Entre el 4 y 18 de octubre la artista plástica Adriana Gaspar, integrante del Grupo Generación Abierta, realizó en el Salón de Luz y Fuerza (Defensa 453) Una interesante exposición de cuadros de técnicas mixtas.
Doce trabajos formaron parte de esta nueva serie, donde la acuarela -material preponderante- está utilizada de manera no ortodoxa ya que la fusiona con otros elementos como tintas y marcadores, logrando de este modo, sutiles y ricas texturas visuales.
Lo que diferencia a su obra actual de la anterior es, fundamentalmente, la disposición de los espacios. Los planos y formas son aquí más pequeños debido a una mayor profundización de cada uno de los sectores de su pintura.
Los colores utilizados tienen gran intensidad y están en perfecto equilibrio; se combinan en algunos casos con grafismos que definen en la transmisión de espacios interiores, en los que se imbrican la artista y el ser humano.
En una de sus acuarelas, llamada “Identidad”, las formas ascendentes y los espacios como búsqueda, evidencian el proceso de madurez personal de su obra.
El lenguaje es simbólico, con ciertos elementos surrealistas pero siempre en el límite entre la figuración y la abstracción.
En la inauguración estuvo presente el artista plástico Yaco Nowens quien presentó la muestra, destacando la calidad y seriedad de la exposición.

Cabe destacar que Adriana Gaspar fue seleccionada para integrar la muestra colectiva que se llevó a cabo durante las Jornadas de Artes Plásticas organizadas por la Asociación del Personal Superior de Segba y por el periódico Oleo y Mármol en el mes de octubre próximo pasado.

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¿Qué factores contribuyeron a tu acercamiento a la plástica?
Hasta los veinte años era lo que más me gustaba hacer. Luego estudié bioquímica, pese a que me había realizado en mi profesión, sentí una gran incertidumbre y en 1983 la retomé gracias a mi maestro. Fue como una explosión y traté de organizar mi vida para poder hacerlo.

¿Qué estudios realizaste?
Estudié en el Museo de Bellas Artes de Tandil en mi juventud, pero mi realización profesional se dio gracias al trabajo en el taller de Víctor Chab y luego en el de Kenneth Kemble. En 1990 estuve en Nueva York para buscar nuevas experiencias y nuevos materiales; fue una vivencia muy movilizante, me liberó mucho y me hizo tomar conocimiento de lo que está pasando en el mundo.

¿Qué transformación se produjo en tu obra luego de este viaje?
Salí un poco del plano utilizando texturas. Siento el cuadro en la mano y eso me produce un contacto o comunicación especial con la obra; me hice más informal aunque siempre trabajé en la abstracción.

¿Qué materiales incorporás en la actualidad?
Estoy trabajando las texturas con resinas acrílicas (materiales nuevos que traje de E.E.U.U.), mancho con acrílico en gel, acrílico en aguada y algunas veces con óleo. En algunos cuadros incorporo fibras de papel hecho a mano pero, sobre todo, trabajo con las resinas acrílicas que me dan las texturas.

¿Cómo va surgiendo cada obra?
Yo no boceto: soy automatista. Comienzo por una mancha tratando de dejar en blanco la mente; después dejo que la mano se exprese, de ahí surge una primera mancha libre la cual inspira formas, figuras y colores y luego es destreza y un poco el talento, lo que hace nacer la obra.

¿Dentro de qué escuela ubicarías tu obra?
Es informal y encuentro mucho de expresionismo abstracto.

De tu viaje a N. York ¿qué es lo que más te impresionó?
La escuela norteamericana del 50 y del 60.

¿Cuál es el compromiso de un artista?
Para mí es ser coherente consigo mismo, no mentirse, ser él y no dejarse llevar por modas. Además, creo que todo artista tiene obligación de mostrar lo que hace; la posibilidad del talento artístico es un privilegio de pocos. EL ARTE ES ALEGRÍA DE VIVIR.
Otro compromiso es ser humilde, seguir investigando y trabajar todos los días. Picasso decía: “Cuando aparezca el momento mágico debe tomarte con el pincel en la mano”.

