La Revista Generación Abierta (Letras-Arte-Educación) cumplió el 20 de Junio de 2023, 35 años de existencia.

Desde mí lugar-actualmente como Jefa de Redacción- comencé a colaborar como responsable de la Sección Educación, hace 25 años, trabajando cotidianamente  con los ideales que se propusieron sus creadores. Esta publicación,  es un medio escrito independiente fundado en el año 1988 por su director Luis Raúl Calvo (Poeta), su vicedirectora Adriana Gaspar (Artista Plástica), Patricia Fayt (Artista Plástica) y Carlos Fayt (Fotógrafo). En el año 2000, fue Declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, por la Legislatura Porteña, por, según las palabras de los legisladores, “Contribuir a la riqueza cultural de nuestro país, Argentina”.

Desde sus comienzos se propone llegar a los lectores “no sólo como un canal de información sino esencialmente de reflexión”. El editorial del primer número publicado en junio de 1988 decía por aquellos años “…Entonces sí, podremos alcanzar nuestro principal objetivo: ofrecernos como un medio de comunicación válido para el tiempo que nos toca vivir… “

Por eso, en este espacio de Educación, los artículos y  las entrevistas además de informar, reflexionan acerca de las prácticas pedagógicas e intervenciones profesionales. Conforma un espacio de diálogo e interpelación entre nuestra publicación y los protagonistas del sistema educativo: docentes, alumnos, padres y profesionales que dan cuenta de sus prácticas y de los marcos teóricos que la sustentan.

Hojeando cada una de las páginas de esta sección,se encuentran reflejadas las estrategias que de acuerdo a estos  tiempos históricos,se fueron consolidando, a fin de afectar las subjetividades de las nuevas generaciones.

Cada uno de los artículos, nos invita a pensar y repensar la educación y a consolidar esfuerzos para conciliar y lograr consensos en la Convivencia Escolar, buscando el placer en el proceso de enseñanza y aprendizaje, a fin de superar  el malestar que muchas veces aparece en la tarea educativa.

Las experiencias  plasmadas pueden ser reproducidas o repensadas para actuar en otros contextos, pueden ser leídas y ser transformadas en experiencias significativas de vida, teniendo la convicción que cuánta más libertad hay en el pensar, mayor será el compromiso con nosotros y los otros.

En suma, nos  detenemos a discurrir en los modos en que se va afectando nuestra subjetividad en estos tiempos, cuando la realidad apremia a cada instante  y las soluciones requieren de intervenciones sólidas, rápidas y posibles.

La digitalización avanza a pasos acelerados, con diferentes noticias que hay que priorizar, por eso es necesaria la pausa de la lectura para no sentirnos solos, para formar nuestro pensamiento, para no sentirnos impotentes, para no dejarnos llevar por discursos de impotencia, de odio y así poder tomar decisiones conscientes, reflexionadas, evaluadas.

Byung-Chul Han-profesor de Filosofía y Estudios Culturales en la Universidad de la Arte de Berlín nacido en Corea del Sur en 1959- en su libro “Infocracia” nos dice: “Las comunities digitales son una forma de comunidad reducida a mercancía (…)  Según HannaArendt” uno se forma una opinión tras considerar determinado tema desde diversos puntos de vista, recordando los criterios de los que están ausentes es decir, los represento. En el discurso democrático es necesaria la imaginación, que me permite, ser y pensar dentro de mi propia identidad tal como en realidad no soy”

Por lo tanto, la presencia del otro debe estar para la formación de una opinión. Es importante valorar la palabra, la experiencia, la historia, sin el otro no hay discurso.

Retomando a Byung-Chul Han, el sostiene que : “ La expulsión del otro refuerza la compulsión auto propagandística con las propias ideas (…) El discurso requiere separar la opinión propia de la identidad propia. Los individuos que no poseen esta capacidad discursiva se aferran desesperadamente a sus opiniones, porque, de lo contrario, su identidad se ve amenazada. Por ello, el intento de hacerles cambiar de opinión está condenado al fracaso. No oyen al otro o no lo escuchan. Pero la práctica del discurso es escuchar. La crisis de la democracia es ante todo una crisis del escuchar”.

Para nuestro Proyecto Cultural “Generación Abierta”, es una inmensa alegría  que el producto del esfuerzo de muchos, esté al alcance de cada uno de los lectores. Ser ese momento que nos detenemos para leer  a  un otro, ya que la realidad nos acontece, pero también está en permanente construcción.

Hemos sorteado momentos muy difíciles en estos 35 años, crisis que nos atravesaron como país, pero que no impidieron que bajemos los brazos, que no impidió que produzcamos sentidos, reinventemos  palabras dignas, sublimes, libertarias, solidarias.

Continuamos compartiendo sueños, relatos, vivencias, teoría, prácticas: lo propio y lo colectivo, teniendo en cuenta los contextos en los que estamos inmersos.

Lo celebramos con todos ustedes, porque Generación Abierta pertenece a cada uno y a  todos, militamos la cultura, la ética, la justicia, los valores de los derechos humanos, la solidaridad.

Reivindicamos la utopía, por eso  seguimos debatiendo colectivamente:¿cómo transformar la vida en una experiencia plena? con pensamiento crítico y con el trabajo fuerte en el campo educativo y  cultural, pues es aquí donde se instalan los valores de una sociedad  más justa y su destino.

Somos conscientes que la globalización, la creación de redes, la digitalización,conlleva el peligro de deshumanizarnos y puede afectarnos  como sociedad, si no terminamos de darnos cuenta que la tecnología debe estar al servicio nuestro y no al revés.

El consumo nos atrapa, el narcisismo nos aleja del Otro, el olvido nos despersonaliza, como respuesta, nosotros apostamos  al encuentro y abrazamos la palabra, para ser uno con el otro, el otro con nosotros  y así poder recuperar miradas, voces: memoria.

Generación Abierta, sigue proyectando con firmeza, con principios y con todas las  fuerzas creadoras que nos acompañan en este transitar, sin alejarnos del rumbo que nos da identidad, con la constante preocupación para contribuir a sus objetivos:pensar en una cultura que nos incluya a todos: ¿otro mundo mejor será posible?

Nos dice Jorge Larrosa “Si hacer una experiencia es decirla, podríamos suponer entonces, que no hay experiencia antes de la escritura. Podríamos decir que la escritura hace la experiencia al mismo tiempo que descubre su forma, es decir, que al mismo tiempo  que, escribiendo, la inventa”.

Hoy, como en el editorial del primer número de nuestra revista en 1988, seguimos pensando  que “Generación Abierta” es una ilusión, una nueva experiencia para compartir”. Muchas gracias, por acompañarnos permanentemente a lo largo de todos estos años.

[publishpress_authors_box layout="ppma_boxes_9017"]

La entrada Generación Abierta: Militancia de la cultura se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

En los 90´ del siglo pasado, junto con el fin de la historia se anunció la caducidad de las utopías. La concepción hegemónica acentuaba el consumismo como fórmula de la felicidad, junto con los mitos de la fama y la fortuna. Esa filosofía del bienestar, wellness, presenta a la infelicidad como una culpa. Su elemento ideológico demoniza a los débiles, a los incompetentes sin mérito para triunfar. Aparece un nuevo conformismo, un malentendido acerca de la libertad individual. Es la subjetividad atomizada, el emprendedurismo y el miedo a la exclusión. Un tormento detrás de la careta del éxito. No hay escrúpulos en el mundo del espectáculo.

A contragolpe resurgió la idea de la utopía, la capacidad de soñar. La esperanza no es ilusoria ni fácil optimismo, sino la certeza de que algo tiene sentido, pese a la incertidumbre sobre su resultado. En boca de nuestro actor: “Esta sociedad nos requiere optimistas, no esperanzados. El optimismo sirve para tapar, tapa agujeros. La esperanza es dolorosa, hay que luchar”. Lo dijo en una audición de 1994.

