Sobre los animales
Hoy en un mundo del que se dice que el futuro ya llegó, que la tecnología viene amagando que puede pensar, crear y un montón de cosas más, aunque mientras tanto (o para que las cosas sean como son) siga habiendo guerras y sus concomitantes masacres, vemos que hay palabras y términos que alumbran significaciones nuevas; bienvenidos sean estos nuevos significados o en todo caso resignificaciones. Pero hay ciertos fenómenos que a caballo de estas novedades ponen de relieve hechos y sentidos acaso extra-ños. Me refiero al sentido de la palabra “autopercibirse” y no voy a extenderme que para eso está el diccionario de la RAE, el omnisciente google y la tupida fronda de wikipe-dia. Hay personas, en su mayoría adolescentes o jóvenes (y algunos otros por fuera de este grupo etario) que sostienen que se autoperciben como animales, se hacen llamar “terianos” o “teriantropos” y se identifican como ciertos animales que, así lo manifiestan, integran su espíritu, o su psiquis, o ambos.

Esta ¿cómo llamarla? “cualidad autopercibida” la expresan con caracterizaciones y disfraces pero no solamente así, también con actitudes y conductas afines al animal, ya no representado, sino integrado con el ser del sujeto.
No voy a entrar en cómo se originó esta tendencia ni a emitir un juicio de valor al respecto porque no considero que sea este un espacio pertinente para ello, sino simplemente lo menciono porque, jugando a volver en el tiempo, por ejemplo a principios de la década del 80, cuando tuve la suerte de conocer a Mario Morales, poeta y maestro de poetas, en tiempos de globalización en pañales, etapa final de la guerra fría, sin teléfonos celulares ni internet y sus ingentes derivados, traté de imaginar qué hubiese pensado Mario al respecto. Lo veo bajando un poco la cabeza y mirándome por encima de sus anteojos, gesto que
anunciaba una ironía o una confidencia, que en este último caso anticipaba con el preaviso: “esto es inter nos”.

Ante la interpelación podría haber preguntado, con una sonrisa cómplice, en qué tradición se alineaban los poetas terianos. De ese Mario Morales, que vio la luz en Pehuajó en 1936, de muy sólida formación filosófica, poeta poco transitado salvo por sus discípulos y amigos, y por algunos más, de una erudición enorme, cuya alta poesía, contrariamente a lo que muchos creen, es lo suficientemente vasta como para ser caratulada únicamente como neorromántica (allá ellos los clasificadores a la carta, que vaya uno a saber con qué profundidad leyeron o siquiera conocen en detalle su obra), por qué no decirle también vanguardista (ver un reportaje a Jorge Aulicino)1, que salvo esta opinión y la honrosa excepción hecha de la poeta María Julia de Ruschi con su excelente volumen “La distancia infinita”, (Fondo de Cultura Económica, 2012) donde cuenta en un minucioso y detallado análisis de la obra de Morales, trabajo que se recomienda fervientemente, no sólo para los que quieran saber quién era Mario Morales sino para quienes lean poesía con la pasión que merece este autor, bien, de este Mario Morales, cuyos libros publicados ya son inconseguibles, voy a referirme únicamente a la persona del poeta, en la medida en que me fue posible conocerlo (conocer: verbo difícil de conjugar aun en primera persona) entre los años de 1983 y su muerte, ocurrida el 29 de enero de 1987. Sobre las experiencias de Poesía=Poesía y los grupos Nosferatu y Último Reino las referencias ya citadas hablan lo suficiente. Diré solamente que asistí a su taller literario, entre 1983 y 1985, que fui uno de sus amigos en los últimos años de vida y que participé también de las que fueron las últimas reuniones de los viernes, sus mentadas reuniones de los viernes, también que compartimos, en anima-dos grupos de amigos y talleristas, no pocas comidas en bodegones próximos a sus casas (la primera en Ortega y
Gasset y Av. Luis María Campos y luego la de Av. Santa Fe y Carranza).

* Alberto Boco: Escritor argentino (Buenos Aires, 1949)
1 “Mario Morales o el neo romanticismo inexistente”, Jorge Aulicino, en la revista digital Poesía Argentina, dirigida por Jorge Villa, 2014.

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Rafael Vásquez nació el 11 de octubre de 1930 en Buenos Aires, en el barrio de Boedo.
Hablar del poeta Rafael Vásquez, compañero entrañable de tertulias y cafés literarios, es hablar de una de las voces más importantes de nuestra poesía y de la generación del ´60.
Uno lo recuerdo con su sonrisa, con su inigualable presencia, con su escucha atenta, su palabra certera, su timidez y su bella, bellísima poesía.

Nos decía en una entrevista: “mi poesía expresa todo lo que no he podido decir familiar o amistosamente, lo que me faltó por algo, por eso mismo se volvió poesía”.
Su primer libro fue “La Verdad al Viento”, un libro de amor premiado en un certamen a nivel nacional en el año 1961. Esa publicación le permitió conocer a otros poetas. Bernardo Korenblit jurado y director cultural de Hebraica Argentina, organizaba una serie de reuniones entre los premiados y escritores que habían leído y así tuvo la posibilidad de conocer a Atilio Castelpoggi, José Isaacson, Julio Arístides, Inés Malinov, Emma de
Cartosio, Luis Ricardo Furlan, Osvaldo Rossler, entre otros seleccionados.
Era una época en que se organizaban lecturas en las sociedades de fomento, donde concurrían vecinos de la zona, o podía haber gente con copiosas lecturas o no, en salones de la Facultad de Filosofía y Letras, también había encuentros en un café de la calle Cerrito esquina Bartolomé Mitre, en la SADE, en un colegio, en Estímulo de Bellas Artes.

Al poeta Roberto Santoro lo conoció en las escaleras de la Hebraica. Se lo presentó Luis Furlan, que venía con él, y Santoro, “con su libretita mágica llena de anotaciones, chistes, teléfonos y direcciones, supo darme el teléfono de otro poeta que yo quería conocer: Horacio Salas. Pero no mucho después aquel encuentro sirvió para que Santoro me pidiera un poema para publicar en su revista”.
Santoro, recién había terminado su conscripción en la Marina, y comenzó a publicar una Revista pequeña de 8 páginas que llamó Barrilete, él era el Director y su madre oficiaba de Secretaria de Redacción. Sacó un número mensual desde agosto hasta diciembre de 1963. “Hacia fines del 63, Roberto decidió convocar a amigos para formar parte de esta publicación, así se conformó un Consejo de Redacción de 7 poetas: Horacio Salas, Ramón Plaza, Miguel Ángel Rozzissi, Daniel Barros, Roberto Santoro, Marcos Silver y yo”, recordaba Rafael, en rueda de poetas.

