Por GABRIELA MARTÍNEZ

El 13 de Septiembre de 2024, en “704 Oficina de Arte”, espacio de arte que dirige Nana Simone Micheli, se inauguró la Muestra “Esa Pesada Carga Del Silencio”, de la artista visual Adriana Gaspar. Para esta muestra la expositora invitó a diez artistas que estuvieron dispuestas a romper con aquel silencio que muchas veces nos acompaña toda la vida.

Sus nombres:

–             Myriam Díaz
–             Claudia Ruiz Herrera
–             Mónica Bio
–             Rocío Marí
–             Bárbara Prajs
–             Alejandra Torres
–             Patricia Campagne
–             Patricia Pellegrini
–             Ana Rosa Giovannetti
–             Nana Simone Micheli

A lo largo del tiempo, el trabajo de Adriana Gaspar ha mostrado los diferentes tipos de violencia que la mujer ha sufrido por décadas.

Violencias que muchas veces han sido sufridas en silencio, aisladamente y por lo tanto imperceptibles al ojo de una sociedad que muchas veces no se involucra ante el dolor de ellas.

También aborda cómo es soportar la carga de ese silencio, el cual sigue pesando mucho en historias ancestrales. Parte de quienes guardan el silencio, lo hacen porque generaciones anteriores han guardado otros silencios, viviendo de las apariencias.

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Generación Abierta: Contanos acerca de tu formación y tu labor como dramaturgo, actor y director teatral. ¿Cómo fue la experiencia de habitar los distintos roles?

Alfredo Rosembaum: En principio mi formación tanto artística como académica fue en literatura, cursando la carrera de Letras de la UBA mientras me formaba como escritor en el taller literario. Digo esto porque me parece importante en relación con lo que me preguntás, ya que mi escritura de poesía se fue trasladando y fusionando con mi formación posterior relacionada con la escena. Me formé en teatro y posteriormente en teatro-danza, y desde muy temprano vi que mi objetivo era buscar modos de llevar lo poético a escena. Así fue que tanto mi escritura dramática como la gran mayoría de espectáculos que dirigí y en aquellos en los que actué tenían una fuerte impronta poética, una lógica que se tensionaba con lo drámático jugando un poco en los bordes y en la experimentación. En cuanto a los diferentes roles, siempre sentí que podía hacer algún aporte a los proyectos desde donde estuviera, y muchas veces sentí una sobrecarga al ocupar varios roles en un espectáculo, como dramaturgo y director por ejemplo, o dramaturgo y actor e ilumiminador y/o colaborando en la banda sonora. Después me dí cuenta de que justamente parte de mi hacer como artista está en esa producción en una multiplicidad de lenguajes simultáneos.

G.A.:  ¿Cómo fue ese pasaje del mundo teatro al universo de la performance?

A.R.: Sobre todo, teniendo en cuenta que venías de un trabajo más formal, donde se requiere del ensayo periódico, y por consecuencia llevar a cabo las funciones.

Personalmente no recuerdo haber sentido el pasaje como algo tajante, más bien se fue dando como un devenir entre una estructura y otra, de hecho durante mucho tiempo (y posiblemente en un futuro también) producía al mismo tiempo espectáculos y performances. Pienso ahora que también no sentí tanto el pasaje entre una estructura y otra ya que mis espectáculos tenían siempre rasgos performáticos. Sí hay una clara diferencia en lo que decís de la estructura de producción y de realización de uno y otra, pero realmente me muevo con comodidad en eso.

G.A.: ¿Qué importancia tiene lo sonoro, la iluminación, el vestuario y los distintos elementos en tus performances?

A.R.: Depende de cada performance, y de la circunstancia el evento en el que vaya a realizarlo. Por supuesto todos los lenguajes son importantes, pero al hacer una performance tengo claro que el centro está en la acción, en mi cuerpo (o en los cuerpos de los que la realizamos) y desde ahí pienso conceptualmente el resto de los lenguajes.

G.A.: ¿Qué importancia tiene la percepción del espectador de un evento de performance?

A.R.: La percepción lo es todo. La performance juega, en sus múltiples modos, siempre una relación entre cuerpos, y esa relación es fundamentalmente perceptiva, es básicamente un intercambio de energías a través de los sentidos, de ahí que la presencia y el contacto cara a cara o cuerpo a cuerpo sea tan importante.

*Alfredo Rosenbaum (Rosario, Provincia de Santa Fe, 1964). Licenciado en Letras (UBA),  Especialista en Gestión y Administración Cultural (UNA) y Magister en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales (UNTREF). Desde los 80 escribe y publica poesía y textos para la escena, dirige y actúa en espectáculos teatrales de experimentación en el país y el extranjero. Miembro del Equipo La serie dirigido por Ita Scaramuzza (1990-1998), director de los grupos Amoratados x Lola y Ensamble Cáustico, ha realizado también performance individuales y grupales, y ha curado diversos encuentros de performance. Produce libros de artista, poesía visual y arte correo, participando de numerosas muestras individuales y colectivas de artes visuales. Docente de la Especialización y Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados, dirige así mismo el equipo de investigación sobre cuerpo, política y cruce de lenguajes en Argentina.

FOTO: Alfredo Rosembaum. “San Alfredo presenta su currículum”. En Les Santes performers, 2019. C.C.Paco Urondo. Curaduría Claudio Braier. Foto Fernando Pineda.

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Muestra: “Esa pesada carga del silencio”. “Arte Contemporáneo: “Diálogo con sus protagonistas”. Entrevista a la artista visual Adriana Gaspar, por Gabriela Martínez, curadora de la muestra. Producción Audiovisual: Juliana Calvo. Auspiciado por la Fundación Generación Abierta-Arte y Cultura-. Octubre 2024

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Arte Contemporáneo: Diálogo con sus protagonistas. Entrevista a la Prof. Nana Simone Micheli, Directora del “Espacio 704 Oficina de Arte”, por la Lic. Adriana Gaspar. Mayo 2024. Auspiciado por la Fundación Generación Abierta-Arte y Cultura-.

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En los 90´ del siglo pasado, junto con el fin de la historia se anunció la caducidad de las utopías. La concepción hegemónica acentuaba el consumismo como fórmula de la felicidad, junto con los mitos de la fama y la fortuna. Esa filosofía del bienestar, wellness, presenta a la infelicidad como una culpa. Su elemento ideológico demoniza a los débiles, a los incompetentes sin mérito para triunfar. Aparece un nuevo conformismo, un malentendido acerca de la libertad individual. Es la subjetividad atomizada, el emprendedurismo y el miedo a la exclusión. Un tormento detrás de la careta del éxito. No hay escrúpulos en el mundo del espectáculo.

