estrategia de San Martín en América aparece diseñada por Lord Maitland, funcionario del Foreign Office Inglés y oportunamente, siendo Director Supremo, Alvear propuso hacer de las Provincias Unidas un protectorado inglés, incluyendo la nacionalidad. El parentesco de media hermandad entre San Martín y Alvear se conservó en la familia de éste durante generaciones, según me consta por una conversación con Ana Alvear de Mujica Láinez, aparte de los diarios de Joaquina Alvear.

Juan Bautista Alberdi, considerado el mayor intelectual latinoamericano del siglo XIX, instituyó la escuela histórica del Derecho, diseñó la Constitución federal argentina y proyectó un congreso organizador americano que fundamentase el derecho internacional público del continente. San Martín, Bolívar, Rivadavia, Rosas, Sarmiento, Artigas, O’Higgins y Mansilla le acompañaron en la errancia fuera de la patria o su muerte lejos de ella. Como respuesta diferida, como insistencia, dos notorios argentinos del siglo XX, Jorge Luis Borges y Alberto Ginastera, acabaron sus días en Suiza.

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