¿Qué pensás de la pintura de denuncia?
Si la denuncia es con honestidad, es válida; si no se la hace con un interés particular, podemos definir esa pintura como obra de arte.

¿Influye la crítica en la obra de un artista?
A veces enterarse de la opinión puede ser cruel; otras veces, no. Lo importante es la pintura. Si el formador de opinión tiene solvencia es fundamental escucharlo porque puede ser muy útil. Cuando la opinión es desinteresada y solvente, es importantísima.

¿Qué posibilidades tiene el artista en nuestro país?
Llegar a ser reconocido es un camino duro. Estoy convencida de que si se trabaja con seriedad, honestidad y permanencia se puede llegar a ser reconocido. Daría la impresión de que en este momento se nos está haciendo una apertura. Este fue un año muy fuerte, de muchas exposiciones, tanto en galerías como en museos.

¿Pensás que los argentinos tenemos una pintura que nos caracteriza?
No, no nos caracteriza ni como latinoamericanos ni como argentinos. Me gustaría que mi obra se identificara con Latinoamérica, pero mis raíces son europeas. No pasa aquí como en otros países de Latinoamérica -México y Perú- por ejemplo, que tienen una imagen representativa.

¿Qué pensás de los pintores jóvenes de nuestro país?
Les doy todo el mérito y el valor de ser jóvenes. La Bienal de Arte Joven muestra el empuje y creatividad que tienen. Hablo de jóvenes cronológicos. Hay una realidad generacional distinta que, los que estamos antes, de esta generación, nos cuesta aceptar. Toda propuesta es válida mientras sea honesta, ya sea del joven o del artista maduro.

¿Trabajás con adultos en tu taller?
En este momento solamente doy clases a adultos aunque antes también lo hacía a niños y adolescentes.
Trabajo en base a las necesidades del alumno. Yo me siento como un espectador, acompañando al alumno cuando precisa ayuda. En pocas palabras: nada de academia. Es trabajando como se descubren cosas todos los días; si se explica como se debe utilizar un material determinado, se pierde la posibilidad de investigación. El intercambio hace crecer al maestro y al alumno.

¿Qué pintor admirás especialmente?
Hay muchos: por ejemplo, Goya, me emociona como ninguno y Picasso. Me gustan mucho los japoneses de la escuela moderna y los impresionistas. Me movilizaron mucho los originales de Pollock, Klein y sus seguidores.

¿Cómo fue tu experiencia en la televisión?
Muy simpática. Estuve en Paraguay y aquí, en Función Privada. Esta experiencia me permitió conocer un mundo al cual no pertenezco, que es el de los actores.

¿Qué le agregarías al reportaje?
Tiene que ver con ustedes, con el grupo Generación Abierta a la Cultura. Me parecen admirables por el desinterés, la seriedad y la solvencia con que han encarado el hecho de difundir la cultura y el arte en un momento en que la Sociedad está mercantilizada y consumista. Están en la tarea tan hermosa del arte por el arte mismo. Los felicito y les agradezco mucho todo el tiempo que me dedicaron. Me siento honrada y les pediría que no aflojen porque van a crecer. Además, los necesitamos.

MARIA CELINA GARCÍA el día 15 de noviembre inauguró una muestra de pintura en la Galería de Arte FORMA. En esta nueva serie de trabajos, incorpora rectas y grafismos como sostén o para reforzar la imagen.

MARIA CELINA GARCÍA, argentina, estudió con los maestros Victor Chab y Kenneth Kemble hasta 1988. Cursó en las “School of Visual Arts “y “Art Students League”de Nueva York durante 1990. Presentó su primera muestra individual en 1986 (Galería Christel K. de Buenos Aires). Desde entonces a la fecha realizó varias muestras individuales en Capital Federal e interior y países vecinos. Participó en numerosas muestras colectivas, Salones Nacionales, Provinciales y privados. Recibió los siguientes premios:
1987. 2° premio pintura: Salón Primavera ACA/87
3er. premio dibujo: Primer Encuentro Latinoamericano de Arte sobre Papel—OEA/87
1988: 1er. premio pintura: Salón Otoño –ALAP-Bs.As.
Mención especial del Jurado: Salón Universidad Belgrano/88
1989: 3er. Mención: II Salón Latinoamericano de Pintura -Alianza Francesa- Bs.As.
1991: 2do. Premio Pintura: Salón Alianza Francesa/91 Bs.As.
4to. Premio Pintura: Salón Nuevas Propuestas 9. -Museo de Bellas Artes de La Plata.
2da. Mención: XXI Salón Nacional de Arte Sacro -Museo de Bellas Artes Tandil.
2da. Mención: Salón Raúl Soldi -Bs.As.