A contragolpe resurgió la idea de la utopía, la capacidad de soñar. La esperanza no es ilusoria ni fácil optimismo, sino la certeza de que algo tiene sentido, pese a la incertidumbre sobre su resultado. En boca de nuestro actor: “Esta sociedad nos requiere optimistas, no esperanzados. El optimismo sirve para tapar, tapa agujeros. La esperanza es dolorosa, hay que luchar”. Lo dijo en una audición de 1994.

Alfredo Alcón participó en procesos culturales y movimientos artísticos. Tanto en el plano teatral como en el cinematográfico. Seguir el hilo de su trayectoria permite reconocer a las generaciones con las que convivió. Y su proyección actual.

Su indignación ante las injusticias tuvo impronta ciudadana, incluyendo  el conflicto social y político. Participó en Teatro Abierto, una resistencia cultural bajo la dictadura. Adhirió a la ampliación de los derechos civiles, y se solidarizó con los maestros y las madres, en actos públicos y gestos artísticos.

Por último, abordó la distopía en Final de partida de Beckett, consustanciado con la degradación civilizatoria y la decadencia física y existencial. Lo absurdo es la pérdida del sentido. Es el tema de la obra, que alcanzó un supremo sentido estético. Su mensaje surge desde lo negativo. Y una década después, en nombre de la libertad, avanza un fascismo cultural.

Lo revulsivo de Alcón es su movimiento utópico interior. El idealismo moral, su admiración por las obras de arte canónicas, la valoración de los talentos emergentes, su lucha por aproximarse a los personajes arquetípicos de la escena.Toda admiración enaltece la personalidad, es lo contrario de la envidia.

Repetía que “las grandes obras nunca las hacés bien, son como ejercicios de humillación”. Su búsqueda era constante, disconforme con lo establecido. Y adujo “El que encuentra rápido es porque busca poco”. Esto lo distinguía de los conformistas consagrados.

Sintió la inminencia de una revelación “El teatro debería ser una especie de escuela de todas las tendencias de hombres y mostrar desde sus abismos más terribles, hasta su felicidad más extrema. A través  del ejemplo de otro se pueden sacar muchas conclusiones sobre sí mismo. Los grandes autores siempre proponen algo. El arte no es una revelación sino la inminencia de una revelación. Muestra que hay una parte de cada uno de esos personajes que tienen que ver con uno mismo. La energía fluye de piel a piel. Y la base de esa corriente es el pensamiento del poeta”.

El valor de su palabra se escuchó arriba y abajo del escenario. Con sus declaraciones públicas, salió al cruce de la vorágine desinformativa. Hasta con su muerte logró, por un momento, barrer las noticias basura de los medios.

En época de funciones leía todos los días la obra que interpretaba; “Suponer que uno conoce todo de su personaje y no volver sobre él es una limitación de la mente”…”Es como decir que vi la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y creer que eso es suficiente. La  vi, sí, pero con aquel espacio de la mirada que lo enfocó en aquél momento”.

Mientras ensayaba La muerte de un viajante de Arthur Miller, obra que desmitifica el “sueño americano” del progreso individual, denunció que “debe haber una mejor manera de vivir que no sean 12 horas de trabajo, 15 días de vacaciones, te jubilás y luego te morís.Es una manera pobre para los pobres y pobre para los ricos, que están a la defensiva con murallas y vidrios polarizados. Nadie está cómodo. Y deberíamos estarlo”. Eso se publicó en  2007. ¿Qué pensaría hoy, cuando están en tela de juicio hasta las vacaciones y el aguinaldo? Y entonces agregaba: “Yo creo en la más utópica de las utopías. Por eso hay que intentar, siempre. Hacer Shakespeare, por ejemplo, es un ejercicio de humillación, porque nunca vas a llegar ahí. Pero ese esfuerzo te hace crecer”.

“Antes de subir a escena tengo un miedo terrible. Llego bastante antes al teatro porque no hay ninguna seguridad, ninguna certeza. Uno sabe que la palabra que más te puede lastimar, solamente vos te la podés decir. Los demás sólo pueden merodear ese lugar. Ese espacio entre lo que uno hace y uno quiso hacer es esa nostalgia de la perfección que dice que las garantías no existen”

Sin embargo, lo recordamos en Israfel de Abelardo Castillo, con la dirección de Inda Ledesma. Se estrenó en uno de los tantos teatros desaparecidos, el Argentino de la calle Bartolomé Mitre. La escena culminante del “delirium tremens” del poeta Edgard Poe, fue un suceso largamente comentado.

Su anticipo de Hamlet en TV batió un record de audiencia. Algo hoy impensable. Su posterior versión teatral convocó a espectadores ávidos de verlo y escucharle decir lo que estaba prohibido en la calle. “En este país se puede sonreír siendo un canalla” era una réplica que despertaba murmullos en la sala.

En Los caminos de Federico incorporó nuevos matices al recitar Doña rosita la soltera, con una gama de inflexiones que revelaron sus facetas desconocidas. Y su tributo a García Lorca.

Aquél grado de empatía con el público se corroboró durante las funciones de Enrique IV de Luigi Pirandello. El protagonista ingresa a la media hora del primer acto, y los espectadores del Teatro San Martín cuchicheaban impacientes. Los aplausos coronaron su presencia en el escenario. Otro tanto ocurrió en Filosofía de vida, de Juan Villoro. Actuaba sentado en una silla de ruedas, por motivos de salud. En el momento en que se paraba era ovacionado, en todas las funciones.

Sus prestaciones en roles shakespereanos enriquecieron afectivamente el vínculo filial paterno con la hija. Tanto entre Próspero y Miranda en La Tempestad, como entre Lear y Cordelia en Rey Lear.

En la farsa escénica Variaciones Goldberg de George Tabori, su monólogo final  seguía siendo comentado después del espectáculo, en la demora del público que lo esperaba en la Avenida Corrientes. 

Aseguró que en el teatro siempre eligió las obras. No así en el cine, donde tuvo repercusión en películas de Torre Nilsson, como Martín Fierro y El santo de  la espada. Caracterizó desde un personaje donjuanesco y enfermizo  en Boquitas Pintadas, basada en la novela de Manuel Puig, hasta el diablo gaucho de Nazareno Cruz y el lobo, dirigido por Leonardo Favio. Sólo para mencionar destellos de una lista cuantiosa.

En 2014 partió hacia una dimensión legendaria. El actor Joaquín Furriel, que fue supartenaire en Final de Partida, considera que empezamos a tener una edad cultural como país. “Que yo pueda hablar de Alfredo Alcón y tenerlo presente es una manera de acercarlo a las nuevas generaciones. Eso se llama tradición”. Y cada vez que puede, trata de compartir lo que significaba Alfredo como actor. Se trata de enfrentar la ansiedad y el exitismo. Es el caso de los jóvenes cegados, inmersos en  teléfonos que  destruyeron su identidad. Ajenos a un pensamiento crítico. En estos tiempos de un sistema  muy bien pensado para liquidar las posibilidades creativas e intelectuales de las personas.