Alfredo Alcón participó en procesos culturales y movimientos artísticos. Tanto en el plano teatral como en el cinematográfico. Seguir el hilo de su trayectoria permite reconocer a las generaciones con las que convivió. Y su proyección actual.

Su indignación ante las injusticias tuvo impronta ciudadana, incluyendo  el conflicto social y político. Participó en Teatro Abierto, una resistencia cultural bajo la dictadura. Adhirió a la ampliación de los derechos civiles, y se solidarizó con los maestros y las madres, en actos públicos y gestos artísticos.

Por último, abordó la distopía en Final de partida de Beckett, consustanciado con la degradación civilizatoria y la decadencia física y existencial. Lo absurdo es la pérdida del sentido. Es el tema de la obra, que alcanzó un supremo sentido estético. Su mensaje surge desde lo negativo. Y una década después, en nombre de la libertad, avanza un fascismo cultural.

Lo revulsivo de Alcón es su movimiento utópico interior. El idealismo moral, su admiración por las obras de arte canónicas, la valoración de los talentos emergentes, su lucha por aproximarse a los personajes arquetípicos de la escena.Toda admiración enaltece la personalidad, es lo contrario de la envidia.

Repetía que “las grandes obras nunca las hacés bien, son como ejercicios de humillación”. Su búsqueda era constante, disconforme con lo establecido. Y adujo “El que encuentra rápido es porque busca poco”. Esto lo distinguía de los conformistas consagrados.

Sintió la inminencia de una revelación “El teatro debería ser una especie de escuela de todas las tendencias de hombres y mostrar desde sus abismos más terribles, hasta su felicidad más extrema. A través  del ejemplo de otro se pueden sacar muchas conclusiones sobre sí mismo. Los grandes autores siempre proponen algo. El arte no es una revelación sino la inminencia de una revelación. Muestra que hay una parte de cada uno de esos personajes que tienen que ver con uno mismo. La energía fluye de piel a piel. Y la base de esa corriente es el pensamiento del poeta”.

El valor de su palabra se escuchó arriba y abajo del escenario. Con sus declaraciones públicas, salió al cruce de la vorágine desinformativa. Hasta con su muerte logró, por un momento, barrer las noticias basura de los medios.

En época de funciones leía todos los días la obra que interpretaba; “Suponer que uno conoce todo de su personaje y no volver sobre él es una limitación de la mente”…”Es como decir que vi la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y creer que eso es suficiente. La  vi, sí, pero con aquel espacio de la mirada que lo enfocó en aquél momento”.

Mientras ensayaba La muerte de un viajante de Arthur Miller, obra que desmitifica el “sueño americano” del progreso individual, denunció que “debe haber una mejor manera de vivir que no sean 12 horas de trabajo, 15 días de vacaciones, te jubilás y luego te morís.Es una manera pobre para los pobres y pobre para los ricos, que están a la defensiva con murallas y vidrios polarizados. Nadie está cómodo. Y deberíamos estarlo”. Eso se publicó en  2007. ¿Qué pensaría hoy, cuando están en tela de juicio hasta las vacaciones y el aguinaldo? Y entonces agregaba: “Yo creo en la más utópica de las utopías. Por eso hay que intentar, siempre. Hacer Shakespeare, por ejemplo, es un ejercicio de humillación, porque nunca vas a llegar ahí. Pero ese esfuerzo te hace crecer”.

“Antes de subir a escena tengo un miedo terrible. Llego bastante antes al teatro porque no hay ninguna seguridad, ninguna certeza. Uno sabe que la palabra que más te puede lastimar, solamente vos te la podés decir. Los demás sólo pueden merodear ese lugar. Ese espacio entre lo que uno hace y uno quiso hacer es esa nostalgia de la perfección que dice que las garantías no existen”

Sin embargo, lo recordamos en Israfel de Abelardo Castillo, con la dirección de Inda Ledesma. Se estrenó en uno de los tantos teatros desaparecidos, el Argentino de la calle Bartolomé Mitre. La escena culminante del “delirium tremens” del poeta Edgard Poe, fue un suceso largamente comentado.

Su anticipo de Hamlet en TV batió un record de audiencia. Algo hoy impensable. Su posterior versión teatral convocó a espectadores ávidos de verlo y escucharle decir lo que estaba prohibido en la calle. “En este país se puede sonreír siendo un canalla” era una réplica que despertaba murmullos en la sala.

En Los caminos de Federico incorporó nuevos matices al recitar Doña rosita la soltera, con una gama de inflexiones que revelaron sus facetas desconocidas. Y su tributo a García Lorca.

Aquél grado de empatía con el público se corroboró durante las funciones de Enrique IV de Luigi Pirandello. El protagonista ingresa a la media hora del primer acto, y los espectadores del Teatro San Martín cuchicheaban impacientes. Los aplausos coronaron su presencia en el escenario. Otro tanto ocurrió en Filosofía de vida, de Juan Villoro. Actuaba sentado en una silla de ruedas, por motivos de salud. En el momento en que se paraba era ovacionado, en todas las funciones.

Sus prestaciones en roles shakespereanos enriquecieron afectivamente el vínculo filial paterno con la hija. Tanto entre Próspero y Miranda en La Tempestad, como entre Lear y Cordelia en Rey Lear.

En la farsa escénica Variaciones Goldberg de George Tabori, su monólogo final  seguía siendo comentado después del espectáculo, en la demora del público que lo esperaba en la Avenida Corrientes. 

Aseguró que en el teatro siempre eligió las obras. No así en el cine, donde tuvo repercusión en películas de Torre Nilsson, como Martín Fierro y El santo de  la espada. Caracterizó desde un personaje donjuanesco y enfermizo  en Boquitas Pintadas, basada en la novela de Manuel Puig, hasta el diablo gaucho de Nazareno Cruz y el lobo, dirigido por Leonardo Favio. Sólo para mencionar destellos de una lista cuantiosa.

En 2014 partió hacia una dimensión legendaria. El actor Joaquín Furriel, que fue supartenaire en Final de Partida, considera que empezamos a tener una edad cultural como país. “Que yo pueda hablar de Alfredo Alcón y tenerlo presente es una manera de acercarlo a las nuevas generaciones. Eso se llama tradición”. Y cada vez que puede, trata de compartir lo que significaba Alfredo como actor. Se trata de enfrentar la ansiedad y el exitismo. Es el caso de los jóvenes cegados, inmersos en  teléfonos que  destruyeron su identidad. Ajenos a un pensamiento crítico. En estos tiempos de un sistema  muy bien pensado para liquidar las posibilidades creativas e intelectuales de las personas.

*OSVALDO ANDREOLI: Escritor, poeta, periodista, crítico cultural, directivo de la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina.(ACMA). Actualmente conduce la audición La escenaVirtual en FM 91.1 Radio Amadeus. Fue colaborador de Página 12, La Razón, Tiempo Argentino, El Gran Otro, etc. Creó programas en Radio Nacional Clásica y Radio Municipal, Radio Cultura y Amadeus. Egresado de la carrera de Régie en el ISA del T.Colón. Cursó la carrera de Filosofía en la UBA.

Autor de Alfredo Alcón, El actor de la utopía.Ed.Leviatán.

Egresó de la carrera de Régie del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Se formó en actuación, ópera y puesta en escena con maestros como Raúl Serrano, Francisco Javier, Margarita Wallman, Peter Brook y Pola Suárez Urtubey, entre otros.

La entrada Espectáculos – Alfredo Alcón, el actor de la utopía se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por Luis Raúl Calvo

“Yo creo que se hace arte, cualquier forma de arte, solo si se dialoga con el otro…”

“Generación Abierta” tuvo el gusto de poder entrevistar al destacado poeta, periodista, traductor y mediador cultural italiano, quien se encuentra viviendo en nuestro país.