En 1966, Vásquez integró el equipo que condujo “La Voz de la SADE” en Radio Municipal, con María Elena Walsh y Héctor Yánover; y en 1969, con Alicia Dujovne Ortiz y Nelly Candegabe, de la misma audición en Radio Nacional.
Con otros poetas, entre 1983 y 1986, fue integrante del “Grupo de los Siete”, editores de cuadernillos de poesía. Por su libro “Apuesta diaria”, le fue concedida en 1964 la Faja de Honor de la SADE.
Ha sido incluido en numerosas e importantes antolo-gías, como así también en discos y cds.

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Con la aparición de este número 79 de nuestra Revista “Generación Abierta” (Letras-Arte-Educación) versión impresa, nuestro proyecto editorial comienza una nueva etapa.
Por un lado, y en lo que atañe al formato, podríamos decir que sería un tercer momento, desde nuestra primera aparición en Junio de 1988.

Aquel primer modelo (hoja tamaño oficio doblada por la mitad), bien artesanal, en todo sentido, se diagramaba en una vieja máquina de escribir Remington y de ahí pasaba a la imprenta para su impresión. Así fueron los tres primeros números. El cuarto número ya se hizo a través de un amigo gráfico, Enrique Canteros (fallecido en 2004), que realizaba la composición con recursos más avanzados para la época. A partir del número quince modificamos el formato, el cual pasó a ser tabloide, con la finalidad, entre otras cosas que estuviera en quioscos y así fue durante muchos años, hasta el número 78 inclusive, en 2024.

A partir de este número 79 y como decíamos al comienzo, iniciando lo que sería un tercer momento, pasamos a un formato A4, un modelo de publicación más estándar, esperamos que sea del agrado de ustedes.

Por otro lado, este hecho coincide con otro muy importante para nosotros: La publicación en nuestra página web, www.generacionabierta.com.ar de la co-lección completa de la versión impresa de la Revista “Generación Abierta” (Letras- Arte-Educación), en forma-to digital, pdf, la cual está a disposición de los lectores y las lectoras, en forma gratuita.

Son treinta y siete años de acompañar, a través de sus páginas, todo un proceso histórico-artístico-cultural, en nuestro país y en el mundo. Con los cambios tecnológicos que se fueron dando, al pasar de un modelo analógico a un modelo digital.

De aquellos tiempos del viejo correo, donde recibíamos y enviábamos notas, libros, revistas, en un sobre cerrado, en los cuales había que tener paciencia-y a veces cierta frustración cuando los sobres se perdían en el camino- para la recepción de los mismos, a los vertiginosos y acelerados tiempos de la informática, de internet, del correo electrónico.

Precisamente y en relación a esto, resulta paradójico analizar los cambios de época y cómo influyen en cada uno de nosotros. No es casual que en la nota editorial de nuestro primer número, en Junio de 1988, decíamos entre otras cosas: ”…¿Nuestro deseo? Poder llegar a ustedes no solo como un canal de información, sino esencialmente de
reflexión. Entonces sí, podremos alcanzar nuestro principal objetivo: ofrecernos como un medio de comunicación válido para el tiempo que nos toca vivir…”.

Amadeo Gravino, poeta, amigo y colaborador permanente de nuestro colectivo hasta su fallecimiento, dice refiriéndose a nosotros: “Generación Abierta es hija de la democracia…” Muy ciertas sus palabras, porque nuestro nacimiento se produce pocos años después de la restauración de la democracia, con la asunción del Gobierno del Dr. Raúl Alfonsín. Había una gran necesidad en aquel momento, de poder reunirse, debatir, reflexionar, en especial sobre los tiempos oscuros y siniestros de la dictadura, a fin de reconstruir el tejido social y político, a través del diálogo y la participación. Los espacios eran varios, centros culturales, universidades, lugares abiertos y hasta en recitales de música, había un espacio para hablar sobre estos temas. Se retomaron discusiones políticas, sociales y culturales que los años de la dictadura habían silenciado.

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Por Luis Raúl Calvo

“Yo creo que se hace arte, cualquier forma de arte, solo si se dialoga con el otro…”

“Generación Abierta” tuvo el gusto de poder entrevistar al destacado poeta, periodista, traductor y mediador cultural italiano, quien se encuentra viviendo en nuestro país.

G.A.: Un gusto Antonio poder tomar contacto con vos. ¿En qué lugar de Italia naciste?

A.N.: Nací en Turín, en una familia de emigrantes de Apulia. En ese entonces la ciudad era totalmente obrera. La FIAT, la fábrica de automóviles, daba trabajo a casi todos los ciudadanos. Crecí en un barrio de periferia donde se hablaban diferentes dialectos según la región de procedencia de los vecinos.  

G.A.: Contanos en principio cuándo se produce tu primer acercamiento a la poesía.

A.N.: El primer poema que escribí lo guardaba mi madre y era parte de mi cuaderno de segundo año de primaria. Los recuerdos que tengo respecto a la fascinación por la poesía tienen como centro a mi mamá, que era en aquel mundo gris de overoles azules, galpones y bicicletas de los que iban a construir autos, una soñadora que a veces le leía poemas a su hijo. Luego,desde los años de secundaria hasta los de liceo siempre escribí para mí, a solas, y con amigos desde los diecisiete años, cuando participé en un concurso para jóvenes poetas de la ciudad. Fui seleccionado y publicado, pero la experiencia fue tan decepcionante que tuvieron que pasar casi treinta años para que volviera a sacar un poemario.

G.A.: ¿Hay antecedentes familiares de alguien vinculado a lo artístico?

A.N.: Pues mi familia es una familia de fotoperiodistas: mi abuelo, mi padre, mis tíos y primos. Su trabajo en la época analógica era una labor que estaba en equilibrio entre el concepto de artesanía y arte. Mi padre, Vittorio Nazzaro (“el nano” para mí) vio sus fotos expuestas en el Beaubourg de París y sí, creo que nací en una familia de “artistas desavisados”. Pero la fotografía influenció muchísimo mi poesía, yo estoy convencido de que escribo como si fuera fotógrafo, armaría un reportaje contando historias con imágenes que no hablan, sino que crean un ambiente emotivo. Hoy creo que mi poesía se acerca aún más al mundo de la imagen y siento mis poemas como obras de video-arte, casi un desarrollo del comienzo fotográfico de mi escribir.