*OSVALDO ANDREOLI: Escritor, poeta, periodista, crítico cultural, directivo de la Asociación de Críticos Musicales de la Argentina.(ACMA). Actualmente conduce la audición La escenaVirtual en FM 91.1 Radio Amadeus. Fue colaborador de Página 12, La Razón, Tiempo Argentino, El Gran Otro, etc. Creó programas en Radio Nacional Clásica y Radio Municipal, Radio Cultura y Amadeus. Egresado de la carrera de Régie en el ISA del T.Colón. Cursó la carrera de Filosofía en la UBA.

Autor de Alfredo Alcón, El actor de la utopía.Ed.Leviatán.

Egresó de la carrera de Régie del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Se formó en actuación, ópera y puesta en escena con maestros como Raúl Serrano, Francisco Javier, Margarita Wallman, Peter Brook y Pola Suárez Urtubey, entre otros.

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Al abandonar su autonomía, la razón se ha convertido en instrumento. […] Su valor operativo, el papel que desempeña en el dominio sobre los hombres y la naturaleza, ha sido convertido en criterio exclusivo. […] Las nociones se han convertido en medios racionalizados, que no ofrecen resistencia, que ahorran trabajo. Es como si el pensar se hubiese reducido al nivel de los procesos industriales sometiéndose a un plan exacto; dicho brevemente, como si se hubiese convertido en un componente fijo de la producción.

   Horkheimer, Max; La razón instrumental

Oppenheimer ha sido dentro de los estrenos del corriente año, una oveja negra respecto del modelo narrativo elegido para ella por Christopher Nolan, su director. Es una película basada en la novela American Prometheus de Kai Bird y Martin Sherwin. Pese a que en su estreno se comenzó a hablar en las redes del fenómeno Barbieheimer. Está claro que se trata de películas bien opuestas. Sin embargo tal fenómeno supondría el regreso del público masivamente a las salas. El tiempo dirá si es así o no.

      Es muy raro que hoy el cine opte por un relato profuso y complejo como el que presenta esta película. El beneficio que posee Nolan consiste en tener sello propio. Nadie le va a cuestionar el tipo de película que hace.

     Hace mucho que el cine industria ha optado por los mismos cliches de un espectáculo que tiende a estandarizarse cada vez más. En lo único que parece haber seguido cierta tendencia del momento este film, es porque es un biopic. Fuera de eso, es una película compleja, abrumadora y deslumbrante para cualquier espectador exigente.

    Lejos de la gramática remanida de los tanques probados de Hollywood: superhéroes, infantiles de un estilo estridente y efectista, musicales, etc, Nolan se apega rigurosamente al logos. Es decir, la película -que es también un film sobre la ciencia y sus paradojas- sigue un argumento que despliega razonamientos, diálogos jugosos y penetrantes, Imágenes que se acoplan al relato de manera lógica y no como meras efervecencias que suponen un guiño al espectador amante de efectos fáciles, donde la fascinación de la presencia icónica no requieren de una legibilidad correlativa.

Para comenzar, se trata de una película abrumadora, pero no por capricho del director: la vida de Oppenheimer fue abrumadora, el papel que le tocó jugar dentro del proyecto Manhattan, lo fue,  el modo en que lo manejó, el resultado de dicho proyecto y la ingratitud de quienes se beneficiaron con él y se olvidaron por completo de él cuando cae en desgracia, también lo fueron.  Es un hombre que parece haber vivido a gran escala.

     Todo lo que se dice, lo que se discute, lo que se piensa en la película converge a un efecto unitario (un poco como buscaba Poe en sus cuentos), que consiste en exhibir un relato complejo, imposible de sintetizar y cuya experiencia es necesaria para la comprensión de la situación que le tocó vivir al protagonista. Sin dejar nada afuera: los discursos, los efectos, las transiciones, las imágenes espectaculares, el sonido, etc. Y lo más importante: si intentamos contarla, enseguida sentimos que algo preciso se ha perdido. Es una película que debe experimentarse, una experiencia cinematográfica.

     En ella se combina todo: la ciencia, las parejas, el sexo, las rivalidades, las tensiones, la lucha por la comprensión del propio proyecto, la soledad, la lealtad, la traición, el pasado maccartista vergonzante por lo menos para Nolan, donde se muestra hasta qué punto los fanatismos terminan por sepultar lo mejor de un hombre.

Pero el hilo conductor imprescindible es el relato, no podemos perder pie en él, aquí es donde el logos se impone, pues se trata también de un relato científico, un relato plagado de razonamientos en torno a las ciencias duras, para las que lo histórico ha jugado desde luego, un papel decisivo. El logos, y no las imágenes sueltas, los alardes interpretativos aislados, o determinados momentos climáticos, no. La trama como un puzle a desenredar que busca, un poco como El Ciudadano con Charles Foster Kane, el kid último que defina al protagonista, sin hallarlo desde luego.

En un principio Robert Oppenheimer (Cillian Morphy) es un estudiante que trabaja con el físico experimental  Patrick Blackett (James D´arcy) en el laboratorio de Cavendish, y con quien está molesto. Le deja una manzana envenenada a su alcance. Luego descubre que el físico danés Nihls Bohr (Keneth Branagh) está a punto de comerla y lo evita. Después terminará su formación en la universidad de Gottingen en Alemania, donde entra en contacto con Werner Heisenberg (Mathias Schueigofer). Bohr y Heisenberg son los creadores de la física cuántica.  Regresa a EEUU con la esperanza de expandir su saber sobre la física cuántica. Conoce a su esposa Katherine Puening (Emily Blunt), bióloga y ex miembro del partido comunista y a su amante Jean Tatlock (Florence Plugh) también comunista, y que terminará suicidándose. Es en este contexto en que conoce al general Leslie Groves (Matt Damon), quien se encarga lo recluta y controla a la vez para el proyecto Manhattan, después de que Oppenhaimer le asegura no tener simpatía por el comunismo. El general Groves  alberga sus dudas al respecto. Siendo judío teme que los alemales obtengan una bomba atómica antes. Habiendo conocido a Heisemberg, sabe que es muy probable que lo logren. Discute incluso con Albert Einstein (Tom Conti) , que ya reside en los EEUU sobre la posibilidad de crear ese tipo de arma nuclear, Einstein lo alerta al respecto. Una vez rendida Alemania, algunos científicos dudan de la continuidad del proyecto, sin embargo la orden de Truman es seguir adelante. El frente Pacífico aún no ha caído. La prueba Trinity se lleva a cabo justo antes de la Conferencia de Postdam,  que supuso el encuentro de Stalin, Churchill y Truman, donde se planteó la división de Alemania y una serie de acuerdos de posguerra.  El proyecto finaliza y se concreta en los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, cuyos resultados devastadores se recuerdan hasta el día de hoy. De esta manera Oppenheimer se convierte en el padre de la bomba atómica. Viendo el resultado en ambas ciudades japonesas, el científico se preocupa por que proliferen este tipo de armas. Es más, sigue atentamente el desarrollo de la bomba de Hidrógeno. Se reúne con Truman para instarlo a la moderación con este tipo de armas, pero ya es tarde. Truman no lo escucha. En la lucha desigual entre la razón teórica y la razón instrumental, ha triunfado esta última, barriendo con todo reparo humano ante la destrucción a una escala nunca antes vista. A Truman le disgusta la desilusión de Oppenheimer y no lo vuelve a recibir. Comienza a generarse un debate al interior de la sociedad norteamericana sobre el uso de estas armas. Oppenheimer queda del lado de los pacifistas. Y esto lo vuelve vulnerable frente al Comité de Actividades Antinortemericanas que había liderado el senador Mc Carthy. Quien colabora activamente con este comité es Lewis Strauss (Robert Downey Jr) como presidente de la Comisión de Energía Atómica de los EEUU, que envidiaba ostensiblemente a Oppenheimer, pues ha hablado mal de él ante Einstein, y ha desestimado la exportación de radioisótopos que había sugerido. Strauss explota las relaciones de Oppenheimer con comunistas, dando la idea de que él mismo lo era. En una posterior investigación sobre el físico célebre, David Hill (Rami Malek) confirma la animadversión que Strauss siente por Oppenheimer.