G.A.: Un gusto Antonio poder tomar contacto con vos. ¿En qué lugar de Italia naciste?

A.N.: Nací en Turín, en una familia de emigrantes de Apulia. En ese entonces la ciudad era totalmente obrera. La FIAT, la fábrica de automóviles, daba trabajo a casi todos los ciudadanos. Crecí en un barrio de periferia donde se hablaban diferentes dialectos según la región de procedencia de los vecinos.  

G.A.: Contanos en principio cuándo se produce tu primer acercamiento a la poesía.

A.N.: El primer poema que escribí lo guardaba mi madre y era parte de mi cuaderno de segundo año de primaria. Los recuerdos que tengo respecto a la fascinación por la poesía tienen como centro a mi mamá, que era en aquel mundo gris de overoles azules, galpones y bicicletas de los que iban a construir autos, una soñadora que a veces le leía poemas a su hijo. Luego,desde los años de secundaria hasta los de liceo siempre escribí para mí, a solas, y con amigos desde los diecisiete años, cuando participé en un concurso para jóvenes poetas de la ciudad. Fui seleccionado y publicado, pero la experiencia fue tan decepcionante que tuvieron que pasar casi treinta años para que volviera a sacar un poemario.

G.A.: ¿Hay antecedentes familiares de alguien vinculado a lo artístico?

A.N.: Pues mi familia es una familia de fotoperiodistas: mi abuelo, mi padre, mis tíos y primos. Su trabajo en la época analógica era una labor que estaba en equilibrio entre el concepto de artesanía y arte. Mi padre, Vittorio Nazzaro (“el nano” para mí) vio sus fotos expuestas en el Beaubourg de París y sí, creo que nací en una familia de “artistas desavisados”. Pero la fotografía influenció muchísimo mi poesía, yo estoy convencido de que escribo como si fuera fotógrafo, armaría un reportaje contando historias con imágenes que no hablan, sino que crean un ambiente emotivo. Hoy creo que mi poesía se acerca aún más al mundo de la imagen y siento mis poemas como obras de video-arte, casi un desarrollo del comienzo fotográfico de mi escribir.

G.A.: Suele ocurrir que hay algún profesor que uno ha tenido, que desde algún lugar influyó en el deseo de leer y/o acercarse a la literatura. ¿Es tu caso?

A.N.: ¡Sí, claro! Era una mujer rubia muy atractiva y sofisticada para nosotros, los del barrio de periferia. Llevaba tacones y nos había conquistado con su pasión por el arte y la poesía. Yo estaba totalmente enamorado de ella, tenía trece años, y leía todo lo que ella nos decía. Orlando en el intento de romper Durindana, La caída dantesca de Ulises al cruzar las columnas de Hércules, los poetas de Francia: Baiser! rose trémièreaujardin des caresses! y en la casa releyendo a Verlaine y soñando con besarla. La influencia de amor y poesía juntos creo que fue fatal.

G.A.: ¿Cuándo comenzás a publicar tu poesía y en qué medios?  ¿Tu primer libro publicado en que año fue?

A.N.: Un poco de esto lo había comentado antes, mi primeros poemas fueron publicados en 1982, en la antología Il rinoceronte tra le nuvole y no sé bien qué esperaba con la publicación de esos poemas. Intenté publicar un poemario dedicado al mito de Orfeo y Eurídice el año siguiente pero ninguna editorial quiso publicarlo. El poemario se perdió y con él mis ganas de publicar libros, pero nunca he dejado de escribir. Con o sin publicación, la escritura es parte de mi vida. Pero mi verdadero primer libro de poemas fue publicado en Chile e Italia, en italiano y español, en 2018 por Ril Editores y Edizioni Arcoiris. Antes solo publiqué un par de fanzines poéticas que guardo casi con celos y muy pocas veces las muestro.

G.A.: ¿Cuáles son los títulos de los otros libros?

A.N.: Amor migrante y el último cigarrillo (RiL Editores, Chile; Arcoiris, Italia, 2018). Cuerpos humeantes (Uniediciones, Bogotá, 2019). Diario amoroso sin fechas, Fotonovela poética (Edizioni Carpa Koi, Italia, 2022). La Dictadura del amor (Delta 3 Edzioni, Italia, 2022). Un libro de cuentos breves: Olor a(EdizioniArcoiris, Italia, 2014) y el libro de crónica y poesía: Notas desde Venezuela. 2017, Vivir en las protestas (EdizioniArcoiris,Italia, 2017).

G.A.: ¿Considerás que tu poética ha sufrido cambios a través del tiempo? ¿Si es así, cuáles serían esos cambios?

A.N.: La vida nos cambia y eso influye en nuestro escribir, pero creo que hay visiones que no cambian, solo se amplían. Sigo experimentando, y si queremos hablar de un cambio en mi hacer poesía creo que el más grande ha sido el emigrar a América Latina y empezar a escribir mis textos en español. Esto ha cambiado mucho mis formas y mis visiones de la realidad, pero mi idea de una poesía accesible y al mismo tiempo atenta a la sociedad y al mundo no ha cambiado.

G.A.: Según tu criterio: ¿El escritor escribe para sí mismo o para comunicarse con los demás?

A.N.: Yo creo que se hace arte, cualquier forma de arte, solo si se dialoga con el otro. El problema es definir el otro, al que uno piensa que le podría gustar mi arte. Cuidado, no estoy diciendo que uno tiene que moldear su forma de escribir según las exigencias del público y del mercado, (¿existe un mercado de la poesía?) sino simplemente aceptar que uno no escribe para el universo sino para otro ser que podría emocionarse y dialogar con la obra poética o plástica o visual que se presenta. El hecho de decir que se “presenta” ya indica un público. Un cierto Dante Alighieri define en el libro El Convivio la idea de público, para quien se escribe, y para explicar su elección del vulgar como lengua de su poesía. Afirma que el público al que se dirige no son solo especialistas, sino que lo integran todos aquellos lectores deseosos de aprender y dotados de alma noble, hombres y mujeres que por diversas razones aún no han podido acercarse a los estudios filosóficos. De ahí la elección de la lengua vernácula. Creo que escribimos por culpa de la enfermedad llamada escritura o mejor dicho arte y para no morir tenemos que dialogar con el mundo que es nuestro mundo. Yo crecí en un barrio pobre y escribo siempre pensando que quiero que mis compañeros de aquel tiempo (muchos ya no están, otros en la cárcel o quién sabe dónde) puedan entender lo que digo.

G.A.: ¿Cuándo comienza tu tarea de traductor? ¿Cómo te sentís en esta tarea?

A.N.: Uy, esta pregunta es complicada… La traducción entró en mi vida muy temprano. ¿Recuerdas la profe rubia de tacones leyendo Orlando? Pues ella estaba convencida que después de la secundaria tenía que cursar el Liceo Clásico,o sea, 5 años de latín y griego (los primeros dos casi solo de gramática y de traducciones), junto a filosofía, historia del arte, literatura y decimos lo normal aparte de la geografía astronómica que siempre me pareció algo sin sentido. Allí empiezo mi relación con la traducción. Más adelante aprendí español en España y luego las diferentes lenguas hispanas de América Latina llegaron a mí al empezar a traducir poesía del italiano al español y viceversa. Por la página de FB e Instagram del Centro Cultural Tina Modotti prefiero traducir a los poetas jóvenes y contemporáneos porque estoy convencido de que ambas poesías podrían dar nuevas imágenes y visiones para los que escriben y los que leen en ambos continentes. Asumo la traducción como un puente entre culturas y mundos, una visión pública y acá, sentado frente a la computadora, me resulta como una forma de no estar nunca solo e intentar saciar mi curiosidad y mi hambre de belleza.