La crítica especializada ha dicho:

“Pintora de imaginativa naturaleza, con trabajos muy bien realizados que exigen laboriosa factura” Aldo Galli “La Nación” Dic.1986.
“Obra madura y rigurosa que sorprendió en la Galería Christel K.. Diego Lagache -El Periodista- Dic. 1986
“Su obra hace que el observador se encuentre ante una belleza plástica muy seductora y una expresión de vida desbordante y rica.
El tratamiento especial del color, la presencia siempre protagónica de la luz, hacen que su obra provoque una sensación de deleite y desconcierto al mismo tiempo” Luis E. Ughelli “El Diario Noticias” Asunción – Paraguay, 1989.

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Por  Elido Di Serio
Para “Generación Abierta
a la Cultura” Diciembre de 1991

En un volumen de 240 páginas prolijamente editado por Duplicaciones Gráficas de la ciudad de Mendoza, Angel Bustelo nos presenta su obra enmarcada bajo el título Duende y Pólvora.
El poemario está dividido en siete capítulos con ciento setenta y siete trabajos. Este solo enunciado nos habla de la necesidad espiritual del autor de transmitir a sus hermanos -los hombres y mujeres del pueblo- su mensaje poético.
Bustelo aún en su romanticismo no puede abandonar su militancia, búsqueda de un mundo en donde la solidaridad, el amor, el humanismo, sepulten para siempre la injusticia, la violencia, el despotismo y la mentira.
No es posible separar al hombre luchador de su poesía. Hay en él una amalgama unificadora, aún en el verso más trivial. Así, en “Igual y Distinto”, comienza asegurando, como Flaubert, que no es fácil ser escritor, que se trata de trabajo “y un trabajo serio y hay que comportarse como buen encomenzadero”, pero lo culmina con nostalgia lamentando el naufragio de ideales: “Naufragaron iguales pensamientos, que ahora son ceniza bajo igual firmamento”. Lector de Borges y Cortázar, a ellos se inclina con su poética revolucionaria, llena de amor y agradecimiento.
Es probable, que en su afán de no dejar poemas abandonados -a quienes uno quiere como hijos de la carne- Bustelo haya encarpetado a todos como si fueran de paseo, y los entregó a sus compaginadores como quien recomienda a sus niños: “¡Cuidémoslos!” y ellos no quisieron perder ninguno. Digo esto, por el gran respeto que me merece el Dr. Angel Bustelo, pues si hubiera preparado siete poemarios se hubieran apreciado aún más. No porque su lectura resulte farragosa sino porque cada poema merece un alto y una doble lectura: una, la simple, que conmueve el corazón y otra, la que nos lleva a un razonamiento de su firme y vertical militancia que se perfila en cada una de las poesías.
En “Pulsos de Sangre” -el segundo capítulo- y a partir de “Un Hombre”, observamos un verso más moderno. Hay quien entiende lo poético como poder de sugerencia. Para Bustelo, alineado en un marxismo “manualista” (como dicen los nicaragüenses), es didáctico. Creo que esa es la intención del autor y en este capitulo, este principio está más claro que en otros. Como cuando dice: “Conocida la necesidad, /el hombre se hace libre, /llega a la libertad”. El capítulo tercero se denomina “Fervor de Pueblo”. Son poemas libres con las mismas características didácticas, en los cuales enaltece a las figuras de de este pueblo que han entregado como él, su vida a ciertos ideales, algunas de ellas hasta ha costado su propia muerte.
En el cuarto capítulo, “Amoresca”, hay un cambio en la forma métrica y el estilo aparece más pulido: Un Angel Bustelo que conservando su esencia se nos torna más lírico. Su amor es como su propia vida, toda entregada, sin especulaciones. La rima es menos visible y el ritmo se transforma poético-estéticamente.
El capítulo “Intimas” -el quinto del volumen- es realmente casi confesional. Allí dice: “Para sentir los años hay que creerse viejo”.
El sexto capítulo está dedicado a Chile, a ese Chile hermoso, sufrido y libertario a quien le canta reverenciando su heroísmo, sus mártires, sus dirigentes y a su inmortal Neruda con su Isla Negra: “Sabemos que llega ya tu júbilo / y con él la gloria /de los pueblos de América/”.
Termina el poemario con el apartado “Cantos” que cuenta con veintitrés poemas. Todos ellos con el mensaje del hombre comprometido que a cada instante vislumbra el porvernir.
Aquí, sin embargo, la emoción vence al poeta y entonces la rima y el verso lineal desmerecen literariamente mucho lo que de forma y contenido tiene el resto.