    El relato es el que sigue ese hilo racional, de la racionalidad pura y dura de la ciencia y se entronca con los esfuerzos por obtener un resultado. Sin embargo, el objetivo va más allá de esa racionalidad. Se inclina -como diría Einstein- a la instrumentalización de esa razón teórica, cuyo entusiasmo obnubila la terrorífica dimensión práctica que comprende el proyecto. En tal sentido, Nolan nos muestra a un Oppenheimer tan inmerso en el proyecto que cuando efectivamente tiene éxito, toma cabal conciencia de lo que ha dado a luz: una de las peores armas gestadas en el siglo XX. La larga secuencia del festejo en Los Álamos por el éxito de la prueba, dan muestras de esta conciencia trágica a partir de este momento que habitará al científico hasta el fin de sus días. El sentido del pensamiento está en su instrumentalización, el pensamiento en sí no interesa a nadie, no sirve para nada, más que para volver viable aquello que los poderes ansían obtener. Una vez obtenido, sus gestores desaparecen como fantasmas a los que nadie ya escucha.

    Finalmente en 1963 Oppenheimer es rehabilitado otorgándosele el premio Enrico Fermi. Sin embargo la culpa persigue a Robert y se pregunta si su prueba en Los Álamos había creado una reacción en cadena que llevaría a un holocausto nuclear.

    La vida de Oppenheimer queda inserta dentro de una lógica que es justamente la de la razón instrumental. El propio Oppenheimer termina siendo instrumentalizado por Truman  cuando éste lo va a ver para advertirle sobre el peligro de una escalada atómica y advirtiéndole acerca de la bomba de hidrógeno. La maquinaria imparable de esa monstruosidad racionalista que tan bien habían avizorado algunos pensadores y artistas durante el siglo XIX había sido echada a andar. Nadie pensará en Truman cuando se piense en la carrera atómica, sino en Oppenheimer. Por eso en este film, Nolan le hace justicia al destacado científico norteamericano y señala la miseria humana de Truman.

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Por  ADRIANA MÓNICA GASPAR

…lo que más nos alarma es el avance de la mercantilización de los cuerpos de mujeres y niñas para la pornografía y la prostitución.

G.A.: ¿Desde cuándo y cuáles son los objetivos del Museo de la Mujer Argentina?

G.T.C.: El Museo de la Mujer en CABA, desde su creación hace casi 20 años, cumple los objetivos de defender los derechos de las mujeres y es un recurso de concienciación sobre la opresión social que sufrimos, lo que le ha valido ser Declarado de Interés Cultural por el Honorable Congreso de la Nación (O.D.2378 de junio 2007).

Hoy, nuestra principal preocupación es que, pese a los avances legislativos que hemos conquistado en las últimas décadas, estamos frente al incremento de algunas violencias milenarias, empezando por los femicidios con un alarmante número de 300 asesinatos de mujeres al año por el sólo hecho de serlo. Hay temáticas de agenda permanente en el campo laboral, en el cuidado de los y las hijas, el cuidado de la salud sexual y reproductiva, la calidad de la participación política en paridad con los varones y otras tantas reivindicaciones pendientes. Pero lo que más nos alarma es el avance de la mercantilización de los cuerpos de mujeres y niñas para la pornografía y la prostitución. Se pretende naturalizar desde las redes sociales y las plataformas digitales, la explotación como un hecho progresista y liberador para las más jóvenes. Abordar estos temas con perspectiva histórica y proyección de futuro igualitario es como proyectamos nuestra programación interdisciplinaria en la sala del museo para el año 2024.

 G.A.: ¿Cuáles son las actividades interdisciplinarias que vienen trabajando en el Museo para poder abordar las distintas propuestas?

G.T.C.: Nuestra línea de “museología feminista” concibe la interdisciplinariedad: exposiciones históricas, muestras de artes plásticas, música, danza, teatro, etc. dialogando en el mismo espacio expositivo. Por ejemplo, desde nuestro proyecto museístico-teatral, promovimos cuatro ediciones del Festival Nacional de Teatro sobre Violencia de Género desde el año 2013 al 2019, mereciendo la primera edición la distinción del Premio “Florencio Sánchez”. Estamos convencidas que el soporte del arte, entendido como “artivismo”, es un vehículo de comu-nicación privilegiado para incidir en la transformación social. Una obra de arte, en cualquiera de sus disciplinas y soportes, interpela desde los sentidos y sentimientos como recurso pedagógico mucho más que cualquier discurso.

 G.A.: ¿Cómo es el vínculo entre el Museo de la Mujer y la Película: “Nuestra Venganza es ser Felices”, de reciente estreno?

G.T.C.: Como Museo hemos promovido y colaborado con muchas iniciativas artísticas de cine y teatro, entre las cuales se halla la Película documental “Nuestra Venganza es ser Felices” dirigida por la cineasta Malena Villarino y protagonizada por Sonia Sánchez, sobreviviente de trata y prostitución quien relata la experiencia de su sometimiento y explotación sexual. Ambas son entrañables amigas feministas con las que compartimos la lucha abolicionista de la prostitución.

Estas producciones no están en el circuito comercial de cines, aunque por su contenido merecerían una gran promoción, pero encuentran en nuestra militancia feminista su principal soporte y estamos orgullosas de tal esfuerzo.