G.A.: También sos artista visual y trabajás en periodismo. Contanos un poco cuándo surgieron estas otras vocaciones y cómo te llevás con ellas.

A.N.: Pues naciendo en una familia de fotoperiodistas yo también quería ser fotógrafo, pero mi padre se opuso diciendo que los que contaban las historias en el periódico eran los periodistas y por ende yo tenía que ser periodista, y así fue. Aún hoy en día de vez en cuando escribo notas para algunos periódicos, es algo que me recuerda mi origen y probablemente mi relación con la escritura. La primera nota la escribí cuando tenía catorce años.

El video-arte es un amor nacido a la mitad de los años 90 y por la necesidad de responder a algo que se me mueve adentro desde que entré en el mundo virtual, es decir, cómo llevar a la red la poesía y la lengua italiana. En 1995, en un congreso sobre la enseñanza del italiano presenté un proyecto para crear materiales, en particular video, para dar vida a un manual pensado para la enseñanza del italiano a través de la red. Nadie me hizo caso. Dando un curso de video-arte en la escuela de arte “Armando Reverón” en Venezuela descubrimos que no teníamos una cámara para hacer video y entonces, gracias al amigo, poeta y gran actor, Ezio Falcomer con quien dimos vida a unos videos construidos con materiales bajados de la red, reeditados y acompañados por la voz de un actor o del mismo escritor, utilizando como medio de transmisión del trabajo YouTube y las social-networks. Fue una experiencia muy interesante y pudimos exponer los trabajos de los estudiantes en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. De vez en cuando armo unas obras de video-poesía y las utilizo para mis charlas sobre la poesía italiana.

G.A.: ¿Cómo ves el panorama actual de la poesía y sus creadores? Antes había autores anteriores a uno que eran como referentes para nuestra propia formación.  Hoy en día parecería ser que no es así, como que los referentes para los poetas más jóvenes parecerían ser sus pares generacionales. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

A.N.: Es difícil definir un panorama de la poesía actual, no tanto por la falta de referentes. Por ejemplo, en Italia los poetas referentes de la mayoría de los autores son los clásicos, o mejor dicho, los que se estudian en la escuela. Luego viene un poco el caos, es decir, hay como una ansiedad, probablemente provocada por la época en que vivimos, de afirmarse y parece que la única forma de afirmarse es pertenecer a un grupo de poetas, casi siempre no definidos por un estilo sino por un pertenecer a un algo en común, en este caso, la poesía. La memoria es un defecto en este momento, ¿y porqué no debería afectar también a los poetas? Creo que la velocidad con que todo pasa en la red ha cambiado el sentido de la duración y de la posibilidad de llevar a cabo un discurso poético. El ayer,  ahora tiene 30 años y el hoy todavía no llega… Difícil en esta percepción del tiempo entender que el solo detenerse puede permitir la creación de una poética que no parezca más satisfacer el ego que la poesía.

G.A.: En otras épocas, era la poesía la que reunía a los poetas, más allá de las edades cronológicas. ¿Pensás que en estos tiempos, esto sigue igual o se ha producido una brecha generacional importante entre los mismos?  ¿Si se ha producido una brecha, a qué lo adjudicarías?

A.N.: Vivimos una brecha generacional enorme que no es dada tanto por la edad sino por el hecho de ser parte de un mundo que ha pasado de ser analógico a ser digital. Nosotros representamos esta generación dividida entre el teléfono fijo y el celular que no deja de hacer cada día más cosas. Y además hay que considerar que la precariedad social y económica que estamos viviendo es vista por las generaciones de quienes tienen entre 18 y 35 años como el resultado de la forma de vivir de la generación que se define boomer. A esto hay que añadir el fracaso de las ideologías y de las religiones y de la política, que han dejado un vacío enorme deteniendo y bloqueando la capacidad de ser solidarios y sociales, a cambio de un individualismo, casi obligatorio, que encierra el sentido de la libertad y humanidad y por ende de las posibilidades de luchar por un cambio.

G.A.: Has viajado y vivido en muchos países de América Latina, actualmente estás viviendo en Argentina. ¿Qué te ha llevado a eso?

A.N.: Pues llegué a México hace casi treinta años, sin saber qué encontraría aparte de una amiga, y con la idea de quedarme unos días y como siempre, en aquel entonces, estaba huyendo de mí mismo. Por casualidad tuve la oportunidad de convertirme en profesor de italiano y el estar lejos de Italia pude construirme otra vida diferente a la que vivía en Italia. Simplemente eso, como decir que es simple haber encontrado una nueva madre. He vivido en muchos países de América y siento que me pertenece cada uno y al mismo tiempo sigo siendo el güero en México, el musiú en Venezuela, el tano en Argentina. En realidad, soy un emigrante con una tierra perdiday una que me invita. América para mí ha sido la posibilidad de ser algo diferente y que además me gusta mucho. Es mi casa.

G.A.: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

A.N.: En octubre empiezo un ciclo de charlas sobre autores de la poesía italiana en la Biblioteca Evaristo Carriego: Notas esparcidas de poesía italiana. Estoy traduciendo unos poemarios y viendo cómo dar forma a un libro mío con poemas “porteños”, utilizo esta palabra para indicar a Buenos Aires más que a la forma de vivir porteña respecto al resto del país. Y cosa para mi fantástica, estoy trabajando con la actriz, directora de teatro y promotora cultural, Natalia Marcet para la puesta en escena de una obra de video-teatro dedicada al escritor chileno Pedro Lemebel que armé hace unos años. Los textos son míos al igual que la mayoría de los videos, aunque también hay videos del artista venezolano Francisco Bassim, uno de la artista Argentina Mariana De Marchi y las fotos del chileno Mario Vivado. Y luego, el mejor proyecto de todos, la posibilidad de seguir haciendo muchos proyectos y mucha poesía.

(Entrevista realizada en Septiembre de 2023)

La entrada Entrevistas – Diálogo con Antonio Nazzaro se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Pensando viajás

yo tengo un viaje en las espaldas infinitas

en el corazón de las sombras

me llamaba otro nombre

otro cielo en otro viaje en otro interminable día

qué lejos palabra los gritos de las tierras que inclino

y estos sueños de espuma

qué cerca está el futuro entre las duras cejas

en los caminos el silencio se me va en panales

sola queda una ventana

sola y durando en la niebla

con sus duras alcobas de estremecimientos

ya hay voces vegetales lamiendo el horizonte

Jorge Enrique Móbili (1927-1992)

Ars Poética (de “Fotografías”)

                      Il m’a  fallu tout réapprendre
Paul FORT

¿Quiénes están aquí ? Son los himnos de ayer y de hoy, que ascienden girando. ¿Adónde van los himnos? Los himnos estallan a miles de metros de altura.

Es el que explora en el gran sueño ecuatorial, allí donde el tam.tam- lana su polen a la noche.

¿Qué cosas busca, que de tal manera vive? Los meridianos silvestres, y está conforme.

Es la ventana de mi cuarto, también aquí, con sus alas abiertas.

¿Qué es una ventana? Algo para el atardecer. ¿Y el atardecer? ¿Un estuario? Una antigua fórmula

de calor y de luz.

Son las bocinas, a lo lejos, y en verdad, las bocinas son bandadas en el atardecer; y en la alta

noche están en las avenidas desiertas como una caricia está entre una mano y un cuerpo; y en la lluvia, como la luz que tiembla en la profundidad del asfalto, iluminan fugazmente las

habitaciones y nuestra soledad.

¿Quiénes están aquí? Por ejemplo, los errores de la juventud y de la vejez. ¿Qué es un error? El alimento de los sueños por venir.

He debido, por fin aprender todo nuevamente.

Nicolás Espiro

Transformaciones

 Desde niño sufrí

la tiranía de los otros.

Fui dócil, aprendí,

y como un mono o un bufón

entretuve a los nobles

con mis prodigios en el piano.