G.A.: Suele ocurrir que hay algún profesor que uno ha tenido, que desde algún lugar influyó en el deseo de leer y/o acercarse a la literatura. ¿Es tu caso?

A.N.: ¡Sí, claro! Era una mujer rubia muy atractiva y sofisticada para nosotros, los del barrio de periferia. Llevaba tacones y nos había conquistado con su pasión por el arte y la poesía. Yo estaba totalmente enamorado de ella, tenía trece años, y leía todo lo que ella nos decía. Orlando en el intento de romper Durindana, La caída dantesca de Ulises al cruzar las columnas de Hércules, los poetas de Francia: Baiser! rose trémièreaujardin des caresses! y en la casa releyendo a Verlaine y soñando con besarla. La influencia de amor y poesía juntos creo que fue fatal.

G.A.: ¿Cuándo comenzás a publicar tu poesía y en qué medios?  ¿Tu primer libro publicado en que año fue?

A.N.: Un poco de esto lo había comentado antes, mi primeros poemas fueron publicados en 1982, en la antología Il rinoceronte tra le nuvole y no sé bien qué esperaba con la publicación de esos poemas. Intenté publicar un poemario dedicado al mito de Orfeo y Eurídice el año siguiente pero ninguna editorial quiso publicarlo. El poemario se perdió y con él mis ganas de publicar libros, pero nunca he dejado de escribir. Con o sin publicación, la escritura es parte de mi vida. Pero mi verdadero primer libro de poemas fue publicado en Chile e Italia, en italiano y español, en 2018 por Ril Editores y Edizioni Arcoiris. Antes solo publiqué un par de fanzines poéticas que guardo casi con celos y muy pocas veces las muestro.

G.A.: ¿Cuáles son los títulos de los otros libros?

A.N.: Amor migrante y el último cigarrillo (RiL Editores, Chile; Arcoiris, Italia, 2018). Cuerpos humeantes (Uniediciones, Bogotá, 2019). Diario amoroso sin fechas, Fotonovela poética (Edizioni Carpa Koi, Italia, 2022). La Dictadura del amor (Delta 3 Edzioni, Italia, 2022). Un libro de cuentos breves: Olor a(EdizioniArcoiris, Italia, 2014) y el libro de crónica y poesía: Notas desde Venezuela. 2017, Vivir en las protestas (EdizioniArcoiris,Italia, 2017).

G.A.: ¿Considerás que tu poética ha sufrido cambios a través del tiempo? ¿Si es así, cuáles serían esos cambios?

A.N.: La vida nos cambia y eso influye en nuestro escribir, pero creo que hay visiones que no cambian, solo se amplían. Sigo experimentando, y si queremos hablar de un cambio en mi hacer poesía creo que el más grande ha sido el emigrar a América Latina y empezar a escribir mis textos en español. Esto ha cambiado mucho mis formas y mis visiones de la realidad, pero mi idea de una poesía accesible y al mismo tiempo atenta a la sociedad y al mundo no ha cambiado.

G.A.: Según tu criterio: ¿El escritor escribe para sí mismo o para comunicarse con los demás?

A.N.: Yo creo que se hace arte, cualquier forma de arte, solo si se dialoga con el otro. El problema es definir el otro, al que uno piensa que le podría gustar mi arte. Cuidado, no estoy diciendo que uno tiene que moldear su forma de escribir según las exigencias del público y del mercado, (¿existe un mercado de la poesía?) sino simplemente aceptar que uno no escribe para el universo sino para otro ser que podría emocionarse y dialogar con la obra poética o plástica o visual que se presenta. El hecho de decir que se “presenta” ya indica un público. Un cierto Dante Alighieri define en el libro El Convivio la idea de público, para quien se escribe, y para explicar su elección del vulgar como lengua de su poesía. Afirma que el público al que se dirige no son solo especialistas, sino que lo integran todos aquellos lectores deseosos de aprender y dotados de alma noble, hombres y mujeres que por diversas razones aún no han podido acercarse a los estudios filosóficos. De ahí la elección de la lengua vernácula. Creo que escribimos por culpa de la enfermedad llamada escritura o mejor dicho arte y para no morir tenemos que dialogar con el mundo que es nuestro mundo. Yo crecí en un barrio pobre y escribo siempre pensando que quiero que mis compañeros de aquel tiempo (muchos ya no están, otros en la cárcel o quién sabe dónde) puedan entender lo que digo.

G.A.: ¿Cuándo comienza tu tarea de traductor? ¿Cómo te sentís en esta tarea?

A.N.: Uy, esta pregunta es complicada… La traducción entró en mi vida muy temprano. ¿Recuerdas la profe rubia de tacones leyendo Orlando? Pues ella estaba convencida que después de la secundaria tenía que cursar el Liceo Clásico,o sea, 5 años de latín y griego (los primeros dos casi solo de gramática y de traducciones), junto a filosofía, historia del arte, literatura y decimos lo normal aparte de la geografía astronómica que siempre me pareció algo sin sentido. Allí empiezo mi relación con la traducción. Más adelante aprendí español en España y luego las diferentes lenguas hispanas de América Latina llegaron a mí al empezar a traducir poesía del italiano al español y viceversa. Por la página de FB e Instagram del Centro Cultural Tina Modotti prefiero traducir a los poetas jóvenes y contemporáneos porque estoy convencido de que ambas poesías podrían dar nuevas imágenes y visiones para los que escriben y los que leen en ambos continentes. Asumo la traducción como un puente entre culturas y mundos, una visión pública y acá, sentado frente a la computadora, me resulta como una forma de no estar nunca solo e intentar saciar mi curiosidad y mi hambre de belleza.

G.A.: También sos artista visual y trabajás en periodismo. Contanos un poco cuándo surgieron estas otras vocaciones y cómo te llevás con ellas.

A.N.: Pues naciendo en una familia de fotoperiodistas yo también quería ser fotógrafo, pero mi padre se opuso diciendo que los que contaban las historias en el periódico eran los periodistas y por ende yo tenía que ser periodista, y así fue. Aún hoy en día de vez en cuando escribo notas para algunos periódicos, es algo que me recuerda mi origen y probablemente mi relación con la escritura. La primera nota la escribí cuando tenía catorce años.