 G.A.: Para este tema, contanos acerca del Proyecto de Ley que promueven para erradicar el sistema  prostituyente en Argentina.

G.T.C.: Este proyecto es una iniciativa de C.A.Fe – Convocatoria Abolicionista Federal que el museo integra y tiene como objeto completar el programa abolicionista, denunciando el trato de personas como mercancías. El texto del proyecto contempla sanciones a las conductas de los prostituidores – mal llamados “clientes” -por el daño que producen y como forma de prevenir la prostitución, la trata y la violencia contra mujeres, niñas y demás personas prostituidas. A la vez que busca descriminalizar a las personas prostituidas y restituir sus derechos humanos a fin de posibilitar su salida del sistema prostituyente, ubicándose en el campo de los tratados internacionales de derechos humanos que nuestro país ha firmado y ratificado. Esta iniciativa no será de fácil logro, como tampoco lo fue el derecho al aborto por el que luchamos casi cuatro décadas, pero sabemos que es justa y necesaria. El lobby parlamentario está muy demorado por la inacción que por razones electorales ha tenido este año el Congreso Nacional, pero la experiencia de países como Suecia, Islandia, Noruega y Corea del Sur que llevan décadas de vigencia de legislación abolicionista y también más recientemente Irlanda del Norte, Israel y Francia, nos reafirman la justeza de estas legislaciones que permitió disminuir significativamente la demanda masculina de prostitución. 

G.A.: ¿Cuáles son los vínculos y que actividades desarrollan con otras instituciones feministas internacionales? 

G.T.C.: El feminismo desde su origen ha tenido un carácter internacionalista pues la opresión patriarcal se constata como un fenómeno histórico- social planetario, aunque se manifieste culturalmente de maneras diferentes. Siendo así, las alianzas internacionales entre mujeres son necesarias, particularmente cuando debemos enfrentar ofensivas antifeministas neoliberales y misóginas como en la actualidad. Las “olas”, como metáfora de los momentos de auge de luchas, expresan historiográ-ficamente los avances y retrocesos que el movimiento internacional de las mujeres ha vivido y vive. Respecto del Museo, en el año 2008 fuimos miembro fundador de la Red Internacional de Museos de las Mujeres en el mundo, transformada desde el año 2013 en IAWM – International Association of Women´sMuseums (www.womeninmuseums.net).

 En la actualidad integramos varias coaliciones y campañas como la CIAMS – Coalisión Internacional por la Abolición de la Maternidad Subrogada, mal llamada “alquiler de vientres”; WDI – Declaración Internacional de los Derechos de las mujeres en base al sexo – Cap. Argentino, para impedir el borramiento real, social, jurídico y simbólico de las mujeres reduciendo nuestra existencia a una “identidad de género” entre muchas otras.

G.A.: Desde tu experiencia cómo directora del Museo de la Mujer en Buenos Aires, contanos cómo ves el feminismo, en la actualidad en nuestro país.

G.T.C.: El Feminismo que nació en el siglo XVIII como proyecto político de transformación social ha experimentado, como todo movimiento social-histórico, momentos de auge y momentos de retroceso y en y de ellos se han ido sintetizando sus prácticas en teorías que fueron guías para nuevas prácticas superadoras de las anteriores en las que fuimos aprendiendo sobre el origen social no natural de la opresión que por miles de años se ejerció sobre nosotras. Ese aprendizaje es siempre inacabado y tiene su meta en la liberación social y sexual de las mujeres y no sólo en reivindicaciones parciales o peor aún, con banderas disfrazadas de progresismo que nos hacen retroceder y esfuminan el objetivo máximo que persigue el Feminismo y tergiversan en el discurso a su sujeto político que somos las mujeres. Ésta es la situación actual que enfrentamos en nuestro país y en el mundo.

 G.A.: ¿Cuál es el grado de vulnerabilidad en el que se encuentran las mujeres en los distintos territorios de nuestro país en relación a Latinoamérica y el mundo?

G.T.C.: La violencia que sufrimos las mujeres es proporcional a la vulnerabilidad en la que nos encontramos, producto de la creciente pobreza vinculada con la precariedad e informalidad laboral de millones de mujeres en la ciudad y en el campo. La falta de políticas públicas para salvaguardar nuestros derechos humanos: trabajo, vivienda, salud, educación, justicia… es la que nos empuja aquí y en toda América Latina y el Caribe al mercado fragmentado de nuestros cuerpos: úteros o tetas y culos, fragmentar el cuerpo implica suprimir y eliminar simbólicamente a la persona, pero mantener sexualizados y feminizados los fragmentos para el consumo.

Sólo si nos organizamos con agenda propia podremos, en acciones colectivas, pergeñar nuevos auges de lucha consciente y para ello ponemos al servicio el museo.

*Graciela Tejero Coni: Feminista, Historiadora. Militante social y política desde la década del 70. Actualmente directora del Museo de la Mujer, CABA, Argentina. Investigadora en temas de Educación y género. Ha publicado libros y artículos en revistas especializadas nacionales y extranjeras. Docente y huésped académica en universidades nacionales. Fundadora de la Primera Especialización docente de nivel superior en ESI, M. de Educación, GCBA. Miembro de la Comisión Organizadora del Encuentro Nacional de Mujeres en Capital Federal (1986/96). Coordinadora para América Latina y el Caribe de la Red Internacional de Museos de las Mujeres (2008/12) y co-fundadora de la IAWM (International AssociationWomen´sMuseum).

info@museodelamujer.org.ar 

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“La idea se convierte en una máquina que produce arte”

La destacada artista plástica argentina Adriana Gaspar responde, en esta entrevista, los interrogantes surgidos de su vasta y fructífera trayectoria.

Por Luis Benítez

Imágenes:cortesía archivo de Adriana Gaspar    

Luis Benítez: -¿Cuáles son las influencias de otros artistas más acusadas en su obra plástica y de que forman contribuyeron en su estilo?

Adriana Gaspar: –Mis influencias devienen del arte conceptual, aunque como todas las influencias no las ejercemos de manera literal. Si bien el origen del arte conceptual lo encontramos en los ready made de Marcel Duchamp, debemos recordar que quien lo señala como categoría estética es Sol Lewitt en 1967, quien señalaba: “En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando la artista se vale de una forma de arte conceptual, significa que todo el proyecto y las decisiones se establecen primero y la ejecución es un hecho mecánico. La idea se convierte en una máquina que produce arte”.

Este es el lineamiento fundante e institucional que le otorga categoría como tal a esta corriente artística. Posteriormente, y en forma paralela, empiezan a aparecer otras corrientes que van atravesando los distintos lenguajes estéticos ligados a esta teoría. Por ejemplo, un libro muy interesante al respecto es Del Arte Objetual al Arte de Concepto, de Simón Marchan Fiz. Las obras comienzan a ser atravesadas por lenguajes y teorías; para ubicar la época, ya nos estamos refiriendo casi a mediados de los ‘70.