Compuse con talento

según el gusto de mi época

y fui aplaudido. Pero

cierta vez un acorde

me trastornó con su misterio:

supe que el alma es infinita,

que la orfandad es infinita

y me interné por los caminos

que las arduas tinieblas

abrían ante mí.

Los míos no entendieron.

Me encontraron oscuro,

rebelde, sospechoso.

Mi padre se alarmó.

Mi mujer se ofendió.

Los archiduques me olvidaron.

Pero yo seguí solo

y me di la razón.

Fui venturoso, fui desventurado.

Canté mis melodías con los ángeles

y con los comediantes de la lengua.

Después, una mañana

frígida de diciembre

me morí. Y ahora soy

la música de Mozart.

Raúl Gustavo Aguirre (1927-1983)

Me doy cuenta

ahora que viví entre dos labios

ahora me doy cuenta que no es nada

que no es nada cantar cuando se han ido

que no es nada tanto ambiguo color tanta pereza

pisar mi ambigüedad mi gallo insomne

equivocar mi bandera y mi osamenta

ahora que viví oculto abajo

ahora me doy cuenta que no es nada

mirar hacia el fondo si ha quedado

la muerte al fin trajeada de ambrosía

ahora que viajé de noche solo

y subí de un salto a la colina

ahora me doy cuenta que no es nada

pensar que mañana o que pasado

me doy cuenta claramente que no es nada

que no es nada el desamparo y la volanta

que no es nada no haber visto

haber quedado en tanto imaginar y no haber sido

ahora me doy cuenta que no es nada

ahora que miré a mi hermano cara a cara

y le vi el perdón y la pobreza

me doy cuenta claramente que su avío

que su modal su lucha se despegue

anuncian por estanques y por cuartos y burbujas

la prenda venidera el duro filamento de ser hombre.

                                     Edgar Bayley (1919-1990)

Hiroshima Mon Amour

una mujer desciende envuelta en desesperado orgullo del aire de su

                                                                                                    /casa

como hija de la lástima feroz de la furia pequeña provincial

el mundo contento arde quieto a su alrededor

canta en el interior de esa mujer el mundo como una boca de fuego

un hombre lejano la contempla con ojos de desesperado amor

ese hombre es otros hombres es el mismo amor cantando para 

                                                                                            /sobrevivir

el mundo contento arde veloz a su alrededor

canta en el interior de ese hombre el mundo como una boca de

                                                                                                   /fuego

cuando la palabra amor no tenga necesidad de ser pronunciada

amor en todos los cuerpos desesperados ardiendo tranquilos

el mundo contento como una boca de fuego

una mujer y un hombre lentamente a su alrededor

                                                  Rodolfo Alonso (1934-2021)

La entrada La Llave de la Caverna se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Al abandonar su autonomía, la razón se ha convertido en instrumento. […] Su valor operativo, el papel que desempeña en el dominio sobre los hombres y la naturaleza, ha sido convertido en criterio exclusivo. […] Las nociones se han convertido en medios racionalizados, que no ofrecen resistencia, que ahorran trabajo. Es como si el pensar se hubiese reducido al nivel de los procesos industriales sometiéndose a un plan exacto; dicho brevemente, como si se hubiese convertido en un componente fijo de la producción.

   Horkheimer, Max; La razón instrumental

Oppenheimer ha sido dentro de los estrenos del corriente año, una oveja negra respecto del modelo narrativo elegido para ella por Christopher Nolan, su director. Es una película basada en la novela American Prometheus de Kai Bird y Martin Sherwin. Pese a que en su estreno se comenzó a hablar en las redes del fenómeno Barbieheimer. Está claro que se trata de películas bien opuestas. Sin embargo tal fenómeno supondría el regreso del público masivamente a las salas. El tiempo dirá si es así o no.

      Es muy raro que hoy el cine opte por un relato profuso y complejo como el que presenta esta película. El beneficio que posee Nolan consiste en tener sello propio. Nadie le va a cuestionar el tipo de película que hace.

     Hace mucho que el cine industria ha optado por los mismos cliches de un espectáculo que tiende a estandarizarse cada vez más. En lo único que parece haber seguido cierta tendencia del momento este film, es porque es un biopic. Fuera de eso, es una película compleja, abrumadora y deslumbrante para cualquier espectador exigente.

    Lejos de la gramática remanida de los tanques probados de Hollywood: superhéroes, infantiles de un estilo estridente y efectista, musicales, etc, Nolan se apega rigurosamente al logos. Es decir, la película -que es también un film sobre la ciencia y sus paradojas- sigue un argumento que despliega razonamientos, diálogos jugosos y penetrantes, Imágenes que se acoplan al relato de manera lógica y no como meras efervecencias que suponen un guiño al espectador amante de efectos fáciles, donde la fascinación de la presencia icónica no requieren de una legibilidad correlativa.

Para comenzar, se trata de una película abrumadora, pero no por capricho del director: la vida de Oppenheimer fue abrumadora, el papel que le tocó jugar dentro del proyecto Manhattan, lo fue,  el modo en que lo manejó, el resultado de dicho proyecto y la ingratitud de quienes se beneficiaron con él y se olvidaron por completo de él cuando cae en desgracia, también lo fueron.  Es un hombre que parece haber vivido a gran escala.

     Todo lo que se dice, lo que se discute, lo que se piensa en la película converge a un efecto unitario (un poco como buscaba Poe en sus cuentos), que consiste en exhibir un relato complejo, imposible de sintetizar y cuya experiencia es necesaria para la comprensión de la situación que le tocó vivir al protagonista. Sin dejar nada afuera: los discursos, los efectos, las transiciones, las imágenes espectaculares, el sonido, etc. Y lo más importante: si intentamos contarla, enseguida sentimos que algo preciso se ha perdido. Es una película que debe experimentarse, una experiencia cinematográfica.

     En ella se combina todo: la ciencia, las parejas, el sexo, las rivalidades, las tensiones, la lucha por la comprensión del propio proyecto, la soledad, la lealtad, la traición, el pasado maccartista vergonzante por lo menos para Nolan, donde se muestra hasta qué punto los fanatismos terminan por sepultar lo mejor de un hombre.

Pero el hilo conductor imprescindible es el relato, no podemos perder pie en él, aquí es donde el logos se impone, pues se trata también de un relato científico, un relato plagado de razonamientos en torno a las ciencias duras, para las que lo histórico ha jugado desde luego, un papel decisivo. El logos, y no las imágenes sueltas, los alardes interpretativos aislados, o determinados momentos climáticos, no. La trama como un puzle a desenredar que busca, un poco como El Ciudadano con Charles Foster Kane, el kid último que defina al protagonista, sin hallarlo desde luego.