El video-arte es un amor nacido a la mitad de los años 90 y por la necesidad de responder a algo que se me mueve adentro desde que entré en el mundo virtual, es decir, cómo llevar a la red la poesía y la lengua italiana. En 1995, en un congreso sobre la enseñanza del italiano presenté un proyecto para crear materiales, en particular video, para dar vida a un manual pensado para la enseñanza del italiano a través de la red. Nadie me hizo caso. Dando un curso de video-arte en la escuela de arte “Armando Reverón” en Venezuela descubrimos que no teníamos una cámara para hacer video y entonces, gracias al amigo, poeta y gran actor, Ezio Falcomer con quien dimos vida a unos videos construidos con materiales bajados de la red, reeditados y acompañados por la voz de un actor o del mismo escritor, utilizando como medio de transmisión del trabajo YouTube y las social-networks. Fue una experiencia muy interesante y pudimos exponer los trabajos de los estudiantes en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. De vez en cuando armo unas obras de video-poesía y las utilizo para mis charlas sobre la poesía italiana.

G.A.: ¿Cómo ves el panorama actual de la poesía y sus creadores? Antes había autores anteriores a uno que eran como referentes para nuestra propia formación.  Hoy en día parecería ser que no es así, como que los referentes para los poetas más jóvenes parecerían ser sus pares generacionales. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

A.N.: Es difícil definir un panorama de la poesía actual, no tanto por la falta de referentes. Por ejemplo, en Italia los poetas referentes de la mayoría de los autores son los clásicos, o mejor dicho, los que se estudian en la escuela. Luego viene un poco el caos, es decir, hay como una ansiedad, probablemente provocada por la época en que vivimos, de afirmarse y parece que la única forma de afirmarse es pertenecer a un grupo de poetas, casi siempre no definidos por un estilo sino por un pertenecer a un algo en común, en este caso, la poesía. La memoria es un defecto en este momento, ¿y porqué no debería afectar también a los poetas? Creo que la velocidad con que todo pasa en la red ha cambiado el sentido de la duración y de la posibilidad de llevar a cabo un discurso poético. El ayer,  ahora tiene 30 años y el hoy todavía no llega… Difícil en esta percepción del tiempo entender que el solo detenerse puede permitir la creación de una poética que no parezca más satisfacer el ego que la poesía.

G.A.: En otras épocas, era la poesía la que reunía a los poetas, más allá de las edades cronológicas. ¿Pensás que en estos tiempos, esto sigue igual o se ha producido una brecha generacional importante entre los mismos?  ¿Si se ha producido una brecha, a qué lo adjudicarías?

A.N.: Vivimos una brecha generacional enorme que no es dada tanto por la edad sino por el hecho de ser parte de un mundo que ha pasado de ser analógico a ser digital. Nosotros representamos esta generación dividida entre el teléfono fijo y el celular que no deja de hacer cada día más cosas. Y además hay que considerar que la precariedad social y económica que estamos viviendo es vista por las generaciones de quienes tienen entre 18 y 35 años como el resultado de la forma de vivir de la generación que se define boomer. A esto hay que añadir el fracaso de las ideologías y de las religiones y de la política, que han dejado un vacío enorme deteniendo y bloqueando la capacidad de ser solidarios y sociales, a cambio de un individualismo, casi obligatorio, que encierra el sentido de la libertad y humanidad y por ende de las posibilidades de luchar por un cambio.

G.A.: Has viajado y vivido en muchos países de América Latina, actualmente estás viviendo en Argentina. ¿Qué te ha llevado a eso?

A.N.: Pues llegué a México hace casi treinta años, sin saber qué encontraría aparte de una amiga, y con la idea de quedarme unos días y como siempre, en aquel entonces, estaba huyendo de mí mismo. Por casualidad tuve la oportunidad de convertirme en profesor de italiano y el estar lejos de Italia pude construirme otra vida diferente a la que vivía en Italia. Simplemente eso, como decir que es simple haber encontrado una nueva madre. He vivido en muchos países de América y siento que me pertenece cada uno y al mismo tiempo sigo siendo el güero en México, el musiú en Venezuela, el tano en Argentina. En realidad, soy un emigrante con una tierra perdiday una que me invita. América para mí ha sido la posibilidad de ser algo diferente y que además me gusta mucho. Es mi casa.

G.A.: ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

A.N.: En octubre empiezo un ciclo de charlas sobre autores de la poesía italiana en la Biblioteca Evaristo Carriego: Notas esparcidas de poesía italiana. Estoy traduciendo unos poemarios y viendo cómo dar forma a un libro mío con poemas “porteños”, utilizo esta palabra para indicar a Buenos Aires más que a la forma de vivir porteña respecto al resto del país. Y cosa para mi fantástica, estoy trabajando con la actriz, directora de teatro y promotora cultural, Natalia Marcet para la puesta en escena de una obra de video-teatro dedicada al escritor chileno Pedro Lemebel que armé hace unos años. Los textos son míos al igual que la mayoría de los videos, aunque también hay videos del artista venezolano Francisco Bassim, uno de la artista Argentina Mariana De Marchi y las fotos del chileno Mario Vivado. Y luego, el mejor proyecto de todos, la posibilidad de seguir haciendo muchos proyectos y mucha poesía.

(Entrevista realizada en Septiembre de 2023)

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Por Luis Raúl Calvo

“A pesar de este escenario, tengo la certeza de que el bien triunfará sobre el mal”

G.A.: ¿Pensás que se han producido cambios en tu estética en ese período de tiempo que va del primer al último libro o considerás que hay cierta homogeneidad en general?

G.L.: Mientras trabajaba en la revista, sentí la necesidad de un cambio en la forma de escribir poesía. En un principio traté de “poetizar” los sentimientos, las percepciones, el complejo mundo interior, después me convencí de que la poesía debía buscarse en la forma original en que cada persona mira, vive y sufre su ser en el mundo. Y tal expresión debe alcanzar la mayor simplicidad posible de lenguaje, imagen, representación. Giacomo Leopardi para describir la aflicción del desencanto de la civilización moderna incapaz de encontrar sentido a la existencia comienza así su Canción nocturna de un pastor errante de Asia: “¿Qué haces, luna, en el cielo?”, en un estilo absolutamente coloquial. Virgilio en el cuarto libro de la Eneida para describir el tormento interior de la reina Dido, enamorada de Eneas, afirma: “Omnia tuta timens”: el amor de la mujer la llevó a temerlo todo, incluso lo que no ofrecía motivo de temor, como sucede para cada enamorado.