Duende y Pólvora está ilustrado por el plástico mendocino, Marianetti y por las fotos de dos personajes muy caros a la ideología del autor quien a su vez -como lo anticipa en el prólogo- tiene plena conciencia de los defectos formales que contienen estos bocetos literarios, no obstante lo cual debemos admitir que en todos ellos, encontramos un canto de amor y esperanza en el mundo del futuro.

ELIDO DI SERIO: Poeta, ensayista, trabajador de la cultura y Secretario General de la Sociedad Argentina de Escritores durante el período 1989-1991.

OBRAS PUBLICADAS:
—Primer canto en rebeldía (1948)
—Juan descalzo (1971)
—Poemas para tu tiempo (1973)
—Entre amapolas y cardos (1981)

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 A partir de este año, con el Grupo Generación Abierta comenzamos a realizar encuentros culturales, los primeros y terceros sábados de cada mes a las 19,30 horas en Balcarce 1024 (Café “Karavana Cultural”) de esta capital. Mesas redondas con escritores, inauguraciones de muestras plásticas y diálogos con el artista expositor, recitales de poesía y cuento, música, etc, fueron algunas de las actividades desarrolladas.
El objetivo es poder generar un espacio abierto a las distintas manifestaciones culturales.
Las opiniones satisfactorias que hemos recibido del público asistente a dichas reuniones, nos han impulsado a continuar estos encuentros a partir de marzo de 1992 en el mismo lugar, un sitio cálido ubicado en pleno corazón de San Telmo.
A través de nuestra revista, invitamos a poetas, cuentistas, plásticos, músicos, etc, que quieran sumarse a nuestra propuesta y participar en los eventos, a comunicarse con nosotros a fin de coordinar con anticipación fechas de presentación para el próximo año.