En un principio Robert Oppenheimer (Cillian Morphy) es un estudiante que trabaja con el físico experimental  Patrick Blackett (James D´arcy) en el laboratorio de Cavendish, y con quien está molesto. Le deja una manzana envenenada a su alcance. Luego descubre que el físico danés Nihls Bohr (Keneth Branagh) está a punto de comerla y lo evita. Después terminará su formación en la universidad de Gottingen en Alemania, donde entra en contacto con Werner Heisenberg (Mathias Schueigofer). Bohr y Heisenberg son los creadores de la física cuántica.  Regresa a EEUU con la esperanza de expandir su saber sobre la física cuántica. Conoce a su esposa Katherine Puening (Emily Blunt), bióloga y ex miembro del partido comunista y a su amante Jean Tatlock (Florence Plugh) también comunista, y que terminará suicidándose. Es en este contexto en que conoce al general Leslie Groves (Matt Damon), quien se encarga lo recluta y controla a la vez para el proyecto Manhattan, después de que Oppenhaimer le asegura no tener simpatía por el comunismo. El general Groves  alberga sus dudas al respecto. Siendo judío teme que los alemales obtengan una bomba atómica antes. Habiendo conocido a Heisemberg, sabe que es muy probable que lo logren. Discute incluso con Albert Einstein (Tom Conti) , que ya reside en los EEUU sobre la posibilidad de crear ese tipo de arma nuclear, Einstein lo alerta al respecto. Una vez rendida Alemania, algunos científicos dudan de la continuidad del proyecto, sin embargo la orden de Truman es seguir adelante. El frente Pacífico aún no ha caído. La prueba Trinity se lleva a cabo justo antes de la Conferencia de Postdam,  que supuso el encuentro de Stalin, Churchill y Truman, donde se planteó la división de Alemania y una serie de acuerdos de posguerra.  El proyecto finaliza y se concreta en los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, cuyos resultados devastadores se recuerdan hasta el día de hoy. De esta manera Oppenheimer se convierte en el padre de la bomba atómica. Viendo el resultado en ambas ciudades japonesas, el científico se preocupa por que proliferen este tipo de armas. Es más, sigue atentamente el desarrollo de la bomba de Hidrógeno. Se reúne con Truman para instarlo a la moderación con este tipo de armas, pero ya es tarde. Truman no lo escucha. En la lucha desigual entre la razón teórica y la razón instrumental, ha triunfado esta última, barriendo con todo reparo humano ante la destrucción a una escala nunca antes vista. A Truman le disgusta la desilusión de Oppenheimer y no lo vuelve a recibir. Comienza a generarse un debate al interior de la sociedad norteamericana sobre el uso de estas armas. Oppenheimer queda del lado de los pacifistas. Y esto lo vuelve vulnerable frente al Comité de Actividades Antinortemericanas que había liderado el senador Mc Carthy. Quien colabora activamente con este comité es Lewis Strauss (Robert Downey Jr) como presidente de la Comisión de Energía Atómica de los EEUU, que envidiaba ostensiblemente a Oppenheimer, pues ha hablado mal de él ante Einstein, y ha desestimado la exportación de radioisótopos que había sugerido. Strauss explota las relaciones de Oppenheimer con comunistas, dando la idea de que él mismo lo era. En una posterior investigación sobre el físico célebre, David Hill (Rami Malek) confirma la animadversión que Strauss siente por Oppenheimer.

    El relato es el que sigue ese hilo racional, de la racionalidad pura y dura de la ciencia y se entronca con los esfuerzos por obtener un resultado. Sin embargo, el objetivo va más allá de esa racionalidad. Se inclina -como diría Einstein- a la instrumentalización de esa razón teórica, cuyo entusiasmo obnubila la terrorífica dimensión práctica que comprende el proyecto. En tal sentido, Nolan nos muestra a un Oppenheimer tan inmerso en el proyecto que cuando efectivamente tiene éxito, toma cabal conciencia de lo que ha dado a luz: una de las peores armas gestadas en el siglo XX. La larga secuencia del festejo en Los Álamos por el éxito de la prueba, dan muestras de esta conciencia trágica a partir de este momento que habitará al científico hasta el fin de sus días. El sentido del pensamiento está en su instrumentalización, el pensamiento en sí no interesa a nadie, no sirve para nada, más que para volver viable aquello que los poderes ansían obtener. Una vez obtenido, sus gestores desaparecen como fantasmas a los que nadie ya escucha.

    Finalmente en 1963 Oppenheimer es rehabilitado otorgándosele el premio Enrico Fermi. Sin embargo la culpa persigue a Robert y se pregunta si su prueba en Los Álamos había creado una reacción en cadena que llevaría a un holocausto nuclear.

    La vida de Oppenheimer queda inserta dentro de una lógica que es justamente la de la razón instrumental. El propio Oppenheimer termina siendo instrumentalizado por Truman  cuando éste lo va a ver para advertirle sobre el peligro de una escalada atómica y advirtiéndole acerca de la bomba de hidrógeno. La maquinaria imparable de esa monstruosidad racionalista que tan bien habían avizorado algunos pensadores y artistas durante el siglo XIX había sido echada a andar. Nadie pensará en Truman cuando se piense en la carrera atómica, sino en Oppenheimer. Por eso en este film, Nolan le hace justicia al destacado científico norteamericano y señala la miseria humana de Truman.

La entrada Cine – La Trinchera del Logos se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por   LUIS RAÚL CALVO y NORA PATRICIA NARDO

Les compartimos una de las cartas de nuestro libro “Tiempos Diluidos”*,  que hace referencia a cómo en condiciones extremas, de mayor vulnerabilidad, se pueden abordar situaciones de conflicto y violencia-como la que se presenta a continuación, sobre un hecho ocurrido en una institución pública ubicada en Villa Soldati,en donde nos tocó intervenir-, abriendo canales de diálogo y comunicación.

Querido Alejandro:  

Te agradezco el material que me enviaste sobre la Ley 223 de Convivencia en la Ciudad de Buenos Aires y su reglamentación, como así también el relato  del trabajo que se realizó en esa institución educativa.  Me han sido de utilidad para reflexionar sobre los efectos de la experiencia y para ver qué condiciones de subjetivación habilitan en estos tiempos que nos toca vivir.

Te comento que en estas últimas semanas me solicitaron intervenir junto a mi compañero de trabajo en una situación que se presentó en uno de los  Centros Juveniles. Este Centro se halla ubicado en un barrio muy carenciado. Los adultos, en un gran porcentaje, se encuentran desocupados, los adolescentes presentan un alto grado de vulnerabilidad, la gran mayoría no estudia, y no se visualiza un proyecto de vida que los ayude a enfrentar esta dramática situación. La zona, a su vez, se ha vuelto  muy peligrosa en los últimos tiempos.

Los coordinadores docentes del Centro que demandaron asesoramiento nos presentaron su problema, haciéndonos saber en primer lugar que los chicos que concurren allí habían sido agredidos a la salida por otro grupo de adolescentes de la misma zona. Se comentaba en el barrio que la reyerta había comenzado el día sábado a la noche en el baile y que se debía a un problema de polleras. Lo cierto es que los docentes, con muchas dificultades, apenas pudieron separarlos, amenazas de muerte mediante.

La respuesta inicial que ofreció el personal del Centro  fue suspender las actividades hasta nuevo aviso a fin de garantizar la integridad física de los alumnos y los profesores.

Los interrogantes que formularon los coordinadores ante nuestras preguntas fueron :

*            ¿Debemos abordar esta pelea que sucedió fuera de nuestro ámbito de trabajo?

*            ¿Debemos ignorarla?

*            Con la suspensión de unos días de encuentro, ¿ya conocen los pibes   nuestro enojo y repudio ante estos hechos de violencia?

*            ¿Debemos continuar con nuestro trabajo dentro de un barrio donde no es posible garantizar mínimamente  la integridad física de ninguno de sus protagonistas?

Nos encontrábamos ante estos coordinadores que por vez primera pedían ayuda, pues  ya no sabían cómo interpelar a los adolescentes.

¿Te acordás? El Estado Nación  era ese terreno que proveía un sentido para lo que allí sucediera.

Con la pérdida de todos los parámetros conocidos para leer la realidad, con el derrumbe de los patrones de identidad y de la autoridad simbólica, ¿cuáles son las operaciones de pensamiento  con capacidad de afectación?

¿Cómo reflexionar sobre un acontecer imposible de anticipar?

¿Cómo interpelarnos  cuando se convierten en arcaicos los parámetros disponibles para pensar y por lo tanto también los recursos disponibles para abordar  las crisis?

¿Cómo inventar nuevos modos de habitar  capaces de operar, de ligar de otro modo el tejido desgarrado?