G.A.: A tu entender ¿el autor, en principio, escribe para sí mismo o pensando en un futuro lector?

G.L.: La pregunta no es sencilla. Personalmente escribo para mí por un impulso interior que me empuja a expresar en la página lo que siento. Durante varias décadas, esto sucedió casi a diario, como en una especie de catarsis: la poesía se presentó como un instrumento de introspección y curación. Estos versos, sin embargo, como dije, escritos en otro momento y de otro modo, están guardados en un cajón y no tengo intenciones de publicarlos.

G.A.: ¿Cómo se da en vos el proceso creador?

G.L.: El proceso creador de las cuatro publicaciones sucedió de manera bastante similar. Durante “años” dentro de mí se agitaron sentimientos, pensamientos, turbulencias emocionales, luego de repente como si el dique se hubiera derrumbado, en tres o cuatro días arrojé lo que sentía sobre el papel … de repente como si el inconsciente se hubiera levantado a nivel de conciencia. Cuando entiendo que se acabó el momento de la producción, dejo el texto en reposo durante al menos seis meses. Luego lo retiro y evalúo si vale la pena volver a verlo. En el caso de un juicio positivo, comienza el trabajo de revisión que toma algunos años, hasta que entiendo que el texto ha alcanzado la forma adecuada para su publicación.

G.A.: ¿Qué te interesa transmitirle como poeta a tus lectores?

G.L.: A mis lectores me gustaría transmitirles la forma en que estoy habitando este planeta en este preciso momento histórico. Me gustaría que mis palabras abrieran horizontes de comprensión sobre la contemporaneidad, sobre la vida, sobre los valores de la existencia. Me gustaría que se convencieran de afrontar una búsqueda interior, de encontrar respuestas personales a las grandes interrogantes existenciales (por qué vivimos, por qué sufrimos, por qué amamos, por qué morimos, cuál es el significado de esta realidad en la que vivimos y nuestra relación con la sociedad, con el mundo y con todo el universo). No aspiro a formular respuestas universales o definitivas, sino a dar un testimonio personal y despertar la conciencia de la dignidad de toda existencia.

G.A.: En 1996 fundás la Revista “Atelier”, de la cual algo nos has hablado. ¿Quiénes te acompañan en la publicación, aparte de Merlin?

G.L.: Junto a Marco Merlin había otros dos jóvenes, Paolo Bignoli y Riccardo Sappa, que se ocupaban respectivamente de asuntos financieros y legales. Pero el corazón de las ideas, el escenario, la configuración y la realización permanecieron vinculados a Marco y a mí. El trabajo de investigación de los principales autores, estudios, ensayos y reseñas también se basó fundamentalmente en nuestra colaboración. Esto no quiere decir que solo escribiéramos nosotros dos en la revista, ciertamente no, porque de inmediato encontramos poetas, autores, críticos de la investigación que ofrecieron sus aportes. Favorecemos el aporte de los jóvenes. No es casualidad que en 1999 publicamos la antología, “ L’opera comune. Poeti nati negli Anni Settanta”, que puso en marcha a 17 autores muy jóvenes, a los que se unió a principios de siglo otro nutrido grupo de autores, que renovó la redacción.

G.A.: ¿Qué temáticas aborda la Revista “Atelier”? G.L.: Como revista militante, «Atelier», sin dejar de ser fiel a los principios estéticos presentes en el momento de su fundación, cambió de tema en relación a las necesidades que fueron surgiendo gradualmente durante los veinticinco años de vida.

Sintetizar una obra de 100 números sin duda implica una limitación, por lo que me limitaré a señalar las cuestiones fundamentales:

1. la promoción de una poesía “a escala humana”, mediante el debate, pero sobre todo mediante la puesta en valor de obras relacionadas con la temática del ser humano frente al experimentalismo, el romanticismo tardío, el vanguardismo;
2. la refundación de principios epistemológicos estéticos y poéticos, como base de cualquier tipo de evaluación, partiendo de la distinción entre filología y juicio literario para identificar elementos precisos para juicios en contraposición al estructuralismo, formalismo, textualismo;
3. establecer una ruta de estudio crítico capaz de resaltar el valor de las obras;
4. relectura de la poesía italiana del siglo XX y de la poesía contemporánea, basada en nuestros principios críticos;
5. organizar conferencias, debates, reuniones para promover, discutir, comparar nuestras ideas;

apertura a la poesía mundial en busca de un diálogo igualmente fructífero.

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Por PACO PEPE DIAZ ALEJO

Era a mediados de los sesenta, cuando en el Instituto Di Tella asistí al estreno de DRÁCULA el vampiro, adaptación y puesta en escena de Alfredo Rodríguez Arias e interpretado por los integrantes del grupo TSE. Han pasado casi seis décadas cuando el pasado 20 de junio, asistí en Paris a su nombramiento como CHEVALIER DE L’ORDRE DU MERITE(1), distinción del Estado Francés publicada por decreto del Presidente de la República Emmanuel Macron. Generación Abierta le entrevistó a través mío. “Yo concibo las entrevistas como una manera de acercar a la gente a lo que uno pretende hacer y de lograr que les den ganas de suscribir cosas. Por eso para mí tiene un sentido más bien positivo. Porque el cine puede tener su tiempo dado que se reproduce por el mismo, es una magia eterna, en cambio el teatro necesita al público ahí, necesita absolutamente del presente. Para que la magia sea total, la última frase debería ser “Quemen todo”. Las películas que he hecho suponemos que quedarán, pero en el teatro, es diferente, porque la verdad del teatro es la memoria, que se va transmitiendo por infinitas cadenas de memorias.

Basta que uno solo recuerde y ya está bien, valió la pena”. Quizás yo lleve el teatro en mi sangre pues mi abuelo materno Francisco García Pacheco escribió obras de teatro en Madrid (solo y en colaboración con Pablo Luna y con Emilio Carrere zarzuelas como La Manola del Portillo). En 1937, durante la guerra civil española, él partió de España, con parte de su familia que permaneció en Francia. Año y medio después formó desde Buenos Aires una compañía teatral que partiendo de París (donde nací) estaba formada por su esposa, su hija mayor, su yerno y quien esto escribe que a la sazón contaba tenía 14 meses, que llegó al puerto de Buenos Aires a bordo de una nave de bandera francesa JAMAÏQUE.