Gracias y hasta Abril de 1992

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Frase generadora

Recapitulemos:
En el número anterior, señalamos la importancia de la palabra generadora en el trabajo textual en el taller. Dijimos que “es productora y productiva, una palabra “a partir de”, a partir de la cual se nuclean otras que van constituyendo una intrincada red de formas y significaciones que conforman el texto narrativo”.
Trabajemos ahora con frases generadoras que pueden ser extraídas de libros o de comentarios orales. De aquí la necesidad de que el taller, como productor, funcione también como receptor activo y dinámico, mancomunando la lectura creadora, el comentario y el análisis de textos. Pedagógicamente, la frase generadora habida en textos, o surgida de comentarios o de la iniciativa individual, servirá tanto para incrementar el acopio lexical como para enfrentar a los integrantes con buenos libros de autores meritorios.
Estas frases actuarán como líneas de fuerza, como fuerzas motivadoras capaces de hacer proliferar nuevos textos a partir de ellas, de funcionar como nexo o enlace interior incluido en el nudo o desarrollo de otro, o como remate o desenlace de uno ulterior.
La frase generadora despertará en cada uno todo su caudal latente creativo; cada receptor –activo- de la frase la incorporará como patrimonio propio, como semillero feraz y generoso, capaz de fructificar excelentemente.
Con respecto a la frase generadora extraída de textos, diremos dos palabras sobre la intertextualidad. Aunque éste es un término de acuñación bastante reciente, el concepto que denota es de antigua data en las retóricas clásicas.
Según Todorov, en el nivel más elemental, es intertextual toda relación entre dos enunciados. Dos obras verbales, dos enunciados yuxtapuestos uno al otro entran en una especie particular de relación semántica que llamaremos dialógica.
Desde este ángulo encararemos la frase generadora: como una relación creadora donde un texto dialoga con otro, donde lo que importa es el interjuego entre ese primer texto y el segundo que lo incluye o absorbe.
Jorge Luis Borges dijo muchas veces que “la literatura es un diálogo con otros escritores: “yo les debo a ellos, y ellos posiblemente me deban a mí también”. Si analizamos su obra, podemos comprobar el alcance de estas palabras, en relación con lo dicho sobre intertextualidad.
Llamamos, pues, intertexto, al texto dentro del texto. La frase generadora, motivadora de textos productivos en el taller y que conforman su principio motriz, es un ejemplo de intertextualidad donde el intertexto aparece como significante que adquiere un nuevo significado y sentido en la totalidad del texto.
El intertexto, no es sólo el texto dentro del texto, sino el texto entre los textos: actúa como enlace entre dos sistemas de signos.

Texto generador

Para el tratamiento de este punto arbitramos similar técnica que para frase generadora. El texto generador puede proporcionar el tema, la idea central, la nominación y/o caracterización del o de los personajes, o los índices temporales o locativos.
Lo dicho sobre intertextualidad, también es extensivo a la producción narrativa donde el intertexto constituye también el elemento generador, pero aquí ya no es una frase la que funciona como tal, sino un texto de relativa extensión el que actúa como gozne.
No tiene porqué, el texto generador, ser el comienzo de una narración: puede ser insertado en el desarrollo o nudo, o, si su sentido lo permite, al final. Por otra parte, puede inducir la escritura de distintos tipos de cuento -realista, maravilloso, fantástico, de ciencia-ficción- lo cual puede estar precisado en la consigna o no. Afirmamos esto, pues el taller es, y lo hemos comprobado, una permanente caja de sorpresas: de una premisa realista han surgido magníficos cuentos fantásticos, de ciencia-ficción o maravillosos.

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A lo largo de su trayectoria, el guitarrista y compositor Luis Borda integró varias agrupaciones musicales: en primer lugar, el conjunto AVE ROCK (allá por 1973-74 junto al pianista Osvaldo Caló); luego, por dos años se desempeñó como guitarrista del grupo de Raúl Porcheto, para formar parte más adelante del quinteto de Rodolfo Mederos (78-83). Pero es con su QUINTETO (1981-86) cuando comienza a tener peso fuerte dentro de la música ciudadana contemporánea. Actualmente integran su trío, Gabriel Rivano en bandoneón y Juan Rivero en piano, con quienes ejecuta un repertorio integrado por obras propias y tangos clásicos. Paralelamente, integra el Trío Argentino de Guitarras (junto a Osvaldo Rabuñal y Gustavo Margulies) actualmente de gira por el sur de Francia. A continuación reproduciré la charla que mantuvimos pocos días antes de su viaje a Europa:

Estás a pocos días de tu viaje a Europa, el segundo de este año.
Sí, estuvimos en junio en Holanda y Alemania con mi trío, integrado por Juan Rivero en piano, y Gabriel Rivano en bandoneón; y después toqué en el Trío Argentino de Guitarras (junto a Osvaldo Rabuñal y Gustavo Margulies) en la Costa Azul y en Génova. En total realicé 31 conciertos. Después toqué con un guitarrista alemán llamado Ottmar Naguel. El repertorio que hago está integrado en su mayor parte por composiciones mías, y después hacemos un homenaje a los compositores tradicionales de tango y milonga (especialmente de ésta, donde hay más posibilidades para la guitarra).
Hicimos entre otros, “Milonga de mis Amores” (Laurenz), “El Porteñito” (Villoldo), “La Trampera” (Troilo), “Recuerdo” (Pugliese) y después mi material, temas como la “Baionga”, hasta las cosas mas nuevas, que por ahí tienen una vertiente más tanguera, pero que son un poco diferentes en cuanto a ritmo, la armonía, la melodía, la forma.