Lo que percibimos mi compañero y yo era que en realidad  los coordinadores y los docentes no querían abandonar ni a los pibes ni al proyecto comenzado por el Centro en ese barrio; eran gente muy comprometida con sus ideales y buenos conocedores de las nuevas formas de constitución de las identidades juveniles. Lo que sí creímos que se tornaba importante era  volver a producir  las condiciones necesarias para su existencia.

Te cuento que a este Centro concurren adolescentes  que se encuentran en situación de expulsión social,  que eligen compartir con jóvenes del barrio distintas actividades que se les propone. Esta institución de algún modo enlaza a estos adolescentes, posibilitando las condiciones de un encuentro entre ellos y sus docentes.

Estos adolescentes insatisfechos, depresivos, fragmentados, dependientes,  dan cuenta de las nuevas formas de vulnerabilidad, tanto desde el punto de vista social como desde el psicológico. Adolescentes, cuyos posibles marcos de referencia no remiten a formas de integración  social.

Excluidos en sus múltiples formas: económicas, sociales, políticas y culturales, poseen  menores probabilidades objetivas de salir airosos frente a los diferentes retos y problemas que plantea la individualización; por eso sería necesario operar sobre estas disfunciones.

Pero ¿cómo hacerlo?, ¿cómo producir espacios productores de  subjetividad que sean pertinente para esta situación?

¿Cómo poder interpelar a los jóvenes  que concurren al Centro Juvenil?

 ¿Sería necesario interpelar también a los otros pibes –a los que se pelearon-?

¿Corresponde que aquellos que no concurren al Centro sean interpelados?

Sabemos que sin ley simbólica el otro no se configura.

Por lo tanto, ¿cómo hacer que la ley opere a fin de que en el barrio y, sobre todo en estos adolescentes, se pueda ver su transgresión?

¿Cómo puede el  Centro volver a ser un lugar de pertenencia, de enlace, de producción?

Nuestro punto de partida fue tomar esta situación como condición, como posibilidad. Se pudo  aceptar que   esta circunstancia no podía ser abordada solamente por los docentes y sus coordinadores  como otros incidentes  anteriores que se habían ido  resolviendo de una u otra manera. El hecho de solicitar asesoramiento para esta situación implicaba también admitir su  debilidad.

Cambió la época.  ¿Y nosotros cambiamos? Los discursos de autoridad y de saber de la institución familia y de la escuela perdieron su capacidad enunciativa y desaparecieron los lazos vinculantes;  en su lugar, la violencia se desarrolló en estos barrios como condición cotidiana, como modo de relación.

¿Cómo puede el Centro  ser una forma situacional de ejercicio de la autoridad?

Luego de pensar líneas posibles de intervención, creímos necesario involucrar a los responsables de los pibes, que hasta ese momento no habían sido convocados. Nos pareció indispensable que ellos tomaran un papel protagónico en esta situación, que compartieran nuestra preocupación.  Saber si en realidad  esto  también los preocupaba o no, qué grado de importancia le daban  a la existencia del Centro.

También  pensamos que debíamos estar junto a los coordinadores y docentes,   que era importante “poner el cuerpo”;  sabíamos que era tan sólo para acompañarlos, pero, para ellos, el hecho de estar era significativo.

Desde algún lugar, contribuimos a rearmar el complejo entramado social entre los adolescentes, los adultos, el Barrio y el Centro, que en ese momento se percibía a sí mismo como desmembrado, provocando  entre los docentes mucha inseguridad e incertidumbre con respecto a su poder de afectación en las subjetividades de estos jóvenes.

Convinimos en que  se citaría a los padres el día sábado en el horario de los pibes para hablar de estas cosas con ellos.

Intuimos que era necesario que en ese encuentro se pudiesen generar una serie de operaciones que permitieran multiplicar las posibilidades existentes.

Si bien  el lugar de la autoridad familiar de estos padres, en estos tiempos de tantas pérdidas –tierras-empleo-capacidad de aportar medios para sostener a la familia-, está desestimado y   en algunos casos disuelto, era   indispensable lograr entre ellos y nosotros pequeños acuerdos sostenidos por la coherencia entre lo que  cada uno expresaba  y proponía para confirmar  nuevamente esa confianza legitimadora del lugar  del Centro en el barrio, aspecto que en algún momento los coordinadores creyeron que se había perdido, pero que la masiva concurrencia de los padres y de los adolescentes a las reuniones permitió corroborar.

Ésta fue una de las dos reuniones a la que asistimos, la otra fue, a los quince días con los pibes y padres de los dos grupos.

A partir de este último encuentro,  decidimos que nuestra presencia ya no era necesaria. Igualmente se dejó abierta la posibilidad de volver a participar en  el caso  de que  las circunstancias así lo requiriesen.

Podemos hablar de eficacia en los dispositivos utilizados por el poder de afectación que tuvo esta experiencia, ya que:

*Ambos grupos respetaron el acuerdo de no agredirse; se reestablecieron los vínculos  al transitar un nuevo espacio compartido en el juego -partidos de fútbol- y  se lograron  nuevos concurrentes al Centro de Adolescentes.

¿Quizás esto fue posible en primer lugar porque los coordinadores pudieron admitir su vulnerabilidad ante esta situación?

¿Quizás porque los docentes se comprometieron y caminaron todo el barrio invitando a la reunión de padres que se celebraría en el Centro?

¿Tal vez porque estos coordinadores pudieron autorizarse a pensar otros modos de intervención?

¿Tal vez porque por primera vez estos padres de adolescentes sin escolaridad fueron convocados para ayudar a pensar junto a otro-docente cómo se podría hacer?

¿Acaso porque se generó un espacio singular de acuerdo con  la situación?

¿Lo que operó fue la cohesión en un terreno de dispersión, la palabra y la reflexión en un terreno de violencia?

Tiempo después, el coordinador del Centro Juvenil se comunicó con nosotros, a fin de manifestarnos su satisfacción por el cumplimiento del  acuerdo sobre no agresión al cual habían arribado los adolescentes y lo más importante: que se habían re-establecido los lazos de confianza y amistad entre ellos, pudiendo volver a interactuar en diferentes actividades en forma conjunta

Bueno, Ale, te dejo estos interrogantes para seguir pensando juntos.  ¡Ah! ¿No querés recordar viejas épocas yendo juntos pasado mañana a la Marcha por la Paz en el Mundo?

 Cariños

Eu

.*”Tiempos Diluidos” (Luis Raúl Calvo, Nora Patricia Nardo, Ed. “Generación Abierta”, Buenos Aires, 2006) recorre nuestra educación desde el final de la modernidad hasta nuestros días. Alejandro -psicólogo- y Eugenia -Lic. en ciencias de la educación- ambos trabajadores en instituciones educativas de nivel medio, en forma epistolar, a través de cartas, reflexionan, se cuestionan y comparten experiencias de intervención sobre sus prácticas profesionales.

La entrada Inventar nuevos modos de habitar… se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por  ADRIANA MÓNICA GASPAR

…lo que más nos alarma es el avance de la mercantilización de los cuerpos de mujeres y niñas para la pornografía y la prostitución.

G.A.: ¿Desde cuándo y cuáles son los objetivos del Museo de la Mujer Argentina?

G.T.C.: El Museo de la Mujer en CABA, desde su creación hace casi 20 años, cumple los objetivos de defender los derechos de las mujeres y es un recurso de concienciación sobre la opresión social que sufrimos, lo que le ha valido ser Declarado de Interés Cultural por el Honorable Congreso de la Nación (O.D.2378 de junio 2007).