Aquella nave partiendo del puerto de Le Havre el 9 de septiembre (una semana después de iniciada la 2ª guerra mundial) de día estaba parada y navegaba de noche, a oscuras, para no ser detectada y hundida por submarinos alemanes. El trayecto finalizó el 9 de octubre de 1939. En Argentina crecí y cursé mis estudios de ingeniería, y no pisé escenario alguno. Pero siempre amé el teatro, y por eso suscribo la opinión de Alfredo Arias acerca de la importancia de que un espectador sienta y recuerde una obra es suficiente para que ponerla en escena haya valido la pena. Desde aquellos comienzos en la Sala Di Tella fui siguiendo la trayectoria artística de Alfredo Arias, primero en Argentina y luego en Francia. En París el pasado 20 de junio, él se remontó a sus orígenes. Nacido en Remedios de Escalada, Lanús, jamás se le ocurrió renegar de sus orígenes. Al contrario, a veces siente ganas de regresar a pesar de que no fue del todo divertido. Desde niño, él quería ser artista pero le enviaron al Liceo Militar. Ese lugar le resultaba bastante inhóspito.

De pronto, apareció alguien que se ocupaba de la orientación vocacional de los cadetes. Recuerda que ninguno quería ser militar y cuando le preguntó “Usted qué quiere ser” respondió “Yo quiero ser artista”. Y cuando el proceso terminó, el hombre dijo: “Aquí hay uno que sabe dónde quiere ir”. Después empezó a estudiar Abogacía. “Mis primeros pasos en el mundo del teatro los hice en la Alianza Francesa. Quería seguir cursos de arte dramático. Me asignaron como tarea, vender las entradas, y durante las representaciones, ocuparme de los accesorios para una de las obras. La venganza vendría enseguida. El director decidió poner en escena La Voleuse de Londres (“La ladrona de Londres”) de Georges Neveux, y me propusieron un pequeño papel (el de un ladrón de la banda) que no me interesaba Lo que quería era sabotear la representación y para eso tenía un cómplice. Una de las escenas terminaba cuando la ladrona descolgaba un cuadro muy valioso. Con mi compadre (“avoir un bon copain, voilà.

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Por Ana Guillot

El 26 de Noviembre de 2021 pasado se realizó el relanzamiento del Café Literario y de Arte “Antonio Aliberti”. Luego de dos años del último encuentro llevado a cabo en el ya mítico Café “Montserrat”-Bar Notable-, el cual lamentablemente cerró sus puertas debido a esta pandemia, los organizadores de este ciclo que ya tiene 32 años de vida, se vieron en la obligación de buscar otro espacio cultural y lo encontraron en otro emblemático café, en este caso “El Gato Negro”-Bar Notable– ubicado en la Av. Corrientes 1669.

En un clima de mucha emoción -por el reencuentro presencial con much@s amig@s de la poesía, del arte, de educación, después de tanto tiempo-, dentro de la programación, se presentó el libro “Salvar el olvido” (Ed.”Generación Abierta”), en edición bilingüe español- italiano, de Nora Patricia Nardo, Jefa de Redacción y a cargo de la Sección Educación de la Revista “Generación Abierta”.

Un numeroso público acompañó esta presentación, la cual se llevó a cabo respetándose las medidas sanitarias vigentes, debido al coronavirus.

Se refirieron a la obra los poetas Daniel Arias y Ana Guillot, la autora leyó poemas en español y Duilio Natale, hizo la versión en italiano. El músico Oscar Laiguera y la joven cantante Selena Jancovich, acompañaron la presentación interpretando bellos temas musicales.

A continuación, les compartimos algunos conceptos de los presentadores de “Salvar el olvido”, de Nora Patricia Nardo.

“… Nora Nardo nos pone de frente a la angustia del siglo con su mirada inocente y clara cuando vislumbra un camino nuevo que conduce al conocimiento íntimo, esa iluminación repentina, ese deslumbramiento, esa visión inagotable que no pretende más que dibujar un sueño, concretar los dones recibidos, regresar con su palabra y repartirla, por eso la poeta, como síntesis, le da forma a lo indecible y lo sacraliza.

Frente a la obra podemos decir a modo de introducción que su poesía es una experiencia dolorosa de soledad y extrañamiento resuelta en canto.

Esta notable obra de Nora Nardo “Salvar el Olvido” es fruto de su acción creadora, acción creadora que entrega al mundo en cuanto muestra y enseña desde una particular mirada lo real y la realidad misma. Nos pone a salvo de la desgarradora pérdida. No lo hace sola, lo comparte y pone al servicio de los demás. Es el vaso comunicante de lo inefable para que nos entreguemos al goce de la realidad antes que el tiempo nos perturbe…” (Daniel Arias).

“Salvar el olvido”, de Nora Patricia Nardo (Ed. Generación Abierta, Buenos Aires, 2021)
edición bilingüe, español-italiano

Traducción al italiano: Domenico Muratore

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Por Dra. GRACIELA MATURO

(Con Antonio Di Benedetto mantuve una larga y entrañable amistad desde mis veinte años. Compartíamos esa amistad con Alfonso Sola González, quien lo invitó a su cátedradeLiteraturaArgentina,interesado enel jovenescritor –apenas algo más joven que él mismo– que empezaba a singularizarse en el ámbito literario de Mendoza. Tiempo después, al regreso de su exilio en España en 1985, y como cerrando un ciclo, lo invité a la cátedra de Teoría Literaria a mi cargo en la Universidad de Buenos Aires. Así les dijo Antonio a mis alumnos: “Fui invitado a la Universidad de Cuyo en 1950, por Alfonso Sola González, y ahora, de regreso a la patria, es Graciela quien vuelve a invitarme a una cátedra de Letras”. No creo exagerado afirmar que el tiempo y los sufrimientos decada uno nos fueron acercando en más deun aspecto. Antesdevolver, él me pidió desde Madrid que prologara sus “páginas seleccionadas por el autor” para la editorial Celtia; alcanzó a leer eseprólogo y meexpresó su alegría, pero el libro debió consignar su muerte, que se produjo el 10 de octubre de 1986. Lo visité varias veces en el Hospital Italiano, donde permaneció un mes y medio en estado de coma. Iba a verlo a las 3 de la tarde, nunca me crucé a nadie, pero supe que Francisco Aldecua estaba a su lado por la mañana, y que Graciela Lucero iba por las tardes. Hasta aquí mi recuerdo y homenaje de amiga, con la expresión de un deseo profundo: que sea investigado el proceso de su prisión y tortura. Hubo entregadores, hubo cómplices: él me lo dijo).