Por aquella época cobra mucha notoriedad la obra de Liliana Porter, artista argentina radicada a partir de 1964 en Estados Unidos (aunque siempre viaja a Argentina). Ella indaga y pone en cuestión la idea del tiempo, las fronteras entre realidad y representación. Su obra nos presenta un espacio donde converge lo conceptual y lo objetual, o sea la materialización de los objetos. El blanco también es una constante en su obra, lo que afirmaría un lugar donde lo atemporal se hace protagónico.

Todas estas corrientes, la obra de esta artista, por ejemplo, fueron influyendo en mi obra, la que por supuesto tiene un lenguaje creo yo personal y en el que además poseo mis propios códigos. Trato de generar también una simbología que se corresponda con mis producciones. Con ellas intento concebir un lenguaje propio. Para mí, el sello personal en la obra de un/una artista es muy importante. Las dos corrientes (conceptual y objetual) influyeron mucho.

LB: -Dentro del escenario cultural actual, ¿cuál cree usted que es la     situación de las artistas plásticas?

AG: -Latinoamérica es un territorio donde las mujeres artistas, a partir de fines de los ’60, han comenzado a visibilizarse, hecho que empezó a suceder a partir de las luchas. México es un ejemplo.

Nos costó históricamente demasiado que nos reconozcan como artistas, sobre todo en los ámbitos institucionales. En el siglo XIX y las primeras dos décadas del XX las mujeres podíamos hacer arte pero como hobby, mientras nos quedábamos en casa cuidando a los y las niñas, encargándonos de las tareas del hogar; nuestra labor estaba ligada a lo doméstico. En los salones oficiales era impensado premiar a una mujer, incluso que fuera aceptada. Hoy somos aceptadas y premiadas, pero la diferencia entre los varones y las mujeres sigue siendo en este siglo abismal. Por eso muchas veces nuestras exposiciones tienen lugar en espacios autogestivos o donde priorizan la obra de mujeres. Hoy nos interesa que el arte sea un portavoz de las problemáticas que nos atraviesan en esta sociedad, que constituya un vehículo para llegar a la gente; por lo menos es lo que a mí me interesa ya desde hace tiempo y es el contexto donde me interesa estar.

Los colectivos artísticos feministas trabajamos mucho para poder comenzar a revertir esta historia. En la segunda mitad del siglo pasado, a fines de los ‘60, principios de los ‘70, las feministas empezaron a luchar por nuestros derechos de manera contundente y continua, aunque las reuniones se daban en la clandestinidad, dado que nuestro país se vio atravesado por la última dictadura cívico-militar (entre 1976 hasta 1983) hasta que llegó la democracia. Entonces  los movimientos de mujeres comenzaron a ser más fuertes, se había ganado la lucha en las calles.

Yo soy parte de un colectivo feminista: Cuerpos Desobedientes, el que conformamos al comienzo de la pandemia, en abril de 2020. Lo conformamos tres artistas: Valeria Zabala, Mey Meroño y quien esto escribe, Adriana Gaspar.

LB: –Yendo a su muestra Pequeños fragmentos de lo que quedó, ¿cuáles son los principios y las intenciones que la llevaron a montarla y exhibirla públicamente?

AG: -Hace tiempo que abordo en mis obras las distintas violencias por la que atraviesan las mujeres. Comencé hace años a indagar a cerca de los mandatos sociales, claro ejemplo de violencia. Los femicidios ocuparon durante mucho tiempo la centralidad en mi obra, pero son tantas las violencias que se ejercen sobre nuestros cuerpos que decidí revisar mis escritos y comenzar a narrar conceptual y objetualmente acerca de otras formas de violencia. Por un lado abordar la violencia estética: las mujeres siempre estuvimos sometidas a ciertos estereotipos de belleza, los que han ido cambiando en las diferentes décadas, aunque la exigencia fue generando cada vez más presión, lo que nos genera diversas complicaciones, en muchas ocasiones muy severas para nuestros cuerpos, tanto desde lo psicológico como desde lo físico.

Por otro lado la violencia a la que fueron sometidas las mujeres en la última dictadura cívico-militar. Esta obra que usted tuvo oportunidad de observar conforma  un relato objetual que intenta visibilizar algo de lo que sucedía en esa época. Recordando a todas ellas, rindo un homenaje a dos poetas secuestradas y desaparecidas, Ana María Ponce y Alicia Raquel Burdisso.

Traté de revisar a través de los hechos históricos la narrativa de la época y, de ella, abordo lo que quedó en ese reservorio de la memoria, en ese imaginario colectivo que no hace más que dar cuenta de  lo acontecido. Esos fragmentos de un mobiliario ya en desuso, se alimentan de una identidad que cobra fuerza en la simbología de cada objeto del ámbito cotidiano. El blanco en mi obra se sirve de la fuerza necesaria para enunciar el vacío de esa ausencia, dotada por la sonoridad gélida que le otorga el paso del tiempo.  Este año en Argentina cumplimos 40 años de democracia. Esto y el contexto socio-político-cultural por el que atravesamos fue lo que me impulsó a exhibirla.

Cada pieza estuvo pensada desde el significado individual y colectivo necesario para esta narrativa visual. Hubo un trabajo de gran compromiso y criterio en la selección de los objetos con la curadora de mi muestra, la Lic. Valeria Zabala. El trabajo curatorial es imprescindible en el mundo de la contemporaneidad.

LB: -¿Cuáles son sus próximos proyectos artísticos?

AG: -Algunos de los proyectos que tengo pendientes son, por un lado, realizar una muestra de libro de artista de manera colectiva. Otro es trabajar en un proyecto colectivo de performance abordando una temática de género.

Asimismo, continuar trabajando fuertemente en proyectos colectivos como Generación Abierta -soy vice-directora de la revista que tiene el mismo nombre-. Esta fue declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires por la Legislatura Porteña y es una de las pocas revistas que sigue apareciendo en formato papel desde hace 35 años. La Dirección está a cargo del Lic. Luis Raúl Calvo, poeta y ensayista.

También mi idea es seguir trabajando como columnista de radio en los programas de dicho proyecto: Generación Abierta en Radio, Crónicas Barriales, Arte y Cultura en la Ciudad, ambos emitidos por la AM1010 Onda Latina, y La Tarde está en Plenitud, puesto en el aire por FM Amadeus 91.1. De igual modo, continuaré ejerciendo  la curaduría del Segmento de Arte del Ciclo Literario y de Arte “Antonio Aliberti”.