Hoy, nuestra principal preocupación es que, pese a los avances legislativos que hemos conquistado en las últimas décadas, estamos frente al incremento de algunas violencias milenarias, empezando por los femicidios con un alarmante número de 300 asesinatos de mujeres al año por el sólo hecho de serlo. Hay temáticas de agenda permanente en el campo laboral, en el cuidado de los y las hijas, el cuidado de la salud sexual y reproductiva, la calidad de la participación política en paridad con los varones y otras tantas reivindicaciones pendientes. Pero lo que más nos alarma es el avance de la mercantilización de los cuerpos de mujeres y niñas para la pornografía y la prostitución. Se pretende naturalizar desde las redes sociales y las plataformas digitales, la explotación como un hecho progresista y liberador para las más jóvenes. Abordar estos temas con perspectiva histórica y proyección de futuro igualitario es como proyectamos nuestra programación interdisciplinaria en la sala del museo para el año 2024.

 G.A.: ¿Cuáles son las actividades interdisciplinarias que vienen trabajando en el Museo para poder abordar las distintas propuestas?

G.T.C.: Nuestra línea de “museología feminista” concibe la interdisciplinariedad: exposiciones históricas, muestras de artes plásticas, música, danza, teatro, etc. dialogando en el mismo espacio expositivo. Por ejemplo, desde nuestro proyecto museístico-teatral, promovimos cuatro ediciones del Festival Nacional de Teatro sobre Violencia de Género desde el año 2013 al 2019, mereciendo la primera edición la distinción del Premio “Florencio Sánchez”. Estamos convencidas que el soporte del arte, entendido como “artivismo”, es un vehículo de comu-nicación privilegiado para incidir en la transformación social. Una obra de arte, en cualquiera de sus disciplinas y soportes, interpela desde los sentidos y sentimientos como recurso pedagógico mucho más que cualquier discurso.

 G.A.: ¿Cómo es el vínculo entre el Museo de la Mujer y la Película: “Nuestra Venganza es ser Felices”, de reciente estreno?

G.T.C.: Como Museo hemos promovido y colaborado con muchas iniciativas artísticas de cine y teatro, entre las cuales se halla la Película documental “Nuestra Venganza es ser Felices” dirigida por la cineasta Malena Villarino y protagonizada por Sonia Sánchez, sobreviviente de trata y prostitución quien relata la experiencia de su sometimiento y explotación sexual. Ambas son entrañables amigas feministas con las que compartimos la lucha abolicionista de la prostitución.

Estas producciones no están en el circuito comercial de cines, aunque por su contenido merecerían una gran promoción, pero encuentran en nuestra militancia feminista su principal soporte y estamos orgullosas de tal esfuerzo.

 G.A.: Para este tema, contanos acerca del Proyecto de Ley que promueven para erradicar el sistema  prostituyente en Argentina.

G.T.C.: Este proyecto es una iniciativa de C.A.Fe – Convocatoria Abolicionista Federal que el museo integra y tiene como objeto completar el programa abolicionista, denunciando el trato de personas como mercancías. El texto del proyecto contempla sanciones a las conductas de los prostituidores – mal llamados “clientes” -por el daño que producen y como forma de prevenir la prostitución, la trata y la violencia contra mujeres, niñas y demás personas prostituidas. A la vez que busca descriminalizar a las personas prostituidas y restituir sus derechos humanos a fin de posibilitar su salida del sistema prostituyente, ubicándose en el campo de los tratados internacionales de derechos humanos que nuestro país ha firmado y ratificado. Esta iniciativa no será de fácil logro, como tampoco lo fue el derecho al aborto por el que luchamos casi cuatro décadas, pero sabemos que es justa y necesaria. El lobby parlamentario está muy demorado por la inacción que por razones electorales ha tenido este año el Congreso Nacional, pero la experiencia de países como Suecia, Islandia, Noruega y Corea del Sur que llevan décadas de vigencia de legislación abolicionista y también más recientemente Irlanda del Norte, Israel y Francia, nos reafirman la justeza de estas legislaciones que permitió disminuir significativamente la demanda masculina de prostitución. 

G.A.: ¿Cuáles son los vínculos y que actividades desarrollan con otras instituciones feministas internacionales? 

G.T.C.: El feminismo desde su origen ha tenido un carácter internacionalista pues la opresión patriarcal se constata como un fenómeno histórico- social planetario, aunque se manifieste culturalmente de maneras diferentes. Siendo así, las alianzas internacionales entre mujeres son necesarias, particularmente cuando debemos enfrentar ofensivas antifeministas neoliberales y misóginas como en la actualidad. Las “olas”, como metáfora de los momentos de auge de luchas, expresan historiográ-ficamente los avances y retrocesos que el movimiento internacional de las mujeres ha vivido y vive. Respecto del Museo, en el año 2008 fuimos miembro fundador de la Red Internacional de Museos de las Mujeres en el mundo, transformada desde el año 2013 en IAWM – International Association of Women´sMuseums (www.womeninmuseums.net).

 En la actualidad integramos varias coaliciones y campañas como la CIAMS – Coalisión Internacional por la Abolición de la Maternidad Subrogada, mal llamada “alquiler de vientres”; WDI – Declaración Internacional de los Derechos de las mujeres en base al sexo – Cap. Argentino, para impedir el borramiento real, social, jurídico y simbólico de las mujeres reduciendo nuestra existencia a una “identidad de género” entre muchas otras.

G.A.: Desde tu experiencia cómo directora del Museo de la Mujer en Buenos Aires, contanos cómo ves el feminismo, en la actualidad en nuestro país.

G.T.C.: El Feminismo que nació en el siglo XVIII como proyecto político de transformación social ha experimentado, como todo movimiento social-histórico, momentos de auge y momentos de retroceso y en y de ellos se han ido sintetizando sus prácticas en teorías que fueron guías para nuevas prácticas superadoras de las anteriores en las que fuimos aprendiendo sobre el origen social no natural de la opresión que por miles de años se ejerció sobre nosotras. Ese aprendizaje es siempre inacabado y tiene su meta en la liberación social y sexual de las mujeres y no sólo en reivindicaciones parciales o peor aún, con banderas disfrazadas de progresismo que nos hacen retroceder y esfuminan el objetivo máximo que persigue el Feminismo y tergiversan en el discurso a su sujeto político que somos las mujeres. Ésta es la situación actual que enfrentamos en nuestro país y en el mundo.

 G.A.: ¿Cuál es el grado de vulnerabilidad en el que se encuentran las mujeres en los distintos territorios de nuestro país en relación a Latinoamérica y el mundo?

G.T.C.: La violencia que sufrimos las mujeres es proporcional a la vulnerabilidad en la que nos encontramos, producto de la creciente pobreza vinculada con la precariedad e informalidad laboral de millones de mujeres en la ciudad y en el campo. La falta de políticas públicas para salvaguardar nuestros derechos humanos: trabajo, vivienda, salud, educación, justicia… es la que nos empuja aquí y en toda América Latina y el Caribe al mercado fragmentado de nuestros cuerpos: úteros o tetas y culos, fragmentar el cuerpo implica suprimir y eliminar simbólicamente a la persona, pero mantener sexualizados y feminizados los fragmentos para el consumo.

Sólo si nos organizamos con agenda propia podremos, en acciones colectivas, pergeñar nuevos auges de lucha consciente y para ello ponemos al servicio el museo.

*Graciela Tejero Coni: Feminista, Historiadora. Militante social y política desde la década del 70. Actualmente directora del Museo de la Mujer, CABA, Argentina. Investigadora en temas de Educación y género. Ha publicado libros y artículos en revistas especializadas nacionales y extranjeras. Docente y huésped académica en universidades nacionales. Fundadora de la Primera Especialización docente de nivel superior en ESI, M. de Educación, GCBA. Miembro de la Comisión Organizadora del Encuentro Nacional de Mujeres en Capital Federal (1986/96). Coordinadora para América Latina y el Caribe de la Red Internacional de Museos de las Mujeres (2008/12) y co-fundadora de la IAWM (International AssociationWomen´sMuseum).

info@museodelamujer.org.ar 

La entrada Graciela Tejero Coni – Directora del Museo de la Mujer Argentina se publicó primero en Fundación Generación Abierta.