Me habías comentado que en un boliche de Holanda se habían puesto a bailar. ¿No parece raro por esos lugares?
En Holanda hay muchas academias de baile y se conoce mucho el tango, incluso mucha gente viene aquí a ver como es. Ellos evalúan muy bien la cuestión de la autenticidad de la música; la aceptan porque están abiertos a nuevas formas, no les parece separada una cosa tradicional de la moderna; no tienen rechazo por las cosas modernas como por acá. Acá el público de tango tiene rechazo y desprecio por las tendencias modernas. El tango es una música que tiene una fisura generacional; evolucionó hasta un momento la época del Club del Clán, donde estuvo en auge la música de moda, los cantantes melódicos con aspiraciones norteamericanistas; comienza el dominio discográfico de las compañías grabadoras multinacionales (que no vienen a desarrollar la música argentina, sino a llevarse las monedas). Entonces el tango se cortó entró en una decadencia por un lado; por el otro lado, los compositores seguían su labor, Piazzolla, Salgán, Eduardo Rovira, etc. Lamentablemente el tango pasó a quedarse en manos de tipos como Silvio Soldán, que se ocupan de hacer que el tango sea una cosa del pasado, y en consecuencia la gente se cierra a las nuevas propuestas, termina consumiendo lo que le dicen que tiene que consumir; no existe la posibilidad de elección.
En cambio la posición del músico es diferente, y de repente se encuentra con planteos que no tienen nada que ver con lo que el consumo está proponiendo, y termina siendo la víctima del comentario general.

Quisiera que me dijeras cómo se fue gestando tu música actual, ya que en los comienzos hacías cosas diferentes.
En mi casa siempre se tocaba música, folklore y tango, y de alguna manera, uno con el transcurso del tiempo va buscando desarrollar algo, y en algún momento de tu vida ese espacio te lo brinda cierto tipo de música, que tiene que ver con lo que vos vas viviendo. Cuando yo empecé a tocar rock, no era lo mismo que ahora; era una cosa marginal, era arriesgarte a que te pare la cana y te metan preso, etc, y a la vez era una postura ideológica. Después, con el tiempo, fui estudiando música, y hoy, yo siento que el rock como expresión no me representa más. Creo que el rock en Argentina desde hace años no es más que una imitación de lo que pasa afuera. Yo prefiero escuchar a Troilo o a los guitarristas antiguos, porque me resulta un lenguaje más cercano pare alimentarme; yo prefiero construir mis cosas a partir de aquello que tiene más que ver conmigo.

Hablame un poco de tu nuevo viaje, de tus proyectos.
Bueno, voy a tocar con el trío de guitarras en el sur de Francia, en ANTIBES, NIZA, TOULON, y también en Génova. Después voy a tratar de editar allá lo último que grabé con mi trío (Rivero y Rivano) y agregar algún material con el trío Argentino de Guitarras.

Para finalizar, me gustaría saber a quiénes rescatás de los músicos jóvenes.
Bueno, creo que en este momento todo lo creativo sufre un momento de desamparo; se hace difícil ver en algún lugar cosas nuevas. Me gusta mucho el grupo “Alfombra Mágica”, y el grupo “Nuevos Aires”, pero tengo la sensación de que falta algo, me parece que falta el desarrollo en la composición. También me gusta el grupo “Semblanza”, que lamentable-mente no ha tenido posibilidad de llegar a la gente. Por un lado, creo que es una cuestión del medio, que no permite que las cosas crezcan, pero también creo que si uno está dispuesto a seguir adelante, el medio no te termina reventando.

Buen viaje y hasta la vuelta.
Gracias.

DISCOGRAFIA

COMO SOLISTA: Luis Borda Quinteto (1985, casete), Luis Borda Trialogo (1987, casete), Danza Primera (1988, LP), Música Para Guitarras (1989, casete), Arrabal Amargo (?990, LP).