Por otro lado, hace más de un año abrimos un espacio de arte autogestivo e independiente con la Lic. Valeria Zabala. Ambas somos sus fundadoras y curadoras; en sus comienzos estuvo ubicado en el Mercado San Cristóbal y ahora lo está en el Mercado Vélez Sarsfield, sito en Chivilicoy 59, en la ciudad de Buenos Aires.

También seguiré trabajando con el Proyecto Subjetividad, Diversidad: Cuerpos, junto con Claudia B. Sanzone y Claudio Braier. En 2024 cumplimos 10 años de trabajo colectivo, es un proyecto multidisciplinario, realizamos una jornada anual a partir de prácticas performáticas, conversatorios y publicaciones.

Y por último seguiré realizando actividades con el Colectivo Artístico Feminista Cuerpos Desobedientes (Adriana Gaspar, Mey Meroño y Valeria Zabala). Gracias a ustedes por la entrevista.

Sobre la artista

Adriana Gasparnació en Buenos Aires. Es Licenciada en Artes Visuales y Profesora Universitaria Egresada de la Universidad Nacional de las Artes ( UNA). Profesora Nacional de Bellas Artes (especialidad en pintura). Especialista en Producción de Textos Críticos y Difusión Mediática de las Artes, UNA. En el campo educativo ha desarrollado su labor en el nivel medio y de adultos, en Buenos Aires. Ha dictado seminarios en distintas instituciones públicas y privadas. Desde 1988, ejerce la Sub-dirección de la Revista “Generación Abierta” y es responsable de la Sección de Artes Visuales, director: Luis Raúl Calvo (Letras-Arte-Educación), Declarada de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, 2000. Responsable del segmento de Artes Visuales en los Programas de Radio: Generación Abierta en Radio, desde el 2007, Crónicas Barriales & Arte y Cultura en la Ciudad, ambos en la AM 1010, Onda Latina. La Tarde está en Plenitud en FM Amadeus 91.1.

Fundadora del Proyecto Multidisciplinario “Generación Abierta” – Artes, Letras y Educación -, desde 1988.

Como artista visual, performática, investigadora y curadora, trabaja desde hace años en proyectos colectivos e individuales en el campo de las artes y la literatura.

Responsable del segmento de Artes Visuales del Ciclo Literario y de Arte Antonio Aliberti.

Cofundadora y directora del Proyecto Subjetividad, Diversidad: Cuerpos, con Claudia B. Sanzone, desde 2013, con organización, producción y prensa de Claudio Braier.

Últimas muestras realizadas:Mandatos Prenupciales, Espacio de Arte El Cid, 2015. Páginas y Libro de Artista: Galería Espacio UKaMa / Málaga, España,  2017. Cuerpos en Ausencia, Galería Caja Blanca, 2018. Artistas Generando lazos por la igualdad y la Equidad, Galería Arte x Arte, 2018. Mandatos Prenupciales y Algo más. Relato de un Cuerpo Sitiado, Espacio Y LugarCultural,2018/2019. Poseedoras de Derechos Accionando la Igualdad, Camargo 1020, Espacio de Arte, 2020. Historias de Mandatos y Violencias en el Museo de la Mujer Argentina, 2022. Nosotras Luchamos- Wir Kampfen, en el Museo Legislativo de la Honorable Cámara de Diputados, Curaduría del Colectivo Cuerpos Desobedientes, Muestra Documental de Colectivos Feministas Latinoamericanos, 2022.

Pequeños fragmentos de lo que quedó. Museo de la Mujer, 2023.

Se refirieron a su obra Rosa Faccaro, Fabiana Barreda, Leonor Calvera, María Marta Donnet, Vale Zabala Eduardo Baliari, Enrique Gené, Luis Benítez, Luis Raúl Calvo, entre otros.

Últimos conversatorios: Enigma Editores: Identidad: Mujer, violencia y vulnerabilidad, en OEL (Organización de Estados Latinoamericanos). Espacio Y Lugar Cultural: Cuerpos cicatrizados, 2018. Museo del Libro y de la Lengua, Tras las huellas del surrealismo, 2019: Museo de la Mujer, Adriana Gaspar – Susana Neuhaus: Mujeres olvidadas por el Patriarcado: artistas invitadas: Mey Meroño y Claudia Ruiz Herrera, 2019.   Asociación Americana de Poesía Ester De Izaguirre: La vida como narración, 2022.

Últimas performances y videoperformances: Travesías Poéticas: Homenaje a Alejandra Pizarnik, Alianza Francesa, 2018. Perfoadictes: ¿Qué podés esperar de una mujer? Casa Doblas. 2018. La mujer perfecta, en coautoría con Gabriela Martínez, 704 Oficina de Arte, 2019. Historias Inconclusas, en coautoría con Gabriela Martínez, realizada en los siguientes espacios: Centro Cultural Paco Urondo, De a Dos / Otrxs, 2019. Feria Internacional del Libro 2023, invitadas por la SEA (Sociedad Argentina de Escritoras y Escritores). Automotores Orletti, 2023, en el marco de la Muestra Homenaje a Carmen y Daniel. Videobardo, Festival Internacional de Video Poesía 2023.

Títulos publicados: Rocco Incardona: Cuerpo y Libertad, Fundación Oeste. Bs. As., 2016. Subjetividad, Diversidad: Cuerpos, en coautoría con Claudia B. Sanzone y Claudio Braier, 2019. Publicaciones en antologías:Enigma Editores: Una misma temática: diferentes tiempos históricos. Boquitas Pintadas: Territorio de Dolor. Entre el Silencio y el Empoderamiento, breve ensayo sobre una obra de Valeria Zabala. La afectividad en la obra de Liliana Porter. Publicaciones en revistas y sitios web: Generación Abierta, formato papel y digital.

Cofundadora y co-curadora del Cubo VerDe Arte, Espacio de Arte Autogestivo e Independiente, Mercado Vélez Sarsfield,juntamente con la Lic. Valeria Zabala.

Integra el Colectivo “Cuerpos Desobedientes”, con Mey Meroño y Valeria Zabala desde abril de 2020. Páginas y redes de referencia:

www.generacionabierta.com.ar

@adrianagaspar20

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 Linktr.ee/Adriana Gaspar

@cubo_verde_arte

@cuerpos.desobedientes

La entrada Muestra “Fragmentos de lo que quedó”, de Adriana Gaspar, en el Museo de la Mujer Argentina (C.A.B.A.). Del 01 al 29 de Diciembre de 2023. Entrevista de Luis Benítez. se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por  MARÍA MARTA DONNET

Adriana Gaspar es Licenciada en Artes Visuales, artista plástica, performer.

Yo soy poeta, escritora.

Por esta razón, voy a abordar la obra de Adriana desde el punto de vista poético. Les contaré las sensaciones, las vivencias, los dolores viejos y los recuerdos que me invadieron el día en que visité por primera vez esta magnífica obra.