Di Benedetto,

un grande de las letras hispanoamericanas

“Escribo para confesarme y salvarme.”

Antonio Di Benedetto

Antonio Di Benedetto (1922- 1986) se ha convertido en una figura emblemática de las letras argentinas. Su probidad intelectual, su cualidad de escritor eximio y al mismo tiempo su condición de víctima de la dictadura militar hacen de él un ejemplo singular del destino del escritor, que asume la palabra como indagación del mundo y de sí mismo sin eludir en ningún momento la responsabilidad de asediar la verdad. Sus ficciones son vías de esa tarea de autocomprensión, que abre a sus lectores el conocimiento del mundo y de sí como sólo el arte genuino sabe hacerlo.

Entre nosotros suele cometerse el error de aislar la literatura argentina de la que producen los demás países de América Latina, entre los cuales Argentina muestra ciertamente su singularidad pero asimismo su pertenencia. Y esto se hace más notable cuando enfocamos a los escritores que llamamos del “interior”, como Moyano, Tizón, Víttori o Di Benedetto, quienes dan cuenta, por su formación y fidelidad al entorno, de su raigal pertenencia a América Latina. No me estoy refiriendo al escritor folklórico, como es el caso de un Draghi Lucero, que asume conscientemente la búsqueda y recreación de la narrativa tradicional, sino a autores formados en ciudades de provincia, en diálogo con el mundo y dentro de un particularismo identitario que los hace universales sin plegarlos necesariamente a las modas, y que cuando se aproximan a movimientos filosóficos y artísticos epocales y mundiales, como lo han sido el existencialismo y el surrealismo, lo hacen desde la madurez de su cultura propia. Son asombrosas las similitudes culturales entre novelas como Zama (1956)¹ y El coronel no tiene quien le escriba (1961), o El silenciero (1964) y La Hojarasca (1955), o las que relacionan, manteniendo distancias de invención y estructuración, a los cuentos de Juan Rulfo y los de Antonio Di Benedetto. El sustrato cultural e histórico que los sostiene dicta, innegablemente, el parentesco de la mirada, el habla y la simbólica que les son comunes. Ellos expresan desde adentro la situación de países que fueron anacrónicos en relación con la Modernidad euro- norteamericana; la idiosincrasia de culturas periféricas o marginales al poder central que ha gobernado a buena parte del mundo en los siglos recientes. Y este contraste se manifiesta no solo en lo político sino, especialmente, en los aspectos culturales que el escritor vivencia y expone singularmente a través de su trato con lo simbólico.

Antonio Di Benedetto ha expresado como pocos ese drama cultural, y lo hizo colocando a la vez, como eje de su producción, su propia vida, no al modo simple y directo del escritor confesional sino calando profundamente en los estratos vitales a partir de una inventiva poética. Ello da plena razón a la legitimación de los lenguajes metafóricos en su relación con la verdad, como nos ha revelado Paul Ricoeur2. La invención poética no esgratuita: esuna técnica deinvestigación dela realidad histórica y más profundamente de la realidad subjetiva.

Al considerar a la ficción como un modo indirecto y revelador de presentar la verdad, Ricoeur nos ha mostrado lo más hondo del quehacer ficcional: la creación de personajes, la construcción o invención de ficciones, conforman un aparato heurístico apropiado para descubrir lo esencial de la propia vida –del autor, del lector– mostrando la verdad por una vía indirecta. Se aplica a esa labor la triple mímesis de la cual nos habla su texto magistral sobre la narración: la prefiguración, la configuración y la refiguración por el lector, que hace del proceso ficcional una expresión oblicua de la verdad. El texto dela novela remitesiempreal presente histórico del lector, así como a la vida individual, reconfigurada en la operación de la lectura. L’auteur apporte les mots et le lecteur la signification³. No se trata de la figura del lector sugerida por la retórica, e implícita en el texto, sino del lector real, que reinterpreta los signos del autor. Queda dicho pues que no adscribo a ninguna postura posmoderna negadora del sujeto real, a ninguna concepción del artefacto literario como realidad autónoma que puede ser estudiada en sí misma.

Di Benedetto transitó tempranamente ese camino realista al que tratamos de devolver su significación a través de una lectura acorde. Hizo de la escritura un espejo de su aventura vital, acompañado de una profunda indagación filosófica y expuesto a través de una construcción artística lúcida y exigente, instalada con plena conciencia del peso de la palabra y el valor de la forma estética.

Consciente como pocos del oficio de escritor, cultivó un estilo sobrio, reticente, tocado por una leve ironía o volcado al humor, siempre contenido y sutil, variantes que a mi ver constituyen modulaciones del temple y el habla del mendocino, y con mayor amplitud del hombre de provincia. El provinciano –que muestra pertenecer de fondo a la cultura hispanoamericana, es decir latino-indo- afro-americana–, es reticente por secreto orgullo, e irónico por una mezcla de autovaloración y timidez; practica cierto humor particular en que se cruzan la inteligencia y la afectividad, al servicio de cierta defensa interior largamente asumida ante el alarde de la modernidad euroatlántica. A esa esfera regional se superpone, ciertamente, la individualidad creadora de un autor excepcional.

Desde Cervantes en adelante casi no conocemos autores literarios que hayan elogiado el avance de las ciencias, las máquinas o la invención técnica en sus distintas etapas. No quisiera caer en una imagen estereotipada del escritor como anti-progresista: me refiero a que el escritor occidental europeo o latinoamericano asumió (mayoritariamente) la misión de contrapesar los excesos modernos; su lugar estuvo siempre del lado del humanismo, el amor, los valores, los sentimientos; o sea, hizo una defensa implícita o explícita de cierto equilibrio humano en la historia.

¹ DI BENEDETTO, Antonio. Zama. Buenos Aires: Alianza, 1956.

² RICOEUR, Paul. Temps et Récit. Paris: Du Seuil, I, II, III: 1983-1984-1985.

³ RICOEUR, Paul. Temps et récit, III: Le temps racconté. París: Du Seuil, 1985. Cfr. p.247

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 “…Los versos improvisados bajo el estímulo de la emoción pueden ser un documento de vida, pero son de poco valor literario…”

Por LUIS RAÚL CALVO

G.A.: Estimado Giuliano, es un gusto tomar contacto con vos para nuestra Revista “Generación Abierta”. En principio nos gustaría que nos comentes en qué momento de tu vida surgió el interés por la literatura y en especial por la poesía.