INTEGRANDO GRUPOS Y PARTICIPACIONES ESPECIALES: Ave Rock (1974, con Osvaldo Caló), Chico Cósmico (Raúl Porchetto, 1978), Volando de Vida (Raúl Porchetto, 1979), Buenas Noches Paula (Rodolfo Mederos, 1982), Pintada (Emilio del Guercio, 1983), Las Tres Corazonadas (Nebbia-Baraj-Borda,1989), Trío Argentino de Guitarras (con Osvaldo Rabuñal y Gustavo Margulies. Editado en Francia en 1990). 

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Comenzar una nota referida a la influencia que ejercen los medios de información sobre los espectáculos a través de la denominada crítica o periodismo especializado resulta tan arduo como complejo y desgastante. Porque deberíamos enunciar los mecanismos que regulan la malformación o deformación de opinión. Quizás convendría reflejar los conceptos básicos que sostiene el Dr. Cosio en su obra La opinión Pública, en la que estratifica cuatro estamentos: 1) Los creadores propiamente dichos. 2) Los técnicos o entendidos que explicitan y recrean en cierta medida la creación original. 3) El público con cierta capacidad sensitiva para captar la obra. 4) Aquellos que solamente concurren por status y no les importa en absoluto el espectáculo.

Como inferencia lógica deducimos que los críticos deberían conformar la opinión pública, pero este fenómeno teórico brillante se halla viciado y mansillado por los múltiples factores económicos que inciden y manejan a los periodistas especializados, verdaderas víctimas y victimarios a la vez, de un sistema corrompido por las grandes empresas de agencias noticiosas.
Pero dejando de lado este análisis sesudo, volvamos la mirada al verdadero espectáculo que nos abruma y aplasta a diario. Lamentablemente el espectáculo en sí ha sido desplazado a un segundo piano, frente a la hiperrealidad que nos toca vivir: nuestro nuevo modelo de sojuzgamiento a ser aceptado en el desafinado concierto de las naciones como integrantes del primer mundo.
No olvidar que salimos victoriosos de la guerra del Golfo.

Con todo el teatro instalado todos los días de nuestras existencias en las pantallas de los televisores, los videos satelitales, los fax, las rotativas, las primeras planas y las palabras huecas y altisonantes que se expanden en el éter de las cientos de FM que pululan por ahí entremezclando las cortinas cantadas en inglés porque en castellano resulta “cursi”, y en argentino (nuestra verdadera lengua), peor, uno, inocente receptor de este verdadero maremagnum de contaminación o polución informativa, cae irremediablemente en la inercia creativa y se llama a salvador y prudente silencio.
Pero la crítica, sin receptor válido y con interlocutores viciados, esclerotiza el discurso y degrada las obras. Entonces surge el interrogante imprescindible: ¿con este caos se puede continuar ejerciendo la crítica independiente, analítica, iconoclasta, participativa y didáctica o hay que desfallecer y dejarse arrollar por las generales de la ley?

He aquí el dilema: ¿llegará el día en que los malos críticos sean reemplazados por otros de fuste, de formación o todo nuestro sistema político-social-informativo-artístico, seguirá en manos de improvisados, palanqueados, mediocres?

Resulta evidente que éstos no son otra cosa que interrogantes retóricos. Obviamente ustedes, como yo, conocemos la respuesta. Y mientras el país gira danzando este paso macabro de alegre y desprejuiciada decadencia, el arte no se difunde como corresponde, quizás porque ya no tengamos tiempo para captarlo o nos hayan cambiado los hábitos de distracción y esparcimiento por el mero consumismo, y el denominado post-modernismo, en vez de plantearnos nuevas hipótesis existenciales, nos venda resacas del primer mundo.
Como el espectáculo cambió de dueño y hoy los políticos hacen más teatro, cine y televisión que los desocupados actores, seguramente los críticos pasaremos a ser inevitablemente futuros analistas político-artísticos. Por lo menos, así lo veo yo. Disculpen la frase remanida, pero es el mejor remate que encontré para el espectáculo de nuestra dolorosa realiad y para esta supuesta nota de color, en blanco y negro por supuesto, porque el presupuesto no alcanza.

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