La exposición fue realizada en el Museo de la Mujer Argentina, sita en Pasaje Rivarola 147, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Una obra exquisita dividida en cuatro partes: “Trata”, “Mandatos”, “Femicidios” y “Violencia Estética”. Conformada por cuadros, fotografías, collages y diferentes tipos de intervenciones, desde lo textil hasta lo escrito. Imágenes conmovedoras y vibrantes a partir de lo visual, conceptual y trascendente.

Llegué al Museo de la Mujer Argentina, sola. La vereda angosta, el cordón de cemento y la calle recreaban un paisaje de otro siglo. Me sentí transportada. Abrí una puerta antigua, alta, de madera. Entré al salón y una maraña de frío me caló hasta los huesos. Después de forzar una pared invisible, comencé a recorrer, muy lentamente, cada uno de los dolores colgados de la pared. Rostros inacabados, rostros que la obra pretendía ocultar, pero que despertaron a las mujeres dormidas en mí. Aparecieron mi madre, mi hermana, mi abuela, mi tía, la vecina …..y tantas otras mujeres silenciadas por el oprobio, el sinsentido y el patriarcado.

“Sólo trozos de mí.

¿Dónde habrá quedado esa mirada la primera

en donde estaba yo?” Digo en uno de mis poemas. Esto versos fueron traídos por la obra que observaba en el sector de “Mandatos”.

Vi los tules, las caras cubiertas, rosas en los labios, en algunas de las fotografías. No, no hables, no murmures, no digas, no pienses. “Me gusta cuando callas porque estás como ausente” dice Pablo Neruda en alguno de sus versos.

Y lo habíamos naturalizado, invadidas por el cansancio, quizás. Por la resignación, tal vez. Y continué mirando fotos, historias. Tantas vidas borradas, oprimidas.

¡Silenciadas! Los mandatos patriarcales que nos devoraron, que nos sumergieron en esa cosmogonía inventada por el hombre.

Entonces las mujeres soltaron los velos, flores comenzaron a flotar, y ellas se acercaron, me tomaron de la mano y me invitaron a desandar el camino hacia la redención. Nos desplazamos recorriendo las paredes que hablaban, que gritaban desde las entrañas las angustias que habían sido ahogadas en oporto rancio.

“No pude escapar”, dijeron algunas. “No dejen de buscarme”, dijeron otras. “Un día conocí la libertad”, escribió Gaspar en algunas de sus obras referidas a la “Trata”. Y, una por una, las leí. Y una por una las escuché. Recorrí, entonces, historias de mandatos y violencia sicológica o no. Una mujer joven, vestida de novia, apretaba muy fuerte el vestido de seda blanco, por supuesto, blanco. Un hombre, su padre, la llevaba hacia el altar para “entregarla” a otro hombre que la esperaba y que la tomaba de la mano. Ni un segundo de aliento, ni de sosiego. La mujer joven vestida de novia con su traje blanco no pudo ni siquiera buscar la mirada de su madre que, seguramente, miraba hacia abajo con impotencia y resignación.

La entrada Historias de Mandatos y Violencias de Adriana Gaspar se publicó primero en Fundación Generación Abierta.

Por  LIC. ADRIANA GASPAR

Valeria Salum, es Artista Visual, vive y trabaja en Tigre. Proveniente de disciplinas afines a las artes visuales, como la joyería de autor y el diseño de indumentaria, ha investigado la relación entre esas prácticas y el producto artístico, tensando el límite con fines expresivos y estudiando sus posibilidades en el campo conceptual. A esos saberes y procedimientos, suma el valor de las labores tradicionales para dar lugar a una producción feminista, centrada en las problemáticas de género. Es integrante de la comisión del Museo de la Mujer Argentina.

G.A.: Valeria, nos gustaría que nos cuentes de qué se trata, Cuestiones Propias De La Casa- Obsesión de archivo-, que se exhibió en el Museo de la Mujer Argentina.

V.S.: Cuestiones propias de la casa, es un intento de recuperar la memoria de las mujeres que fueron prostituidas durante el periodo reglamentario en la provincia de Buenos Aires, 1875-1936.

Es una selección de material de archivo que fui coleccionando durante estos últimos siete años. He recorrido la provincia en busca de todo lo que pudiera hallar sobre esta temática. Más que nada me enfoqué en las historias, en los hechos ocurridos dentro de los prostíbulos: momentos que evidencian cómo era la vida cotidiana de las mujeres que habitaron los lupanares reglamentados. También puse el foco en los registros de prostitutas: municipales, de policía o de la institución sanitaria .Rescaté los rostros que en ellos aún perduran. Otros de los temas que me interesan es la implicancia económica para cada municipio, destacar por Ejemplo: en San Fernando con sólo 10 mujeres que pagaran la visita médica a la municipalidad, alcanzaba para cubrir el sueldo del médico; en Las Flores el impuesto anual de una sola casa de tolerancia cubría el sueldo anual del intendente. Además a todo esto hay que sumarle la cantidad de dinero que ingresaba por las multas. Si una mujer bebía demasiado alcohol: multa. Si salía a la calle sin permiso: multa. Si se peleaban dos o más mujeres: multa. En algunos casos con dos multas ya era posible cubrir el sueldo del policía que siempre estaba parado en la puerta o en la esquina del prostíbulo.

G.A.: Contale a Generación Abierta, acerca de los objetos que conforman la muestra, cuál es su origen y quienes te lo cedieron.

V.S.: La muestra está compuesta por 1400 retratos de mujeres prostituidas, una selección de documentos; reglamentos, cartas, expedientes judiciales y notas policiales. Todo este material lo releve de distintos archivos históricos municipales. También hay objetos que fui recolectando, como por ejemplo un respaldo de cama que encontré en el patio trasero del lugar donde estuvo el prostíbulo de Elke Farber en Tapalqué, también el registro municipal de prostitutas de Tres Arroyos que es una donación de Omar Alonso, periodista de esa ciudad; una estampilla con el sello de SANA de la ciudad de Bahía Blanca. También forman parte de esta colección otros objetos encontrados en las ruinas de varias casas de tolerancia. También proyecto una serie de videos/ entrevistas a personas mayores que fueron testigos de varias situaciones; hay una entrevista a Luis Fourcade del año 2018 cuando tenía 99 años, el concurría a los míticos prostíbulos del Canal San Fernando y nos contó cómo hacía para entrar siendo menor de edad, 30 centavos en la mano del agente que estaba en la puerta bastaban para poder atravesarla y burlar el reglamento. Otro dato interesante que nos cuenta es que no todas las mujeres vivían en el prostíbulo, algunas eran vecinas, vivían en sus casas y concurrían en el horario en el que estaba abierto, también hace distinción entre las patentadas y las clandestinas con una doble moral maravillosa.

La entrada Valeria Salum: Artista e investigadora se publicó primero en Fundación Generación Abierta.