G.L.: Mi interés por la literatura y la poesía nació conmigo, podría decir. Lo explicaré. Tan pronto como aprendí a leer y escribir, la maestra de primaria nos hizo memorizar poemas. Todavía recuerdo el texto del primer poema que aprendí en primer grado, titulado “Autunno”. Incluso mi madre, aunque sólo tenía aprobada la escuela primaria, recitaba versos aprendidos en los pupitres y los recordaba después de decenas y decenas de años. Junto con mis hermanos compramos y leímos la revista “Il Monello”: las ilustraciones estaban explicadas en octonario rimado. Estas experiencias me han inducido al gusto por el sonido de la palabra, por el ritmo, por la rima, por el verso. La pasión luego creció durante los estudios posteriores, también ampliada por los conocimientos de latín, francés y griego antiguo: Homero, Virgilio, Dante, Shakespeare, Milton, Goethe, letras griegas, teatro, literatura latina … Mi pasión estaba escrita en verso clásico. A veces traducía del italiano al latín en hexámetros. De los 10 a los 15 años asistí a la escuela en un internado y consumí literalmente una biblioteca bien surtida, dedicándome a leer novelas escritas por autores de todo el mundo. Me refiero a textos aptos para un lector joven: Salgari, Poe, Verne, Cronin, Chesterton, etc. Luego, durante los siguientes tres años de bachillerato y universidad, se me abrió un mundo inmenso: ningún gran autor estuvo ausente de mi pasión literaria y poética. Entonces la enseñanza de la literatura italiana y latina, me permitió ampliar mis conocimientos, que continúan hasta el día de hoy, especialmente después de la fundación de la revista.

G.A.: ¿Hubo influencias familiares y / o de otras personas, por ejemplo algún maestro o profesor?

G.L.: Una mirada retrospectiva me convenció de que la persona que más me influyó fue el profesor de literatura del Liceo Clásico, Don Carlo. Me valoró y me empujó a escribir poesía. Me proporcionó manuales de métrica italiana, latina y griega, lo que me impulsó a practicar en esta área. Aunque he escrito mucho, he publicado poco, porque soy consciente de que los versos improvisados bajo el estímulo de la emoción pueden ser un documento de vida, pero son de poco valor literario.

En segundo lugar, conocí a otra persona que me influyó profundamente y fue un alumno. Recuerdo que un jueves de noviembre de 1989, pregunté a mis estudiantes de la escuela secundaria científica si alguien estaba entusiasmado por escribir versos y todos respondieron: “¡Marco escribe versos y es muy bueno!”. Como el niño estaba ausente ese día, les insté a que lo contactaran. Tenía una tarea de clase programada para el sábado siguiente. Marco dejó la carpeta y me entregó un poema: lo leí y me quedé atónito. “Si una persona de 15 años escribe así – me dije – seguramente alcanzará niveles altos”. Y a partir de ese momento nació una amistad que se complementó y enriqueció con lecturas, discusiones, intercambios de ideas. En los primeros cinco años de los noventa nos reuníamos una vez al mes con otros jóvenes y personas mayores para hablar de poesía. Y luego, junto con él, en 1996 fundé la revista “Atelier”. Marco Merlin me sumergió en el mundo contemporáneo y me llevó a cambiar por completo mi forma de escribir.

*La segunda parte de esta entrevista-realizada en Marzo de 2021-
se publicará en el próximo número de “Generación Abierta”.

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Por Juliana Calvo *

En Noviembre de 2021, se realizó una nueva edición del ya emblemático y jerarquizado Festival Internacional de Poesía de Buenos Aires, dirigido por la escritora Graciela Aráoz.

Dentro de la variada programación, el sábado 20/11/21 en la Sociedad de escritoras y escritores de la República Argentina (S.E.A.), Bartolomé Mitre 2815, segundo piso, leyeros sus textos l@s poetas, Ciela Asad, Juliana Calvo, Paula Maffía, Patricia González López, Darío Oliva.

A su vez, est@s mism@s autor@s junto a la poeta Claudia Melnik, leyeron sus poemas en el tradicional Bar “Sur”, de la zona de San Telmo.

A continuación compartimos estos poemas de Juliana Calvo*, una de las participantes, e integrante de nuestra Revista “Generación Abierta”.

Poema

¿Qué es aquello que llamamos vida?

¿El vaivén de la desigualdad?

¿La búsqueda de la felicidad?

¿O es acaso la incertidumbre de los pasos?

Nacer… Morir…

Dos caminos por los que tenemos que atravesar.

¿Y entonces?

¿Cuán libres somos?

¿Quién manejará nuestros hilos? Si es así:

¿Cuál es el sentido de la vida?

¿Qué fin, tendremos que develar?

¿Qué hay, detrás del telón?

A los aparecidos que trajo la democracia

 Hay un pasado, una historia sin final ideales que corren por su sangre.

Tal vez, esa intensa libertad siempre la acompañó

pero hoy recién hoy

la está develando.

¿Descubrirá en su origen, la llave que encierra este misterio?

Esa verdad oculta esa historia oficial la que no se cuenta

esa que late dentro de ella y desde hace años le grita:

¡Despertad, despertad!

*Juliana Calvo:

Nació el 30 de abril de 1989 en Bs. As., Argentina. Poeta y ensayista.

Desde hace 10 años integra el staff como colaboradora en la Sección Letras/Poesía/Educación de la Revista “Generación Abierta” (Letras, Arte, Educación), publicación fundada en el año 1988 y Declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Bs. As. por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Está a cargo del área de producción audiovisual, prensa y difusión de los programas radiales “Generación Abierta en Radio” que se emite por la Radio AM 1010 “Onda Latina” y “La Tarde está en Plenitud”, que se emite por la FM 91.1 “Amadeus”, ambos de

C.A.B.A y auspiciados por el Proyecto Cultural “Generación Abierta”.

Ha sido invitada a leer sus poemas en el Café Literario y de Arte “Antonio Aliberti”; en “Café con Letras”; en la SEA (Sociedad de escritoras y escritores de la República Argentina), evento realizado por “BUENOS AIRES POETRY”; en la Legislatura Autónoma de la Ciudad de Buenos Aires, evento organizado por la Asociación de Poetas Argentinos (APOA) “POESÍA EN LA BIBLIOTECA”. Poemas suyos han sido incluidos en diversas publicaciones literarias

La entrada Eventos  XV Festival Internacional de Poesía de Buenos Aires se publicó primero en Fundación Generación Abierta.